Comment le Pop Art a amené l'imagerie du quotidien sur scène

Dans les années 1950, un nouveau mouvement émergea au Royaume-Uni, qui modifia radicalement l'orientation du modernisme. Connu sous le nom de Pop Art, il célébrait la culture populaire et le quotidien en s'appropriant des images et des objets issus des médias et des produits commerciaux pour en faire des œuvres d'art. S'inspirant de mouvements antérieurs comme Dada, qui remettaient en question les définitions de « l'art », les artistes pop se tournèrent vers le paysage visuel populaire qui entourait les gens. Des personnalités comme Andy Warhol, Roy Lichtenstein et James Rosenquist rejetèrent les sujets traditionnels et incorporèrent à la place les images et les marques fabriquées en masse qui dominaient la société.

Alors que l’art moderne se concentrait sur des thèmes historiques et une esthétique élitiste, le Pop Art proposait d’élever le bas de l’échelle. Des images de publicités, de bandes dessinées et d’emballages de produits de consommation ont fait leur apparition dans les galeries. Des objets du quotidien ont été transformés en œuvres d’art. Cette recontextualisation rafraîchissante d’images et de produits familiers a constitué un tournant audacieux. En intégrant les images familières de la culture commerciale dans l’art, le Pop Art a rendu le modernisme plus accessible et l’a lié au langage visuel actuel. Il a remis en question les anciennes divisions entre la culture élitiste et la culture populiste. Le style caractéristique du mouvement a filtré à travers l’Amérique des années 1960, popularisé par des œuvres emblématiques comme les boîtes de soupe de Warhol et les boîtes Brillo. En intégrant l’iconographie commerciale, le Pop Art est devenu très reconnaissable et a contribué à repenser ce que l’art pouvait être.

En s'appropriant des images de la culture de masse dans des peintures et des sculptures, le Pop Art cherchait à remettre en question les hiérarchies traditionnelles entre les formes d'art « élevées » et « basses ». L'un des concepts fondamentaux du mouvement était que n'importe quelle source pouvait inspirer l'art, brouillant les frontières. Alors que les expressionnistes abstraits cherchaient le traumatisme dans l'âme, les artistes pop le cherchaient dans les mondes médiatisés de la publicité, des dessins animés et de l'imagerie populaire qui entouraient l'après-guerre. Cependant, il serait peut-être plus exact de dire que le Pop Art reconnaissait qu'il n'existe aucun accès intouchable à quoi que ce soit - l'âme, la nature ou les environnements bâtis sont tous interconnectés. Par conséquent, les artistes pop ont fait de ces connexions un élément littéral de leur travail.

Bien que le Pop Art ait englobé des attitudes diverses, il a conservé une certaine distance émotionnelle par rapport à l'abstraction gestuelle qui l'a précédé. Ce détachement « cool » a suscité un débat sur la question de savoir si le Pop Art acceptait ou s'en retirait de manière critique. Certains citent le choix des images du Pop Art comme une approbation enthousiaste du capitalisme de l'après-guerre, manufacturier et médiatique. D'autres notent un élément de critique culturelle, comme l'élévation des biens de consommation au rang de commentaire du statut commun de l'art et des marchandises. De nombreux artistes célèbres du Pop Art ont commencé dans l'art commercial, comme Andy Warhol dans l'illustration et Roy Lichtenstein dans la bande dessinée. Leurs antécédents dans la publicité et le design les ont formés aux langages visuels de la culture de masse, permettant une fusion harmonieuse des domaines « élevés » et populaires. Cela a influencé la question du Pop Art sur la séparation des deux.

Eduardo Paolozzi, sculpteur et artiste écossais , était une figure centrale de la scène avant-gardiste britannique d'après-guerre. Son œuvre de collage I Was a Rich Man's Plaything s'est avérée très influente pour le mouvement émergent du Pop Art, car elle mélangeait divers éléments de la culture populaire en une seule œuvre. Incorporant des images telles qu'une couverture de roman de fiction populaire, une publicité Coca-Cola et une affiche de recrutement militaire, le collage illustre le ton légèrement plus sombre de la pop britannique par rapport à son homologue américaine. Plutôt que de célébrer les médias de masse aussi clairement que certains pop américains, l'œuvre de Paolozzi reflète davantage l'écart entre les représentations idéalisées de la richesse dans la culture populaire américaine et les dures réalités économiques et politiques britanniques de l'époque.

En tant que membre de l'influent mais informel Independent Group, Paolozzi a exploré l'impact croissant de la technologie et de la culture de masse sur les beaux-arts traditionnels. Son utilisation de techniques de collage empruntées aux premiers photomontages surréalistes et dadaïstes a permis de recontextualiser les éphémères des médias quotidiens, recréant efficacement le bombardement d'images commerciales rencontrées dans la vie moderne quotidienne. I Was a Rich Man's Plaything s'est avérée fondamentale en tant qu'une des premières œuvres à intégrer les langages vernaculaires de la publicité, de la bande dessinée et d'autres communications de masse dans le domaine des beaux-arts. Le travail de Paolozzi a contribué à établir les bases de la manière dont le Pop Art allait interroger les lignes dissoutes entre la haute et la basse culture.

Claes Oldenburg est connu pour être l' un des rares sculpteurs pop américains, connu pour ses représentations ludiques et absurdes à grande échelle d'aliments et d'objets du quotidien. Son installation The Store, inaugurée en 1961 dans le Lower East Side de New York, comprenait une collection de sculptures en plâtre désormais appelée Pastry Case, I. Représentant des biens de consommation comme un shortcake aux fraises et des pommes confites, les œuvres reproduisaient des articles courants trouvés dans les magasins. Cependant, Oldenburg a mis en scène The Store lui-même comme un véritable petit magasin de produits divers, les sculptures étant vendues à des prix et exposées pour un achat fictif - commentant la relation de l'art à la marchandisation. Bien qu'elles semblent produites en série, chaque pièce a été soigneusement fabriquée à la main. Le travail au pinceau luxuriant et expressif qui recouvre les pâtisseries de Pastry Case, I semble se moquer du sérieux de l'expressionnisme abstrait, faisant écho au penchant du Pop Art pour la critique des formes d'art établies.

Oldenburg a mélangé les techniques gestuelles de l'expressionnisme pictural avec des simulations de produits banals présentées dans un contexte commercial ironique. Cet acte ludique et subversif a brouillé les frontières entre les beaux-arts et la culture de masse tout en conservant un sens de l'humour ironique à l'égard des deux. The Store a contribué à faire d'Oldenburg un artiste pop fondateur qui a bouleversé les attentes quant à ce que la sculpture pouvait représenter et à sa place.