Hvordan popkunst brakte hverdagsbilder til scenen

På 1950-tallet etter krigen dukket det opp en ny bevegelse fra Storbritannia som drastisk endret retningen til modernismen. Kjent som popkunst, feiret den populærkulturen og hverdagen ved å tilegne seg bilder og gjenstander fra media og kommersielle produkter til kunst. Med røtter i tidligere bevegelser som Dada som utfordret definisjoner av «kunst», vendte popartister oppmerksomheten mot det populære visuelle landskapet som omringet mennesker. Figurer som Andy Warhol, Roy Lichtenstein og James Rosenquist avviste tradisjonelle emner og inkorporerte i stedet de masseproduserte, produserte bildene og merkene som hadde kommet til å dominere samfunnet.

Der moderne kunst hadde fokusert på historiske temaer og estetikk med høy panne, foreslo Pop å heve lavpannen. Bilder fra annonser, tegneserier og forbrukeremballasje kom inn i galleriet. Daglige gjenstander ble omformet som kunst. Denne forfriskende rekontekstualiseringen av kjente bilder og varer var et dristig skifte. Ved å bringe de kjente severdighetene fra kommersiell kultur inn i kunsten, gjorde Pop modernismen mer tilgjengelig og knyttet den til dagens visuelle språk. Den stilte spørsmål ved gamle skiller mellom elite og populistisk kultur. Bevegelsens signaturstil filtrerte gjennom Amerika på 1960-tallet, popularisert av ikoniske verk som Warhols suppebokser og Brillo-bokser. I sin inkorporering av kommersiell ikonografi, ble Pop Art svært gjenkjennelig og bidro til å revurdere hva kunst kunne handle om.

Ved å tilegne bilder fra massekulturen til malerier og skulpturer, hadde Pop Art som mål å utfordre tradisjonelle hierarkier mellom "høye" og "lave" kunstformer. Et kjernekonsept i bevegelsen var at enhver kilde kunne inspirere til kunst, og viske ut grenser. Mens abstrakte ekspresjonister søkte etter traumer i sjelen, så popkunstnere etter det i de medierte verdenene av reklame, tegneserier og populære bilder som omringet etterkrigstiden. Imidlertid kan det være mer nøyaktig å si at Pop anerkjente at det ikke er uberørt tilgang til noe - sjelen, naturen eller de bygde miljøene er alle sammenkoblet. Derfor gjorde popartister disse forbindelsene bokstavelige i arbeidet sitt.

Selv om popkunst omfattet forskjellige holdninger, opprettholdt mye av den en følelsesmessig fjerning i forhold til gestusabstraksjonen som gikk foran den. Denne "kule" løsrivelsen har utløst debatt om hvorvidt Pop godtok eller trakk seg kritisk fra populærkulturen. Noen siterer Pops valg av bilder som en entusiastisk støtte til etterkrigstidens produksjon og medieboomkapitalisme. Andre legger merke til et element av kulturkritikk, som å heve forbruksvarer til å kommentere kunst og varer sin delte status. Mange kjente popartister begynte i kommersiell kunst, som Andy Warhol i illustrasjon og Roy Lichtenstein i tegneserier. Reklame- og designbakgrunnen deres trente dem i visuelle massekulturspråk, noe som muliggjorde sømløs sammenslåing av "høye" og populære riker. Dette påvirket Pop Arts avhør om å skille de to.

Eduardo Paolozzi, en skotsk skulptør og kunstner , var en sentral skikkelse innen den britiske etterkrigstidens avantgarde-scene. Hans collageverk I Was a Rich Man's Plaything viste seg å være svært innflytelsesrik for den fremvoksende popkunstbevegelsen da den blandet ulike elementer av populærkulturen til ett enkelt verk. Med bilder som et romanomslag, Coca-Cola-annonse og militær rekrutteringsplakat, eksemplifiserer collagen den litt mørkere tonen til britisk pop sammenlignet med den amerikanske motparten. I stedet for å feire massemedier like entydig som noen amerikansk pop, reflekterte Paolozzis arbeid mer over gapet mellom idealiserte skildringer av velstand i amerikansk populærkultur og harde britiske økonomiske og politiske realiteter på den tiden.

Som medlem av den innflytelsesrike, men uformelle Independent Group, utforsket Paolozzi teknologi og massekulturs økende innvirkning på tradisjonell kunst. Hans bruk av collageteknikker lånt fra tidligere surrealistisk og dadaistisk fotomontasje tillot hverdagslige medieephemera å bli rekontekstualisert, og effektivt gjenskapte bombardementet av kommersielle bilder som ble møtt i det moderne hverdagslivet. I Was a Rich Man's Plaything viste seg å være et av de tidligste verkene for å bringe de vernakulære språkene innen reklame, tegneserier og annen massekommunikasjon inn i kunstens domene. Paolozzis arbeid bidro til å etablere grunnlaget for hvordan Pop Art ville avhøre de oppløsende linjene mellom høy- og lavkultur.

Claes Oldenburg er kjent som en av de få amerikanske pop-skulptørene, kjent for sine lekende absurde storstilte skildringer av hverdagsmat og gjenstander. Installasjonen hans The Store, som debuterte i 1961 på New Yorks Lower East Side, inkluderte en samling gipsskulpturer som nå refereres til som Pastry Case, I. Verkene representerte forbruksvarer som en jordbærkake og kandisert eple, og replikerte vanlige gjenstander som finnes i butikker . Oldenburg iscenesatte imidlertid selve butikken som en faktisk liten variasjonsbutikk, med skulpturene priset og vist for falske kjøp - og kommenterte kunstens forhold til vare. Mens de virket masseprodusert, ble hvert stykke nøye håndlaget. Det frodige, uttrykksfulle penselverket som dekker Pastry Case, I's bakverk ser ut til å gjøre narr av abstrakt ekspresjonismes alvor, og gjenspeiler Pop Arts forkjærlighet for å kritisere etablerte kunstformer.

Oldenburg blandet gestusteknikkene til malerisk ekspresjonisme med verdslige produktsimuleringer presentert i en ironisk kommersiell setting. Denne lekent subversive handlingen utvisket skiller mellom kunst og massekultur, samtidig som den beholdt en skjev humor om begge. The Store bidro til å etablere Oldenburg som en banebrytende popartist som økte forventningene til hva skulpturen kunne skildre og hvor den hørte hjemme.