Kako je pop art donio svakodnevne slike na pozornicu

U poslijeratnim 1950-ima iz Velike Britanije pojavio se novi pokret koji je drastično promijenio smjer modernizma. Poznat kao pop art, slavio je popularnu kulturu i svakodnevicu prisvajajući slike i objekte iz medija i komercijalnih proizvoda u likovnu umjetnost. S korijenima u ranijim pokretima kao što je Dada koji su dovodili u pitanje definicije "umjetnosti", pop umjetnici usmjerili su pozornost na popularni vizualni krajolik koji je okruživao ljude. Likovi poput Andyja Warhola, Roya Lichtensteina i Jamesa Rosenquista odbacili su tradicionalnu tematiku i umjesto toga uključili masovno proizvedene, proizvedene slike i robne marke koje su zavladale društvom.

Tamo gdje je moderna umjetnost bila usredotočena na povijesne teme i estetiku visoke estetike, Pop je predložio podizanje niske estetike. U galerijski prostor ušle su slike iz reklama, stripova i potrošačke ambalaže. Svakodnevni predmeti preoblikovani su u umjetnost. Ova osvježavajuća rekontekstualizacija poznatih slika i roba bila je hrabar pomak. Unoseći poznate prizore komercijalne kulture u umjetnost, Pop je modernizam učinio pristupačnijim i povezao ga s današnjim vizualnim vernakularom. Doveo je u pitanje stare podjele između elitne i populističke kulture. Stilski potpis pokreta filtrirao se kroz Ameriku 1960-ih, populariziran kultnim djelima kao što su Warholove limenke za juhu i Brillo kutije. Svojom inkorporacijom komercijalne ikonografije, pop art je postao vrlo prepoznatljiv i pomogao promisliti o čemu bi umjetnost mogla biti.

Prisvajajući slike iz masovne kulture u slike i skulpture, pop-art je imao za cilj izazvati tradicionalne hijerarhije između "visokih" i "niskih" oblika umjetnosti. Temeljni koncept pokreta bio je da svaki izvor može nadahnuti umjetnost, brišući granice. Dok su apstraktni ekspresionisti tragali za traumom unutar duše, pop umjetnici su je tražili u posredovanim svjetovima reklama, karikatura i popularnih slika koje su okruživale poslijeratno doba. Međutim, možda bi bilo točnije reći da je Pop priznao da ne postoji nedirnut pristup ničemu - duša, priroda ili izgrađeni okoliši međusobno su povezani. Stoga su estradni umjetnici te veze u svom radu učinili doslovnom.

Iako je pop art obuhvaćao različite stavove, veći dio je zadržao emocionalnu udaljenost u odnosu na gestualnu apstrakciju koja mu je prethodila. Ova "cool" odvojenost potaknula je raspravu oko toga je li Pop prihvatio ili se kritički povukao iz popularne kulture. Neki navode Popov izbor slika kao entuzijastično podržavanje poslijeratne proizvodnje i kapitalizma medijskog procvata. Drugi primjećuju element kulturne kritike, poput uzdizanja robe široke potrošnje kako bi se komentirao zajednički status umjetnosti i robe. Mnogi poznati pop umjetnici počeli su se baviti komercijalnom umjetnošću, poput Andyja Warhola u ilustraciji i Roya Lichtensteina u crtanom filmu. Njihovo iskustvo u oglašavanju i dizajnu obučavalo ih je u jezicima vizualne masovne kulture, omogućujući besprijekorno spajanje "visokih" i popularnih područja. To je utjecalo na ispitivanje Pop Arta o razdvajanju njih dvoje.

Eduardo Paolozzi, škotski kipar i umjetnik , bio je ključna figura unutar britanske poslijeratne avangardne scene. Njegov kolažni rad I Was a Rich Man's Plaything pokazao se vrlo utjecajnim za nastajanje Pop Art pokreta jer je spojio različite elemente popularne kulture u jedno djelo. Uključujući slike kao što su naslovnica pulp fiction romana, reklama za Coca-Colu i plakat za regrutaciju vojske, kolaž je primjer malo mračnijeg tona britanskog popa u usporedbi s američkim parnjakom. Umjesto da slavi masovne medije nedvosmisleno kao neki američki pop, Paolozzijev rad više se odražavao na jaz između idealiziranih prikaza bogatstva u američkoj popularnoj kulturi i oštre britanske ekonomske i političke stvarnosti u to vrijeme.

Kao član utjecajne, ali neformalne Independent Group, Paolozzi je istraživao sve veći utjecaj tehnologije i masovne kulture na tradicionalnu likovnu umjetnost. Njegova upotreba tehnika kolaža posuđenih iz ranijih nadrealističkih i dadaističkih fotomontaža omogućila je rekontekstualizaciju svakodnevnih medijskih efemera, učinkovito rekreirajući bombardiranje komercijalnih slika s kojima se susreće u svakodnevnom modernom životu. I Was a Rich Man's Plaything pokazala se temeljnom kao jedno od najranijih djela koja su narodne jezike oglašavanja, stripova i drugih masovnih komunikacija dovela u domenu likovne umjetnosti. Paolozzijev rad pomogao je uspostaviti temelje za to kako će pop-art preispitivati nestale granice između visoke i niske kulture.

Claes Oldenburg poznat je kao jedan od rijetkih američkih pop kipara, poznat po svojim razigrano apsurdnim velikim prikazima svakodnevne hrane i predmeta. Njegova instalacija The Store, koja je debitirala 1961. na Lower East Sideu u New Yorku, uključivala je zbirku gipsanih skulptura koje se danas nazivaju Pastry Case, I. Predstavljajući robu široke potrošnje poput kolača od jagode i kandirane jabuke, radovi su replicirali uobičajene predmete koji se nalaze u trgovinama . Međutim, Oldenburg je samu Dućanu postavio kao stvarnu malu prodavaonicu, s cijenama skulptura koje su izložene za lažnu kupnju - komentirajući odnos umjetnosti prema komodifikaciji. Iako se činilo masovno proizvedenim, svaki je komad pažljivo ručno izrađen. Čini se da raskošni, ekspresivni kistom koji pokriva kolače Pastry Case, I ismijava ozbiljnost apstraktnog ekspresionizma, odražavajući sklonost pop arta kritiziranju etabliranih umjetničkih oblika.

Oldenburg je pomiješao gestualne tehnike slikarskog ekspresionizma s svakodnevnim simulacijama proizvoda predstavljenim u ironičnom komercijalnom okruženju. Ovaj zaigrano subverzivni čin zamaglio je podjele između likovne umjetnosti i masovne kulture, a zadržao ironičan smisao za humor o jednom i drugom. Store je pomogao uspostaviti Oldenburga kao temeljnog pop umjetnika nadmašivši očekivanja o tome što bi skulptura mogla prikazati i gdje pripada.