ポップアートが日常のイメージを舞台にもたらした方法

戦後の 1950 年代に、英国からモダニズムの方向性を劇的に変えてしまう新しい運動が生まれました。ポップ アートとして知られるこの運動は、メディアや商業製品のイメージやオブジェクトを流用して美術作品にすることで、大衆文化や日常を称えるものでした。「アート」の定義に異議を唱えたダダなどの初期の運動にルーツを持つポップ アーティストは、人々を取り巻く大衆的な視覚的風景に注目しました。アンディ ウォーホル、ロイ リキテンスタイン、ジェームズ ローゼンクイストなどの人物は、伝統的な主題を拒否し、代わりに社会を支配するようになった大量生産された製造されたイメージやブランドを取り入れました。

近代美術が歴史的なテーマや高尚な美学に焦点を当てていたのに対し、ポップは低俗なものを高めることを提案した。広告、漫画、消費者向けパッケージの画像がギャラリー空間に登場し、日常の物がアートとして再構成された。馴染みのある画像や商品のこの新鮮な再文脈化は大胆な転換だった。ポップは商業文化の馴染みのある光景をアートに取り入れることで、モダニズムをより身近なものにし、現代の視覚的慣用表現と結び付けた。ポップはエリート文化と大衆文化の古い区分に疑問を投げかけた。この運動の特徴的なスタイルは 1960 年代にアメリカ中に浸透し、ウォーホルのスープ缶やブリロ ボックスなどの象徴的な作品によって普及した。商業的な図像を取り入れることで、ポップ アートは広く知られるようになり、アートとは何かを再考するのに役立った。

ポップアートは、大衆文化のイメージを絵画や彫刻に取り入れることで、芸術の「高尚な」形式と「低俗な」形式の間の伝統的な階層構造に挑戦することを目指しました。この運動の核となる概念は、どんな源泉も芸術にインスピレーションを与え、境界を曖昧にするというものでした。抽象表現主義者が魂の中にトラウマを探し求める一方で、ポップアーティストは、戦後を取り巻く広告、漫画、大衆イメージなどの媒介された世界にそれを求めました。しかし、ポップは、魂、自然、または構築された環境はすべて相互に関連しており、何にも触れられていないものはないことを認識していたと言う方が正確かもしれません。そのため、ポップアーティストは、作品の中でそれらのつながりを文字通り表現しました。

ポップアートは多様な態度を包含していたが、その多くは、それ以前のジェスチャーの抽象化に比べて感情的な距離を保っていた。この「クールな」距離感は、ポップが大衆文化を受け入れたのか、それとも批判的に撤退したのかという議論を引き起こした。ポップのイメージの選択は、戦後の製造業とメディアブームの資本主義を熱心に支持していると指摘する人もいる。また、消費財を高く評価して、芸術と商品の共通の地位についてコメントするなど、文化批評の要素を指摘する人もいる。多くの有名なポップアーティストは、イラストレーションのアンディ・ウォーホルや漫画のロイ・リキテンスタインのように、商業芸術からスタートした。彼らは広告とデザインを背景に、視覚的な大衆文化言語を習得し、「高級」な領域と大衆的な領域をシームレスに融合させた。これが、ポップアートが両者を区別することを検討することに影響を与えた。

スコットランドの彫刻家であり芸術家であったエドゥアルド・パオロッツィは、戦後のイギリスの前衛芸術界で極めて重要な人物でした。彼のコラージュ作品「私は金持ちの遊び人」は、ポップカルチャーのさまざまな要素をひとつの作品に融合させたため、台頭しつつあったポップアート運動に多大な影響を与えました。パルプフィクション小説の表紙、コカコーラの広告、軍隊の募集ポスターなどのイメージを取り入れたこのコラージュは、アメリカのポップカルチャーに比べてやや暗いトーンのイギリスのポップカルチャーを象徴しています。一部のアメリカのポップカルチャーのようにマスメディアを明確に称賛するのではなく、パオロッツィの作品は、アメリカの大衆文化における豊かさの理想化された描写と当時の厳しいイギリスの経済的および政治的現実とのギャップを反映していました。

影響力はあるものの非公式なインディペンデント グループのメンバーとして、パオロッツィはテクノロジーと大衆文化が伝統的な美術に及ぼす影響の増大を研究しました。初期のシュルレアリストやダダイストのフォトモンタージュから借用したコラージュ技法を使用することで、日常的なメディアの一時的なイメージを再文脈化し、現代の日常生活で遭遇する商業画像の集中砲火を効果的に再現しました。『I Was a Rich Man's Plaything』は、広告、コミック、その他のマス コミュニケーションの日常言語を美術の領域に持ち込んだ初期の作品の 1 つとして、独創的な作品となりました。パオロッツィの作品は、ポップ アートが高級文化と低級文化の境界の消滅を問う方法の基礎を確立するのに役立ちました。

クレス・オルデンバーグは、数少ないアメリカのポップ彫刻家のひとりとして知られ、日常の食べ物や物を遊び心たっぷりに大胆に大規模に描写することで知られています。1961年にニューヨークのローワー・イースト・サイドでデビューした彼のインスタレーション「The Store」には、現在「Pastry Case, I」と呼ばれる石膏彫刻のコレクションが含まれていました。ストロベリーショートケーキやリンゴ飴などの消費財を表現したこれらの作品は、店でよく見かける一般的な商品を模倣しています。しかし、オルデンバーグは「The Store」自体を実際の小さな雑貨店として演出し、彫刻に値段を付けて偽の購入用に展示することで、アートと商品化の関係について言及しています。大量生産されたように見えますが、各作品は丁寧に手作りされています。Pastry Case, Iのペストリーを覆う豊かで表現力豊かな筆致は、抽象表現主義の真剣さを茶化しているようで、確立された芸術形式を批評するポップアートの傾向を反映しています。

オルデンバーグは、絵画的表現主義のジェスチャー技法と、皮肉な商業的設定で提示されたありふれた製品のシミュレーションを融合しました。この遊び心のある破壊的な行為は、美術と大衆文化の境界を曖昧にしながらも、両方に対する皮肉なユーモアのセンスを維持しました。このストアは、彫刻が何を表現できるか、そしてそれがどこに属しているかという予想を覆す、影響力のあるポップアーティストとしてのオルデンバーグの地位を確立するのに役立ちました。