Como a Pop Art trouxe imagens cotidianas para o palco

Na década de 1950 do pós-guerra, um novo movimento surgiu no Reino Unido que mudou drasticamente a direção do modernismo. Conhecido como Pop Art, ele celebrava a cultura popular e o cotidiano ao se apropriar de imagens e objetos da mídia e produtos comerciais em belas-artes. Com raízes em movimentos anteriores como o Dada que desafiava as definições de "arte", os artistas pop voltaram a atenção para a paisagem visual popular que cercava as pessoas. Figuras como Andy Warhol, Roy Lichtenstein e James Rosenquist rejeitaram o assunto tradicional e, em vez disso, incorporaram as imagens e marcas produzidas em massa e fabricadas que passaram a dominar a sociedade.

Onde a arte moderna se concentrava em temas históricos e estética de alto nível, o Pop propôs elevar o baixo nível. Imagens de anúncios, histórias em quadrinhos e embalagens de consumo entraram no espaço da galeria. Objetos cotidianos foram reformulados como arte. Essa recontextualização refrescante de imagens e mercadorias familiares foi uma mudança ousada. Ao trazer as visões familiares da cultura comercial para a arte, o Pop tornou o modernismo mais acessível e o vinculou ao vernáculo visual atual. Ele questionou antigas divisões entre a cultura de elite e a populista. O estilo característico do movimento se infiltrou pela América na década de 1960, popularizado por obras icônicas como as latas de sopa e as caixas de Brillo de Warhol. Em sua incorporação da iconografia comercial, a Pop Art se tornou altamente reconhecível e ajudou a repensar sobre o que a arte poderia ser.

Ao apropriar imagens da cultura de massa em pinturas e esculturas, a Pop Art visava desafiar hierarquias tradicionais entre formas "altas" e "baixas" de arte. Um conceito central do movimento era que qualquer fonte poderia inspirar arte, borrando fronteiras. Enquanto os expressionistas abstratos buscavam traumas dentro da alma, os artistas pop os procuravam nos mundos mediados da publicidade, dos desenhos animados e das imagens populares que cercavam a era pós-guerra. No entanto, pode ser mais preciso dizer que o pop reconheceu que não há acesso intocado a nada - a alma, a natureza ou os ambientes construídos estão todos interconectados. Portanto, os artistas pop tornaram essas conexões literais em seu trabalho.

Embora a Pop Art abrangesse diversas atitudes, muito dela mantinha um distanciamento emocional em relação à abstração gestual que a precedeu. Esse distanciamento "cool" gerou debates sobre se a Pop aceitou ou se retirou criticamente da cultura popular. Alguns citam a escolha de imagens da Pop como um endosso entusiasmado da manufatura pós-guerra e do capitalismo de expansão da mídia. Outros observam um elemento de crítica cultural, como elevar os bens de consumo para comentar sobre o status compartilhado da arte e das commodities. Muitos artistas Pop famosos começaram na arte comercial, como Andy Warhol na ilustração e Roy Lichtenstein no desenho animado. Seus históricos em publicidade e design os treinaram em linguagens de cultura de massa visual, permitindo uma fusão perfeita dos reinos "alto" e popular. Isso influenciou o questionamento da Pop Art sobre a separação dos dois.

Eduardo Paolozzi, um escultor e artista escocês , foi uma figura central na cena de vanguarda britânica do pós-guerra. Seu trabalho de colagem I Was a Rich Man's Plaything provou ser altamente influente para o movimento emergente da Pop Art, pois misturou vários elementos da cultura popular em uma única obra. Incorporando imagens como uma capa de romance de ficção popular, anúncio da Coca-Cola e pôster de recrutamento militar, a colagem exemplifica o tom ligeiramente mais sombrio do Pop britânico em comparação com sua contraparte americana. Em vez de celebrar a mídia de massa tão inequivocamente quanto alguns Pop dos EUA, o trabalho de Paolozzi refletiu mais sobre a lacuna entre os retratos idealizados de riqueza na cultura popular americana e as duras realidades econômicas e políticas britânicas da época.

Como membro do influente, mas informal Independent Group, Paolozzi explorou o crescente impacto da tecnologia e da cultura de massa na arte tradicional. Seu uso de técnicas de colagem emprestadas da fotomontagem surrealista e dadaísta anterior permitiu que as efêmeras da mídia cotidiana fossem recontextualizadas, recriando efetivamente o bombardeio de imagens comerciais encontradas na vida moderna cotidiana. I Was a Rich Man's Plaything provou ser seminal como uma das primeiras obras a trazer as linguagens vernáculas da publicidade, quadrinhos e outras comunicações de massa para o domínio da arte. O trabalho de Paolozzi ajudou a estabelecer as bases de como a Pop Art interrogaria as linhas de dissolução entre a alta e a baixa cultura.

Claes Oldenburg é conhecido como um dos poucos escultores pop americanos, conhecido por suas representações em larga escala, absurdas e lúdicas, de alimentos e objetos cotidianos. Sua instalação The Store, que estreou em 1961 no Lower East Side de Nova York, incluía uma coleção de esculturas de gesso agora chamadas de Pastry Case, I. Representando bens de consumo como um bolo de morango e uma maçã cristalizada, as obras replicavam itens comuns encontrados em lojas. No entanto, Oldenburg encenou The Store em si como uma pequena loja de variedades real, com as esculturas precificadas e exibidas para compra falsa - comentando sobre a relação da arte com a mercantilização. Embora parecesse produzida em massa, cada peça foi cuidadosamente feita à mão. O pincel exuberante e expressivo que cobre os doces de Pastry Case, I parece zombar da seriedade do expressionismo abstrato, ecoando a propensão da Pop Art para criticar formas de arte estabelecidas.

Oldenburg misturou as técnicas gestuais do expressionismo pictórico com simulações de produtos mundanos apresentadas em um cenário comercial irônico. Esse ato subversivo e lúdico confundiu as divisões entre belas artes e cultura de massa, mantendo um senso de humor irônico sobre ambas. The Store ajudou a estabelecer Oldenburg como um artista pop seminal, derrubando as expectativas sobre o que a escultura poderia representar e onde ela pertencia.