Hur popkonst tog vardagsbilder till scenen

På 1950-talet efter kriget uppstod en ny rörelse från Storbritannien som drastiskt ändrade modernismens riktning. Känd som popkonst, den hyllade populärkulturen och vardagen genom att tillägna sig bilder och föremål från media och kommersiella produkter till konst. Med rötter i tidigare rörelser som Dada som utmanade definitioner av "konst", vände popartister uppmärksamheten mot det populära visuella landskapet som omgav människor. Personer som Andy Warhol, Roy Lichtenstein och James Rosenquist förkastade traditionellt ämne och inkorporerade istället de massproducerade, tillverkade bilderna och varumärkena som hade kommit att dominera samhället.

Där modern konst hade fokuserat på historiska teman och estetik med hög panna, föreslog Pop att höja den låga pannan. Bilder från annonser, serier och konsumentförpackningar kom in i galleriet. Vardagsföremål omformades till konst. Denna uppfriskande rekontextualisering av välbekanta bilder och varor var ett djärvt skifte. Genom att föra in den kommersiella kulturens välbekanta sevärdheter i konsten gjorde Pop modernismen mer tillgänglig och kopplade den till dagens visuella folkspråk. Den ifrågasatte gamla klyftor mellan elit och populistisk kultur. Rörelsens signaturstil filtrerades genom Amerika på 1960-talet, populärt av ikoniska verk som Warhols soppburkar och Brillo-lådor. Genom sin inkorporering av kommersiell ikonografi blev popkonsten mycket igenkännlig och hjälpte till att ompröva vad konst kunde handla om.

Genom att tillägna sig bilder från masskultur till målningar och skulpturer, syftade Pop Art till att utmana traditionella hierarkier mellan "höga" och "låga" konstformer. Ett kärnbegrepp i rörelsen var att vilken källa som helst kunde inspirera till konst och sudda ut gränser. Medan abstrakta expressionister sökte efter trauma i själen, letade popkonstnärer efter det i de förmedlade världarna av reklam, tecknade serier och populära bilder som omgav efterkrigstiden. Det kan dock vara mer korrekt att säga att Pop insåg att det inte finns någon orörd tillgång till någonting - själen, naturen eller byggda miljöer är alla sammankopplade. Därför gjorde popartister dessa kopplingar bokstavliga i sitt arbete.

Även om popkonsten omfattade olika attityder, behöll mycket av den en känslomässig borttagning i förhållande till den gestuella abstraktionen som föregick den. Denna "coola" avskildhet har väckt debatt om huruvida Pop accepterade eller kritiskt drog sig tillbaka från populärkulturen. Vissa citerar Pops val av bildspråk som entusiastiskt stödja efterkrigstidens tillverkning och medieboomkapitalism. Andra noterar ett inslag av kulturkritik, som att lyfta konsumtionsvaror för att kommentera konst och varors delade status. Många kända popkonstnärer började inom kommersiell konst, som Andy Warhol i illustration och Roy Lichtenstein i tecknad serie. Deras reklam- och designbakgrund utbildade dem i visuella masskulturspråk, vilket möjliggjorde en sömlös sammanslagning av "höga" och populära världar. Detta påverkade Pop Arts förhör om att separera de två.

Eduardo Paolozzi, en skotsk skulptör och konstnär , var en nyckelfigur inom den brittiska efterkrigstidens avantgardescen. Hans collageverk I Was a Rich Man's Plaything visade sig vara mycket inflytelserik för den framväxande popkonströrelsen eftersom det blandade olika element av populärkultur till ett enda verk. Collaget innehåller bilder som ett omslag till romanen i pulp fiction, Coca-Cola-annons och militär rekryteringsaffisch, och exemplifierar den lite mörkare tonen hos brittisk pop jämfört med dess amerikanska motsvarighet. Istället för att hylla massmedia lika entydigt som någon amerikansk pop, reflekterade Paolozzis arbete mer över klyftan mellan idealiserade skildringar av välstånd i amerikansk populärkultur och hårda brittiska ekonomiska och politiska realiteter vid den tiden.

Som medlem i den inflytelserika men informella Independent Group, utforskade Paolozzi teknik och masskulturs växande inverkan på traditionell konst. Hans användning av collagetekniker lånade från tidigare surrealistiska och dadaistiska fotomontage gjorde det möjligt att återkontextualisera vardagliga medias efemera, vilket effektivt återskapade bombarderingen av kommersiella bilder som man stöter på i det moderna vardagen. Jag var en rik mans leksak visade sig vara ett av de tidigaste verken som förde in de folkliga språken inom reklam, serier och annan masskommunikation till konstens domän. Paolozzis arbete hjälpte till att lägga grunden för hur Pop Art skulle förhöra de upplösande gränserna mellan hög- och lågkultur.

Claes Oldenburg är känd som en av de få amerikanska popskulptörerna, känd för sina lekfullt absurda storskaliga skildringar av vardagsmat och föremål. Hans installation The Store, som debuterade 1961 på Lower East Side i New York, inkluderade en samling gipsskulpturer som nu kallas Pastry Case, I. Verken representerar konsumtionsvaror som en jordgubbstårta och kanderat äpple och replikerade vanliga föremål som finns i butiker. . Oldenburg iscensatte dock själva butiken som en verklig liten varietébutik, med skulpturerna prissatta och visade för skenköp - och kommenterade konstens förhållande till varuförädling. Samtidigt som de såg ut att vara massproducerade var varje bit noggrant handgjord. Den frodiga, uttrycksfulla penseln som täcker konditorivaror, I's bakverk verkar göra narr av abstrakt expressionisms allvar, och återspeglar popkonstens förkärlek för att kritisera etablerade konstformer.

Oldenburg blandade den måleriska expressionismens gestaltekniker med vardagliga produktsimuleringar som presenterades i en ironisk kommersiell miljö. Denna lekfullt omstörtande handling suddade ut klyftorna mellan konst och masskultur samtidigt som den bibehöll en skev humor om båda. Butiken hjälpte till att etablera Oldenburg som en framstående popkonstnär som höjde förväntningarna på vad skulpturen kunde avbilda och var den hörde hemma.