Hogyan hozta színpadra a pop art a mindennapi képeket?

A háború utáni 1950-es években az Egyesült Királyságból egy új mozgalom jelent meg, amely drasztikusan megváltoztatta a modernizmus irányát. A Pop Art néven ismert, a populáris kultúrát és a hétköznapokat ünnepelte azzal, hogy a médiából és a kereskedelmi termékekből származó képeket és tárgyakat képzőművészetté alakította. Az olyan korábbi mozgalmakban gyökerező, mint a Dada, amelyek megkérdőjelezték a "művészet" definícióit, a popművészek az embereket körülvevő népszerű vizuális táj felé fordították a figyelmet. Az olyan figurák, mint Andy Warhol, Roy Lichtenstein és James Rosenquist, elutasították a hagyományos témákat, és ehelyett beépítették a tömegesen előállított, gyártott képeket és márkákat, amelyek uralják a társadalmat.

Ahol a modern művészet a történelmi témákra és a magas szemöldökű esztétikára összpontosított, Pop az alacsony szemöldök emelését javasolta. Reklámokból, képregényekből és fogyasztói csomagolásokból származó képek kerültek a galéria terébe. A mindennapi tárgyakat művészetté alakították át. Az ismerős képek és áruk üdítő rekontextualizálása merész váltás volt. Azáltal, hogy a kommersz kultúra megszokott látványosságait beemelte a művészetbe, a Pop elérhetőbbé tette a modernizmust, és összekapcsolta a mai vizuális népnyelvvel. Megkérdőjelezte az elit és a populista kultúra közötti régi megosztottságot. A mozgalom jellegzetes stílusa átszűrődött Amerikán az 1960-as években, és olyan ikonikus alkotások váltak népszerűvé, mint Warhol leveses dobozai és Brillo dobozai. A kereskedelmi ikonográfia beépítésével a pop-art rendkívül felismerhetővé vált, és segített újragondolni, miről is szólhat a művészet.

A tömegkultúra képeinek festményekké és szobrokká való átvételével a pop-art célja a „magas” és „alacsony” művészeti formák közötti hagyományos hierarchiák megkérdőjelezése volt. A mozgalom alapkoncepciója az volt, hogy bármely forrás inspirálhatja a művészetet, elmosva a határokat. Míg az absztrakt expresszionisták a lélekben keresték a traumát, addig a popművészek a háború utáni korszakot körülvevő reklámok, rajzfilmek és népszerű képek közvetített világában keresték azt. Azonban pontosabb lehet azt mondani, hogy Pop felismerte, hogy nincs érintetlen hozzáférés semmihez – a lélek, a természet vagy az épített környezet mind összefügg. Ezért a popművészek ezeket a kapcsolatokat szó szerint tették munkájukban.

Bár a pop art változatos attitűdöket foglal magában, nagy része fenntartotta az érzelmi eltávolodást az azt megelőző gesztusos absztrakcióhoz képest. Ez a "menő" elhatárolódás vitát váltott ki arról, hogy a Pop elfogadta-e vagy kritikusan visszavonult-e a populáris kultúrától. Egyesek úgy hivatkoznak rá, hogy Pop a háború utáni gyártást és a médiarobbanás utáni kapitalizmust lelkesen támogatja. Mások megjegyzik a kulturális kritika olyan elemét, mint a fogyasztási cikkek felemelése a művészet és az árucikkek közös státuszának megjegyzésére. Sok híres popművész a kereskedelmi művészetben kezdte, mint Andy Warhol az illusztrációkban és Roy Lichtenstein a rajzfilmekben. Reklám- és formatervezési hátterük megtanította őket a vizuális tömegkultúra nyelveire, lehetővé téve a "magas" és a népszerű területek zökkenőmentes összeolvadását. Ez befolyásolta a Pop Art kihallgatását a kettő szétválasztásáról.

Eduardo Paolozzi skót szobrász és művész a háború utáni brit avantgárd szcéna meghatározó alakja volt. Az I Was a Rich Man's Plaything című kollázsműve nagy hatást gyakorolt a feltörekvő pop art mozgalomra, mivel a populáris kultúra különböző elemeit egyetlen alkotásba keverte. A kollázs olyan képeket tartalmaz, mint egy pulp fiction regény borítója, Coca-Cola hirdetése és katonai toborzási poszter, a kollázs a brit pop enyhén sötétebb tónusát példázza amerikai társához képest. Ahelyett, hogy a tömegmédiát olyan egyértelműen ünnepelték volna, mint néhány amerikai pop, Paolozzi munkája inkább az amerikai populáris kultúra idealizált jólétábrázolása és az akkori brit gazdasági és politikai valóság közötti szakadékot tükrözte.

A befolyásos, de informális Független Csoport tagjaként Paolozzi feltárta a technológia és a tömegkultúra növekvő hatását a hagyományos képzőművészetre. A korábbi szürrealista és dadaista fotómontázsból kölcsönzött kollázstechnikák alkalmazása lehetővé tette a mindennapi média efemerák kontextusba helyezését, hatékonyan újrateremtve a mindennapi modern életben tapasztalható kereskedelmi képek bombázását. Az I Was a Rich Man's Plaything az egyik legkorábbi alkotásnak bizonyult, amely a reklámok, képregények és egyéb tömegkommunikációs nyelveket a képzőművészet területére hozta. Paolozzi munkássága segített megalapozni annak az alapjait, hogy a pop-art miként vizsgálja a magas és az alacsony kultúra közötti feloldó vonalakat.

Claes Oldenburg azon kevés amerikai popszobrászok egyikeként ismert , aki játékosan abszurd, nagyszabású hétköznapi ételeket és tárgyakat ábrázoló ábrázolásáról ismert. A The Store című installációja, amely 1961-ben debütált a New York-i Lower East Side-on, gipszszobrok gyűjteményét foglalta magában, amelyeket ma Pastry Case-ként emlegetnek, I. A fogyasztási cikkeket, például az epres süteményt és a kandírozott almát ábrázoló művek az üzletekben szokásos tárgyakat reprodukálják. . Mindazonáltal Oldenburg magát a The Store-t valóságos kis fajtaboltként rendezte be, ahol a szobrok árát és színlelt vásárlásra kiállították – ezzel kommentálva a művészetnek az árucikkekhez való viszonyát. Miközben tömeggyártásnak tűnt, minden darab gondos kézműves volt. Úgy tűnik, hogy a Pastry Case, I's sütemények dús, kifejező ecsetkezelése megtréfálja az absztrakt expresszionizmus komolyságát, visszaadva a pop art hajlamát a bevált művészeti formák bírálatára.

Oldenburg vegyítette a festői expresszionizmus gesztustechnikáit a hétköznapi termékszimulációkkal, ironikus kereskedelmi környezetben. Ez a játékosan felforgató aktus elmosta a képzőművészet és a tömegkultúra közötti különbségeket, miközben megőrizte a fanyar humorérzéket mindkettővel kapcsolatban. Az Áruház hozzájárult Oldenburg meghatározó popművészré válásához, felborítva az elvárásokat azzal kapcsolatban, hogy mit ábrázolhat a szobor, és hova tartozik.