Jak Pop Art przeniósł codzienne obrazy na scenę

W latach 50. XX wieku po wojnie w Wielkiej Brytanii pojawił się nowy ruch, który radykalnie zmienił kierunek modernizmu. Znany jako Pop Art, celebrował kulturę popularną i codzienność, przywłaszczając sobie obrazy i obiekty z mediów i produktów komercyjnych w sztukach pięknych. Mając korzenie we wcześniejszych ruchach, takich jak dadaizm, które kwestionowały definicje „sztuki”, artyści popu zwrócili uwagę na popularny krajobraz wizualny, który otaczał ludzi. Postacie takie jak Andy Warhol, Roy Lichtenstein i James Rosenquist odrzuciły tradycyjną tematykę i zamiast tego włączyły masowo produkowane, wytwarzane obrazy i marki, które zdominowały społeczeństwo.

Podczas gdy sztuka nowoczesna skupiała się na historycznych tematach i wysokiej estetyce, Pop zaproponował podniesienie poziomu niskiego. Obrazy z reklam, komiksów i opakowań konsumenckich weszły do przestrzeni galerii. Codzienne przedmioty zostały przeformułowane jako sztuka. Ta odświeżająca rekontekstualizacja znanych obrazów i towarów była odważną zmianą. Wprowadzając znane widoki kultury komercyjnej do sztuki, Pop uczynił modernizm bardziej dostępnym i powiązał go z dzisiejszym wizualnym językiem potocznym. Podważył stare podziały między kulturą elitarną a populistyczną. Charakterystyczny styl ruchu przesączył się przez Amerykę w latach 60., spopularyzowany przez kultowe dzieła, takie jak puszki zupy Warhola i pudełka Brillo. Dzięki włączeniu komercyjnej ikonografii Pop Art stał się wysoce rozpoznawalny i pomógł przemyśleć, czym może być sztuka.

Poprzez przywłaszczanie obrazów z kultury masowej do obrazów i rzeźb, Pop Art miał na celu zakwestionowanie tradycyjnych hierarchii między „wysokimi” i „niskimi” formami sztuki. Podstawową koncepcją ruchu było to, że każde źródło może inspirować sztukę, zacierając granice. Podczas gdy ekspresjoniści abstrakcyjni szukali traumy w duszy, artyści pop szukali jej w zapośredniczonych światach reklam, kreskówek i popularnych obrazów, które otaczały erę powojenną. Jednak bardziej trafne może być stwierdzenie, że Pop uznał, że nie ma nienaruszonego dostępu do czegokolwiek - dusza, natura lub środowiska zabudowane są ze sobą powiązane. Dlatego artyści pop uczynili te połączenia dosłownymi w swojej pracy.

Chociaż Pop Art obejmował różne postawy, wiele z nich zachowywało emocjonalny dystans w stosunku do poprzedzającej je abstrakcji gestu. Ten „fajny” dystans wywołał debatę na temat tego, czy Pop zaakceptował, czy też krytycznie wycofał się z kultury popularnej. Niektórzy cytują wybór obrazów Pop jako entuzjastyczne poparcie dla powojennego kapitalizmu produkcyjnego i medialnego boomu. Inni zauważają element krytyki kulturowej, taki jak podnoszenie dóbr konsumpcyjnych do rangi komentarza na temat wspólnego statusu sztuki i towarów. Wielu znanych artystów Pop zaczynało w sztuce komercyjnej, jak Andy Warhol w ilustracjach i Roy Lichtenstein w komiksach. Ich doświadczenia w reklamie i projektowaniu wyszkoliły ich w wizualnych językach kultury masowej, umożliwiając płynne łączenie sfer „wysokich” i popularnych. Wpłynęło to na badanie przez Pop Art rozdzielenia tych dwóch.

Eduardo Paolozzi, szkocki rzeźbiarz i artysta , był kluczową postacią brytyjskiej powojennej sceny awangardowej. Jego kolaż I Was a Rich Man's Plaything okazał się niezwykle wpływowy dla rodzącego się ruchu Pop Art, ponieważ połączył różne elementy kultury popularnej w jedno dzieło. Łącząc obrazy takie jak okładka powieści sensacyjnej, reklama Coca-Coli i plakat rekrutacyjny do wojska, kolaż ten jest przykładem nieco mroczniejszego tonu brytyjskiego popu w porównaniu z jego amerykańskim odpowiednikiem. Zamiast celebrować media masowe tak jednoznacznie jak niektóre amerykańskie popy, prace Paolozziego odzwierciedlały bardziej przepaść między wyidealizowanymi przedstawieniami dobrobytu w amerykańskiej kulturze popularnej a surowymi brytyjskimi realiami ekonomicznymi i politycznymi w tamtym czasie.

Jako członek wpływowej, ale nieformalnej Independent Group, Paolozzi badał rosnący wpływ technologii i kultury masowej na tradycyjną sztukę piękną. Jego wykorzystanie technik kolażu zapożyczonych z wcześniejszego surrealistycznego i dadaistycznego fotomontażu pozwoliło na rekontekstualizację codziennych medialnych efemeryd, skutecznie odtwarzając bombardowanie obrazami komercyjnymi spotykanymi w codziennym nowoczesnym życiu. I Was a Rich Man's Plaything okazało się pionierskie jako jedno z najwcześniejszych dzieł, które wprowadziło języki potoczne reklamy, komiksów i innych środków masowego przekazu do dziedziny sztuk pięknych. Praca Paolozziego pomogła ustanowić podstawy tego, w jaki sposób Pop Art będzie badał rozpływające się granice między wysoką i niską kulturą.

Claes Oldenburg jest znany jako jeden z niewielu amerykańskich rzeźbiarzy popkultury, znany z zabawnych, absurdalnych, wielkoformatowych przedstawień codziennych potraw i przedmiotów. Jego instalacja The Store, która zadebiutowała w 1961 roku na Lower East Side w Nowym Jorku, obejmowała kolekcję gipsowych rzeźb, obecnie nazywanych Pastry Case, I. Przedstawiając dobra konsumpcyjne, takie jak ciasto truskawkowe i kandyzowane jabłko, prace te odtwarzały powszechne przedmioty znajdujące się w sklepach. Jednak Oldenburg zainscenizował sam The Store jako prawdziwy mały sklepik z różnymi produktami, a rzeźby wyceniono i wystawiono na pozorny zakup - komentując związek sztuki z komodyfikację. Choć wyglądają na produkowane masowo, każdy element został starannie wykonany ręcznie. Bogate, ekspresyjne pociągnięcia pędzlem pokrywające wypieki Pastry Case, I wydają się kpić z powagi ekspresjonizmu abstrakcyjnego, odzwierciedlając skłonność pop-artu do krytykowania ustalonych form sztuki.

Oldenburg połączył gesturalne techniki malarskiego ekspresjonizmu z przyziemnymi symulacjami produktów przedstawionymi w ironicznym komercyjnym otoczeniu. Ten żartobliwie subwersywny akt zatarł granice między sztuką piękną a kulturą masową, zachowując jednocześnie ironiczne poczucie humoru w odniesieniu do obu. The Store pomogło Oldenburgowi ugruntować pozycję pionierskiego artysty pop, zmieniając oczekiwania co do tego, co rzeźba może przedstawiać i gdzie ona należy.