Πώς η Pop Art έφερε την καθημερινή εικόνα στη σκηνή

Στη μεταπολεμική δεκαετία του 1950, ένα νέο κίνημα εμφανίστηκε από το Ηνωμένο Βασίλειο που άλλαξε δραστικά την κατεύθυνση του μοντερνισμού. Γνωστό ως Pop Art, γιόρτασε τη λαϊκή κουλτούρα και την καθημερινότητα, οικειοποιώντας εικόνες και αντικείμενα από μέσα και εμπορικά προϊόντα σε καλές τέχνες. Με ρίζες σε προηγούμενα κινήματα όπως το Dada που αμφισβήτησαν τους ορισμούς της «τέχνης», οι καλλιτέχνες της ποπ έστρεψαν την προσοχή στο δημοφιλές οπτικό τοπίο που περιέβαλλε τους ανθρώπους. Φιγούρες όπως ο Andy Warhol, ο Roy Lichtenstein και ο James Rosenquist απέρριψαν την παραδοσιακή θεματολογία και αντ' αυτού ενσωμάτωσαν τις μαζικής παραγωγής, κατασκευασμένες εικόνες και τα εμπορικά σήματα που είχαν φτάσει να κυριαρχήσουν στην κοινωνία.

Εκεί που η σύγχρονη τέχνη είχε επικεντρωθεί σε ιστορικά θέματα και την αισθητική των υψηλών φρυδιών, η Pop πρότεινε την ανύψωση του χαμηλού φρυδιού. Εικόνες από διαφημίσεις, κόμικς και καταναλωτικές συσκευασίες μπήκαν στον χώρο της γκαλερί. Τα καθημερινά αντικείμενα επαναπλαισώθηκαν ως τέχνη. Αυτή η αναζωογονητική ανανέωση των οικείων εικόνων και εμπορευμάτων ήταν μια τολμηρή αλλαγή. Μεταφέροντας τα γνωστά αξιοθέατα της εμπορικής κουλτούρας στην τέχνη, η Ποπ έκανε τον μοντερνισμό πιο προσιτό και τον συνέδεσε με τη σημερινή οπτική λαϊκή γλώσσα. Αμφισβήτησε τους παλιούς διαχωρισμούς μεταξύ της ελίτ και της λαϊκιστικής κουλτούρας. Το χαρακτηριστικό στιλ του κινήματος φιλτραρίστηκε στην Αμερική τη δεκαετία του 1960, και διαδόθηκε από εμβληματικά έργα όπως τα κουτιά σούπας του Γουόρχολ και τα κουτιά Brillo. Με την ενσωμάτωσή της στην εμπορική εικονογραφία, η Pop Art έγινε ιδιαίτερα αναγνωρίσιμη και βοήθησε να ξανασκεφτούμε τι θα μπορούσε να είναι η τέχνη.

Οικειοποιώντας εικόνες από τη μαζική κουλτούρα σε πίνακες και γλυπτά, η Pop Art είχε ως στόχο να αμφισβητήσει τις παραδοσιακές ιεραρχίες μεταξύ «υψηλών» και «χαμηλών» μορφών τέχνης. Μια βασική ιδέα του κινήματος ήταν ότι οποιαδήποτε πηγή μπορούσε να εμπνεύσει την τέχνη, θολώνοντας τα όρια. Ενώ οι Αφηρημένοι Εξπρεσιονιστές έψαχναν το τραύμα μέσα στην ψυχή, οι καλλιτέχνες της ποπ το αναζήτησαν στους διαμεσολαβούμενους κόσμους της διαφήμισης, των κινούμενων σχεδίων και των δημοφιλών εικόνων που περιέβαλαν τη μεταπολεμική εποχή. Ωστόσο, μπορεί να είναι πιο ακριβές να πούμε ότι ο Pop αναγνώρισε ότι δεν υπάρχει ανέγγιχτη πρόσβαση σε τίποτα - η ψυχή, η φύση ή τα δομημένα περιβάλλοντα είναι όλα αλληλένδετα. Ως εκ τούτου, οι καλλιτέχνες της ποπ έκαναν αυτές τις συνδέσεις κυριολεκτικά στη δουλειά τους.

Αν και η Pop Art περιλάμβανε διαφορετικές συμπεριφορές, μεγάλο μέρος της διατήρησε μια συναισθηματική αφαίρεση σε σχέση με τη χειρονομιακή αφαίρεση που προηγήθηκε. Αυτή η «ψυχρή» απόσπαση έχει πυροδοτήσει τη συζήτηση σχετικά με το αν η Ποπ αποδέχτηκε ή αποχώρησε κριτικά από τη λαϊκή κουλτούρα. Κάποιοι αναφέρουν ότι η επιλογή των εικόνων της Ποπ υποστηρίζει με ενθουσιασμό τη μεταπολεμική παραγωγή και τον καπιταλισμό της έκρηξης των μέσων ενημέρωσης. Άλλοι σημειώνουν ένα στοιχείο πολιτιστικής κριτικής, όπως η εξύψωση των καταναλωτικών αγαθών για να σχολιάσουν την κοινή θέση της τέχνης και των εμπορευμάτων. Πολλοί διάσημοι καλλιτέχνες της ποπ ξεκίνησαν στην εμπορική τέχνη, όπως ο Andy Warhol στην εικονογράφηση και ο Roy Lichtenstein στο cartooning. Το διαφημιστικό και το σχεδιαστικό τους υπόβαθρο τους εκπαίδευσε στις γλώσσες οπτικής μαζικής κουλτούρας, επιτρέποντας την απρόσκοπτη συγχώνευση «υψηλών» και δημοφιλών πεδίων. Αυτό επηρέασε την ανάκριση της Pop Art για το χωρισμό των δύο.

