Как поп-арт перенес повседневные образы на сцену

В послевоенные 1950-е годы в Великобритании возникло новое движение, которое радикально изменило направление модернизма. Известное как поп-арт, оно прославляло популярную культуру и повседневность, присваивая образы и объекты из медиа и коммерческих продуктов в изобразительное искусство. Имея корни в более ранних движениях, таких как дадаизм, которые бросали вызов определениям «искусства», поп-художники обратили внимание на популярный визуальный ландшафт, окружавший людей. Такие деятели, как Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн и Джеймс Розенквист, отвергли традиционные сюжеты и вместо этого включили массово производимые, изготовленные изображения и бренды, которые стали доминировать в обществе.

Там, где современное искусство было сосредоточено на исторических темах и эстетике высоких технологий, Поп предложил возвысить низкопробное. Образы из рекламы, комиксов и потребительской упаковки вошли в пространство галереи. Повседневные предметы были переосмыслены как искусство. Эта освежающая реконтекстуализация знакомых образов и товаров была смелым сдвигом. Привнеся знакомые образы коммерческой культуры в искусство, Поп сделал модернизм более доступным и связал его с современным визуальным языком. Он поставил под сомнение старые разделения на элитарную и популистскую культуру. Фирменный стиль движения просочился в Америку в 1960-х годах, популяризированный такими знаковыми работами, как банки супа Уорхола и коробки Brillo. Благодаря включению коммерческой иконографии поп-арт стал очень узнаваемым и помог переосмыслить то, чем может быть искусство.

Присвоив образы из массовой культуры в картины и скульптуры, поп-арт стремился бросить вызов традиционным иерархиям между «высокими» и «низкими» формами искусства. Основная концепция движения заключалась в том, что любой источник может вдохновить искусство, размывая границы. В то время как абстрактные экспрессионисты искали травму в душе, поп-артисты искали ее в опосредованных мирах рекламы, мультфильмов и популярных образов, которые окружали послевоенную эпоху. Однако, возможно, точнее было бы сказать, что поп-арт осознавал, что нет нетронутого доступа к чему-либо — душа, природа или созданная среда — все взаимосвязано. Поэтому поп-артисты сделали эти связи буквальными в своих работах.

Хотя поп-арт охватывал разнообразные взгляды, большая его часть сохраняла эмоциональную отстраненность относительно жестовой абстракции, которая ему предшествовала. Эта «холодная» отстраненность вызвала споры о том, принял ли поп-арт или критически отошел от популярной культуры. Некоторые ссылаются на выбор образов поп-арта как на восторженное одобрение послевоенного производства и капитализма медиа-бума. Другие отмечают элемент культурной критики, например, возвышение потребительских товаров для комментария об общем статусе искусства и товаров. Многие известные поп-артисты начинали в коммерческом искусстве, как Энди Уорхол в иллюстрации и Рой Лихтенштейн в карикатуре. Их рекламный и дизайнерский бэкграунд обучил их визуальным языкам массовой культуры, что позволило бесшовно слить «высокие» и популярные сферы. Это повлияло на вопрос поп-арта о разделении этих двух сфер.

Эдуардо Паолоцци, шотландский скульптор и художник , был ключевой фигурой в британской послевоенной авангардной сцене. Его коллажная работа «Я был игрушкой богатого человека» оказала большое влияние на зарождающееся движение поп-арта, поскольку она смешала различные элементы популярной культуры в одной работе. Включая такие образы, как обложка романа в жанре бульварного чтива, реклама Coca-Cola и плакат о вербовке в армию, коллаж иллюстрирует немного более мрачный тон британской поп-музыки по сравнению с ее американским аналогом. Вместо того чтобы так же недвусмысленно восхвалять средства массовой информации, как некоторые американские поп-музыки, работы Паолоцци больше отражали разрыв между идеализированными изображениями богатства в американской популярной культуре и суровыми британскими экономическими и политическими реалиями того времени.

Будучи членом влиятельной, но неформальной Независимой группы, Паолоцци исследовал растущее влияние технологий и массовой культуры на традиционное изобразительное искусство. Его использование коллажных техник, заимствованных из более раннего сюрреалистического и дадаистского фотомонтажа, позволило реконтекстуализировать повседневные медиа-однодневки, эффективно воссоздавая бомбардировку коммерческими изображениями, с которыми мы сталкиваемся в повседневной современной жизни. «Я был игрушкой богатого человека» оказался основополагающим как одна из самых ранних работ, привнесших народные языки рекламы, комиксов и других средств массовой информации в сферу изобразительного искусства. Работы Паолоцци помогли заложить основы того, как поп-арт будет исследовать растворяющиеся границы между высокой и низкой культурой.

Клас Олденбург известен как один из немногих американских поп-скульпторов, известных своими игриво-абсурдными крупномасштабными изображениями повседневной еды и предметов. Его инсталляция The Store, дебютировавшая в 1961 году в Нижнем Ист-Сайде Нью-Йорка, включала коллекцию гипсовых скульптур, которые теперь называются Pastry Case, I. Представляя потребительские товары, такие как клубничный торт и засахаренные яблоки, работы копировали обычные предметы, которые можно найти в магазинах. Однако Олденбург представил сам The Store как настоящий небольшой магазинчик с различными ценами и выставленными для фиктивной покупки скульптурами, комментируя связь искусства с коммерциализацией. Несмотря на то, что они кажутся произведенными массово, каждое изделие было тщательно изготовлено вручную. Пышная, экспрессивная кисть, покрывающая выпечку Pastry Case, I, кажется, высмеивает серьезность абстрактного экспрессионизма, отражая склонность поп-арта к критике устоявшихся форм искусства.

Олденбург смешал жестовые приемы живописного экспрессионизма с обыденными имитациями продуктов, представленными в ироничной коммерческой обстановке. Этот игриво-подрывной акт размыл границы между изящным искусством и массовой культурой, сохранив при этом ироничное чувство юмора по отношению к обоим. The Store помог Олденбургу утвердиться как основополагающему поп-художнику, перевернувшему ожидания относительно того, что может изображать скульптура и где ей место.