Wie die Pop-Art alltägliche Bilder auf die Bühne brachte

In den 1950er Jahren nach dem Krieg entstand in Großbritannien eine neue Bewegung, die die Richtung der Moderne drastisch veränderte. Die als Pop Art bekannte Bewegung feierte die Popkultur und das Alltägliche, indem sie Bilder und Objekte aus Medien und kommerziellen Produkten für die bildende Kunst verwendete. Mit Wurzeln in früheren Bewegungen wie Dada, die die Definitionen von „Kunst“ in Frage stellten, richteten Pop-Artisten ihre Aufmerksamkeit auf die populäre visuelle Landschaft, die die Menschen umgab. Persönlichkeiten wie Andy Warhol, Roy Lichtenstein und James Rosenquist lehnten traditionelle Themen ab und integrierten stattdessen die massenproduzierten, hergestellten Bilder und Marken, die die Gesellschaft zu dominieren begannen.

Während sich die moderne Kunst auf historische Themen und hochgestochene Ästhetik konzentrierte, wollte Pop Art das Anspruchslose aufwerten. Bilder aus Werbung, Comics und Konsumverpackungen hielten Einzug in die Galerien. Alltagsgegenstände wurden als Kunst neu interpretiert. Diese erfrischende Neukontextualisierung vertrauter Bilder und Waren war ein mutiger Wandel. Indem Pop die vertrauten Bilder der kommerziellen Kultur in die Kunst einbrachte, machte es die Moderne zugänglicher und verband sie mit der heutigen visuellen Umgangssprache. Es stellte alte Trennungen zwischen Elite- und Populismuskultur in Frage. Der charakteristische Stil der Bewegung verbreitete sich in den 1960er Jahren in Amerika und wurde durch ikonische Werke wie Warhols Suppendosen und Brillo-Boxen populär. Durch die Einbeziehung kommerzieller Ikonografie erlangte Pop Art einen hohen Wiedererkennungswert und half dabei, neu zu denken, worum es in der Kunst gehen könnte.

Indem sie Bilder aus der Massenkultur in Gemälde und Skulpturen einfließen ließ, wollte die Pop-Art traditionelle Hierarchien zwischen „hohen“ und „niedrigen“ Kunstformen in Frage stellen. Ein Kernkonzept der Bewegung war, dass jede Quelle Kunst inspirieren kann, wodurch Grenzen verschwimmen. Während abstrakte Expressionisten nach Traumata in der Seele suchten, suchten Pop-Artisten danach in den medialen Welten der Werbung, Cartoons und populären Bilder, die die Nachkriegszeit umgaben. Es wäre jedoch vielleicht genauer zu sagen, dass die Pop-Art erkannte, dass es keinen unberührten Zugang zu irgendetwas gibt – die Seele, die Natur oder die gebaute Umwelt sind alle miteinander verbunden. Daher machten Pop-Artisten diese Verbindungen in ihrer Arbeit wörtlich.

Obwohl die Pop-Art unterschiedliche Haltungen umfasste, behielt sie doch größtenteils eine emotionale Distanz zur gestischen Abstraktion, die ihr vorausging. Diese „coole“ Distanz hat eine Debatte darüber ausgelöst, ob die Pop-Art die Popkultur akzeptierte oder sich kritisch von ihr zurückzog. Manche bezeichnen Pop-Arts Bildwahl als enthusiastische Befürwortung des Nachkriegs-Produktions- und Medienboom-Kapitalismus. Andere bemerken ein Element der Kulturkritik, wie die Aufwertung von Konsumgütern, um den gemeinsamen Status von Kunst und Waren zu kommentieren. Viele berühmte Pop-Artisten begannen in der kommerziellen Kunst, wie Andy Warhol in der Illustration und Roy Lichtenstein im Cartoon. Ihr Werbe- und Designhintergrund schulte sie in visuellen Massenkultursprachen, was eine nahtlose Verschmelzung von „hohem“ und populärem Bereich ermöglichte. Dies beeinflusste die Frage der Pop-Art, beides zu trennen.

