팝 아트가 일상의 이미지를 무대로 가져온 방법

전후 1950년대에 영국에서 모더니즘의 방향을 크게 바꾼 새로운 운동이 등장했습니다. 팝 아트로 알려진 이 운동은 미디어와 상업 제품의 이미지와 사물을 미술로 차용하여 대중 문화와 일상을 찬양했습니다. "예술"의 정의에 도전한 다다와 같은 초기 운동에서 유래한 팝 아티스트는 사람들을 둘러싼 대중적인 시각적 풍경에 주목했습니다. 앤디 워홀, 로이 리히텐슈타인, 제임스 로젠퀴스트와 같은 인물들은 전통적인 주제를 거부하고 대신 사회를 지배하게 된 대량 생산되고 제조된 이미지와 브랜드를 통합했습니다.

현대 미술이 역사적 주제와 고급 미학에 초점을 맞춘 반면, 팝은 저급한 것을 격상시키는 것을 제안했습니다. 광고, 만화, 소비자 포장의 이미지가 갤러리 공간에 들어왔습니다. 일상적인 물건이 예술로 재구성되었습니다. 친숙한 이미지와 상품에 대한 이러한 상쾌한 재맥락화는 대담한 전환이었습니다. 팝은 상업 문화의 친숙한 광경을 예술로 가져와 모더니즘을 더 접근하기 쉽게 만들었고 오늘날의 시각적 속어와 연결했습니다. 그것은 엘리트 문화와 대중 문화 사이의 오래된 구분에 의문을 제기했습니다. 이 운동의 시그니처 스타일은 1960년대에 미국에 스며들어 워홀의 수프 캔과 브릴로 상자와 같은 상징적 작품으로 대중화되었습니다. 상업적 도상학을 통합하면서 팝 아트는 매우 유명해졌고 예술이 무엇에 관한 것인지 다시 생각하는 데 도움이 되었습니다.

대중 문화의 이미지를 그림과 조각으로 차용함으로써 팝 아트는 "고급"과 "저급" 예술 형식 간의 전통적인 위계에 도전하고자 했습니다. 이 운동의 핵심 개념은 어떤 출처에서든 예술에 영감을 줄 수 있고 경계를 모호하게 한다는 것이었습니다. 추상 표현주의자들은 영혼 속의 트라우마를 찾았지만, 팝 아티스트들은 전후 시대를 둘러싼 광고, 만화, 대중적 이미지의 매개된 세계에서 그것을 찾았습니다. 그러나 팝은 어떤 것에도 손대지 않은 접근이 없다는 것을 인식했다고 말하는 것이 더 정확할 수 있습니다. 영혼, 자연 또는 건축 환경은 모두 상호 연결되어 있습니다. 따라서 팝 아티스트는 이러한 연결을 작업에서 문자 그대로 표현했습니다.

팝 아트는 다양한 태도를 포괄했지만, 그 대부분은 이전의 몸짓적 추상화와 관련하여 감정적으로 거리를 두었습니다. 이러한 "차가운" 분리는 팝이 대중 문화를 수용했는지 아니면 비판적으로 물러났는지에 대한 논쟁을 불러일으켰습니다. 어떤 사람들은 팝이 이미지를 선택한 것을 전후 제조업과 미디어 붐 자본주의를 열광적으로 지지한 것으로 언급합니다. 다른 사람들은 소비재를 격상시켜 예술과 상품의 공유된 지위에 대해 논평하는 것과 같은 문화적 비판의 요소를 지적합니다. 많은 유명 팝 아티스트는 상업 예술에서 시작했는데, 예를 들어 앤디 워홀은 일러스트레이션을, 로이 리히텐슈타인은 만화를 그렸습니다. 그들의 광고와 디자인 배경은 시각적 대중 문화 언어를 훈련시켜 "고급"과 대중적 영역을 매끄럽게 통합할 수 있었습니다. 이는 팝 아트가 두 영역을 분리하는 데 영향을 미쳤습니다.

스코틀랜드의 조각가이자 예술가인 에두아르도 파올로 치는 전후 영국 아방가르드 장면에서 핵심 인물이었습니다. 그의 콜라주 작품인 나는 부자의 장난감이었다는 것은 대중 문화의 다양한 요소를 하나의 작품으로 융합함으로써 떠오르는 팝 아트 운동에 큰 영향을 미쳤습니다. 펄프 픽션 소설 표지, 코카콜라 광고, 신병 모집 포스터와 같은 이미지를 통합한 이 콜라주는 미국 팝에 비해 영국 팝의 약간 어두운 톤을 보여줍니다. 파올로치의 작품은 일부 미국 팝처럼 대중 매체를 모호하지 않게 찬양하기보다는 미국 대중 문화의 이상화된 풍요 묘사와 당시 영국의 가혹한 경제 및 정치 현실 사이의 격차를 더 많이 반영했습니다.

영향력이 있지만 비공식적인 Independent Group의 일원으로서 Paolozzi는 기술과 대중 문화가 전통 미술에 미치는 영향력이 커지는 것을 탐구했습니다. 그는 이전의 초현실주의와 다다이스트 포토몽타주에서 차용한 콜라주 기법을 사용하여 일상적인 미디어 단편물을 재맥락화하여 일상적인 현대 생활에서 마주치는 상업적 이미지의 폭격을 효과적으로 재현했습니다. 나는 부자의 장난감이었다는 광고, 만화 및 기타 대중 커뮤니케이션의 속어를 미술 영역으로 가져온 최초의 작품 중 하나로서 선구적이었습니다. Paolozzi의 작업은 팝 아트가 고급 문화와 저급 문화 간의 경계가 사라지는 것을 조사하는 방법에 대한 기초를 확립하는 데 도움이 되었습니다.

클래스 올덴버그는 몇 안 되는 미국 팝 조각가 중 한 명으로 , 일상적인 음식과 사물을 장난기 있게 터무니없이 대규모로 묘사한 것으로 유명합니다. 1961년 뉴욕 로어 이스트 사이드에서 처음 선보인 그의 설치 작품 The Store에는 현재 Pastry Case, I로 불리는 석고 조각품 컬렉션이 포함되었습니다. 딸기 쇼트케이크와 설탕에 절인 사과와 같은 소비재를 표현한 이 작품은 상점에서 흔히 볼 수 있는 품목을 재현했습니다. 그러나 올덴버그는 The Store 자체를 실제 소규모 잡화점으로 연출했고, 조각품에 가격을 매기고 가짜 구매를 위해 전시했습니다. 이는 예술과 상품화의 관계에 대한 논평입니다. 대량 생산된 것처럼 보이지만 각 작품은 신중하게 수작업으로 제작되었습니다. Pastry Case, I의 페이스트리를 덮고 있는 화려하고 표현력 있는 붓질은 추상 표현주의의 진지함을 조롱하는 듯하며, 팝 아트가 확립된 예술 형식을 비판하는 경향을 반영합니다.

올덴버그는 회화적 표현주의의 제스처 기법을 아이러니한 상업적 배경에서 제시된 평범한 제품 시뮬레이션과 혼합했습니다. 이 유쾌하게 파괴적인 행위는 미술과 대중 문화 사이의 구분을 모호하게 하는 동시에 두 가지에 대한 냉소적인 유머 감각을 유지했습니다. The Store는 올덴버그를 조각이 무엇을 묘사할 수 있고 어디에 속하는지에 대한 기대를 뒤집는 선구적인 팝 아티스트로 자리 매김하는 데 도움이 되었습니다.