Ο Eduardo Paolozzi, ένας Σκωτσέζος γλύπτης και καλλιτέχνης , ήταν μια κομβική φιγούρα στη βρετανική μεταπολεμική avant-garde σκηνή. Το έργο του κολάζ I Was a Rich Man's Plaything, αποδείχθηκε μεγάλη επιρροή για το αναδυόμενο κίνημα της Pop Art καθώς συνδύαζε διάφορα στοιχεία της λαϊκής κουλτούρας σε ένα ενιαίο έργο. Ενσωματώνοντας εικόνες όπως εξώφυλλο μυθιστορήματος μυθοπλασίας pulp, διαφήμιση της Coca-Cola και αφίσα στρατολόγησης στρατιωτικών, το κολάζ αποτελεί παράδειγμα του ελαφρώς πιο σκούρου τόνου της βρετανικής ποπ σε σύγκριση με το αντίστοιχο αμερικανικό. Αντί να γιορτάζει τα μέσα μαζικής ενημέρωσης τόσο ξεκάθαρα όσο κάποια ποπ των ΗΠΑ, το έργο του Paolozzi αντανακλούσε περισσότερο το χάσμα μεταξύ των εξιδανικευμένων απεικονίσεων της ευμάρειας στην αμερικανική λαϊκή κουλτούρα και της σκληρής βρετανικής οικονομικής και πολιτικής πραγματικότητας εκείνη την εποχή.

Ως μέλος της σημαντικής αλλά και άτυπης Independent Group, ο Paolozzi εξερεύνησε την τεχνολογία και τον αυξανόμενο αντίκτυπο της μαζικής κουλτούρας στις παραδοσιακές καλές τέχνες. Η χρήση τεχνικών κολάζ που δανείστηκε από προηγούμενα σουρεαλιστικά και ντανταϊστικά φωτομοντάζ επέτρεψε την επανασύνδεση των καθημερινών εφήμερων μέσων, αναδημιουργώντας ουσιαστικά τον βομβαρδισμό εμπορικών εικόνων που συναντώνται στην καθημερινή σύγχρονη ζωή. Το παιχνίδι I Was a Rich Man's Plaything αποδείχθηκε σημαντικό ως ένα από τα πρώτα έργα που έφεραν τις δημόσιες γλώσσες της διαφήμισης, των κόμικς και άλλων μαζικών επικοινωνιών στον τομέα των καλών τεχνών. Το έργο του Paolozzi βοήθησε να τεθούν τα θεμέλια για το πώς η Pop Art θα ανακρίνει τις διαχωριστικές γραμμές μεταξύ υψηλής και χαμηλής κουλτούρας.

Ο Claes Oldenburg είναι γνωστός ως ένας από τους λίγους Αμερικανούς γλύπτες της ποπ, γνωστός για τις παιχνιδιάρικες παράλογες απεικονίσεις του σε μεγάλη κλίμακα καθημερινών φαγητών και αντικειμένων. Η εγκατάστασή του The Store, η οποία έκανε το ντεμπούτο του το 1961 στο Lower East Side της Νέας Υόρκης, περιελάμβανε μια συλλογή από γύψινα γλυπτά που τώρα αναφέρονται ως Pastry Case, I. Αντιπροσωπεύοντας καταναλωτικά αγαθά όπως κέικ φράουλας και ζαχαρωμένο μήλο, τα έργα αντιγράφουν κοινά αντικείμενα που βρίσκονται στα καταστήματα . Ωστόσο, ο Όλντενμπουργκ σκηνοθέτησε το ίδιο το κατάστημα ως ένα πραγματικό κατάστημα μικρής ποικιλίας, με τα γλυπτά να τιμολογούνται και να εκτίθενται για ψευδή αγορά - σχολιάζοντας τη σχέση της τέχνης με την εμπορευματοποίηση. Ενώ εμφανιζόταν μαζικής παραγωγής, κάθε κομμάτι ήταν προσεκτικά χειροποίητο. Το πλούσιο, εκφραστικό πινέλο που καλύπτει τα Pastry Case, I's pastries φαίνεται να διασκεδάζει με τη σοβαρότητα του Αφηρημένου Εξπρεσιονισμού, απηχώντας την τάση της Pop Art να ασκεί κριτική σε καθιερωμένες μορφές τέχνης.

Ο Όλντενμπουργκ συνδύασε τις χειρονομιακές τεχνικές του ζωγραφικού εξπρεσιονισμού με κοσμικές προσομοιώσεις προϊόντων που παρουσιάζονται σε ένα ειρωνικό εμπορικό περιβάλλον. Αυτή η παιχνιδιάρικα ανατρεπτική πράξη θόλωσε τους διαχωρισμούς μεταξύ των καλών τεχνών και της μαζικής κουλτούρας, διατηρώντας παράλληλα μια επιθετική αίσθηση του χιούμορ και για τα δύο. Το Κατάστημα βοήθησε να καθιερωθεί ο Όλντενμπουργκ ως ένας σημαντικός καλλιτέχνης της ποπ, ανατρέποντας τις προσδοκίες για το τι θα μπορούσε να απεικονίσει το γλυπτό και πού ανήκε.