Eduardo Paolozzi, ein schottischer Bildhauer und Künstler , war eine Schlüsselfigur der britischen Avantgardeszene der Nachkriegszeit. Seine Collage I Was a Rich Man's Plaything hatte großen Einfluss auf die aufkommende Pop-Art-Bewegung, da sie verschiedene Elemente der Popkultur in einem einzigen Werk vermischte. Mit Bildern wie dem Cover eines Pulp-Fiction-Romans, einer Coca-Cola-Werbung und einem Militärrekrutierungsplakat veranschaulicht die Collage den etwas düstereren Ton der britischen Pop-Art im Vergleich zu ihrem amerikanischen Gegenstück. Anstatt die Massenmedien so eindeutig zu feiern wie mancher US-Pop, reflektierten Paolozzis Arbeiten eher die Kluft zwischen idealisierten Darstellungen von Wohlstand in der amerikanischen Popkultur und den harten wirtschaftlichen und politischen Realitäten Großbritanniens jener Zeit.

Als Mitglied der einflussreichen, aber informellen Independent Group untersuchte Paolozzi den wachsenden Einfluss der Technologie und Massenkultur auf die traditionelle bildende Kunst. Seine Verwendung von Collagetechniken, die er der früheren surrealistischen und dadaistischen Fotomontage entlehnte, ermöglichte es, alltägliche Medienephemera in einen neuen Kontext zu setzen und so die Bombardierung mit kommerziellen Bildern, der wir im modernen Alltag begegnen, effektiv nachzubilden. I Was a Rich Man's Plaything erwies sich als wegweisend und eines der ersten Werke, das die Umgangssprache der Werbung, Comics und anderer Massenmedien in den Bereich der bildenden Kunst brachte. Paolozzis Werk trug dazu bei, die Grundlagen dafür zu legen, wie Pop Art die sich auflösenden Grenzen zwischen Hoch- und Popkultur hinterfragte.

Claes Oldenburg ist als einer der wenigen amerikanischen Pop-Bildhauer bekannt , bekannt für seine spielerisch absurden großformatigen Darstellungen alltäglicher Lebensmittel und Gegenstände. Seine Installation The Store, die 1961 in New Yorks Lower East Side debütierte, umfasste eine Sammlung von Gipsskulpturen, die heute als Pastry Case, I bekannt sind. Die Werke stellen Konsumgüter wie Erdbeerkuchen und kandierte Äpfel dar und sind Nachbildungen gewöhnlicher Artikel, die man in Geschäften findet. Oldenburg inszenierte The Store selbst jedoch als einen tatsächlichen kleinen Gemischtwarenladen, in dem die Skulpturen mit Preisen versehen und zum Scheinkauf ausgestellt wurden – ein Kommentar zum Verhältnis der Kunst zur Kommerzialisierung. Obwohl es wie Massenware aussieht, wurde jedes Stück sorgfältig von Hand gefertigt. Die üppige, ausdrucksstarke Pinselführung, die die Gebäcke von Pastry Case, I bedeckt, scheint sich über die Ernsthaftigkeit des abstrakten Expressionismus lustig zu machen und spiegelt die Vorliebe der Pop-Art wider, etablierte Kunstformen zu kritisieren.

Oldenburg vermischte die gestischen Techniken des malerischen Expressionismus mit alltäglichen Produktsimulationen, die in einem ironischen kommerziellen Umfeld präsentiert wurden. Dieser spielerisch-subversive Akt verwischte die Grenzen zwischen bildender Kunst und Massenkultur und behielt dabei einen trockenen Sinn für Humor. The Store trug dazu bei, Oldenburg als wegweisenden Pop-Artisten zu etablieren, der die Erwartungen darüber, was Skulpturen darstellen können und wohin sie gehören, auf den Kopf stellte.