Cum Pop Art a adus imaginile de zi cu zi pe scenă

În anii 1950 postbelici, din Marea Britanie a apărut o nouă mișcare care a schimbat drastic direcția modernismului. Cunoscută sub numele de Pop Art, a sărbătorit cultura populară și cotidianul prin însușirea imaginilor și obiectelor din mass-media și produse comerciale în artă plastică. Cu rădăcini în mișcări anterioare, cum ar fi Dada, care au contestat definițiile „artei”, artiștii pop au îndreptat atenția către peisajul vizual popular care înconjura oamenii. Figuri precum Andy Warhol, Roy Lichtenstein și James Rosenquist au respins subiectele tradiționale și au încorporat în schimb imaginile și mărcile produse în masă, care au ajuns să domine societatea.

Acolo unde arta modernă s-a concentrat pe teme istorice și pe estetica înaltă, Pop a propus să ridice fruntea. Imaginile din reclame, benzi desenate și ambalaje pentru consumatori au intrat în spațiul galeriei. Obiectele de zi cu zi au fost reîncadrate ca artă. Această recontextualizare revigorantă a imaginilor și mărfurilor familiare a fost o schimbare îndrăzneață. Aducând în artă priveliștile familiare ale culturii comerciale, Pop a făcut modernismul mai accesibil și l-a legat de limbajul vizual actual. A pus sub semnul întrebării vechile diviziuni dintre cultura de elită și cultura populistă. Stilul de semnătură al mișcării a trecut prin America în anii 1960, popularizat de lucrări emblematice precum conservele de supă ale lui Warhol și cutiile Brillo. În încorporarea iconografiei comerciale, Pop Art a devenit foarte recunoscută și a ajutat să regândim despre ce ar putea fi arta.

Prin însușirea imaginilor din cultura de masă în picturi și sculpturi, Pop Art și-a propus să provoace ierarhiile tradiționale dintre formele de artă „înalte” și „joase”. Un concept de bază al mișcării a fost că orice sursă ar putea inspira artă, estompând granițele. În timp ce expresioniștii abstracti au căutat traume în suflet, artiștii pop au căutat-o în lumile mediate ale reclamelor, desenelor animate și imaginilor populare care au înconjurat epoca postbelică. Cu toate acestea, poate fi mai corect să spunem că Pop a recunoscut că nu există acces neatins la nimic - sufletul, natura sau mediile construite sunt toate interconectate. Prin urmare, artiștii pop au făcut acele conexiuni literale în munca lor.

Deși Pop Art a cuprins diverse atitudini, o mare parte a menținut o îndepărtare emoțională în raport cu abstracția gestuală care a precedat-o. Această detașare „mișto” a stârnit dezbateri cu privire la dacă Pop a acceptat sau s-a retras critic din cultura populară. Unii citează alegerea imaginilor lui Pop ca susținând cu entuziasm producția postbelică și capitalismul boom-ului media. Alții notează un element de critică culturală, cum ar fi ridicarea bunurilor de consum pentru a comenta statutul comun al artei și al mărfurilor. Mulți artiști pop celebri au început în arta comercială, precum Andy Warhol în ilustrație și Roy Lichtenstein în desene animate. Mediile lor de publicitate și design i-au instruit în limbaje ale culturii de masă vizuale, permițând îmbinarea perfectă a tărâmurilor „înalte” și populare. Acest lucru a influențat interogarea Pop Art de a separa cei doi.

Eduardo Paolozzi, sculptor și artist scoțian , a fost o figură esențială în scena avangardă britanică de după război. Lucrarea sa de colaj I Was a Rich Man's Plaything s-a dovedit extrem de influentă pentru mișcarea Pop Art în curs de dezvoltare, deoarece a combinat diferite elemente ale culturii populare într-o singură lucrare. Încorporând imagini precum o coperta de roman pulp fiction, anunț Coca-Cola și afiș de recrutare militară, colajul exemplifică tonul puțin mai întunecat al pop britanic în comparație cu omologul său american. În loc să celebreze mass-media la fel de clar ca unii pop americani, munca lui Paolozzi a reflectat mai mult asupra decalajului dintre portretele idealizate ale prosperității în cultura populară americană și realitățile economice și politice britanice dure din acea vreme.

În calitate de membru al grupului independent influent, dar informal, Paolozzi a explorat impactul tot mai mare al tehnologiei și culturii de masă asupra artei plastice tradiționale. Folosirea de către el a tehnicilor de colaj împrumutate din fotomontajul suprarealist și dadaist anterior a permis recontextualizarea efemerelor media de zi cu zi, recreând efectiv bombardarea imaginilor comerciale întâlnite în viața modernă de zi cu zi. I Was a Rich Man's Plaything s-a dovedit fundamental ca fiind una dintre primele lucrări care a adus limbajele vernaculare ale reclamei, benzilor desenate și a altor comunicații de masă în domeniul artei plastice. Lucrarea lui Paolozzi a ajutat la stabilirea bazelor modului în care Pop Art ar interoga liniile dizolvate dintre cultura înaltă și cea joasă.

Claes Oldenburg este renumit ca unul dintre puținii sculptori pop americani, cunoscut pentru reprezentările sale la scară largă, jucăuș, absurde, ale alimentelor și obiectelor de zi cu zi. Instalația sa, The Store, care a debutat în 1961 în Lower East Side din New York, includea o colecție de sculpturi din ipsos denumite acum Pastry Case, I. Reprezentând bunuri de larg consum, cum ar fi o prăjitură cu căpșuni și un măr confiat, lucrările au replicat articole comune găsite în magazine. . Cu toate acestea, Oldenburg a pus în scenă Magazinul în sine ca un mic magazin de soiuri, sculpturile fiind prețuite și expuse pentru cumpărare falsă - comentând relația artei cu comercializarea. Deși părea produsă în serie, fiecare piesă a fost realizată manual cu atenție. Pensiunea luxuriantă și expresivă care acoperă Pastry Case, produse de patiserie ale lui I pare să bată joc de seriozitatea expresionismului abstract, făcând ecou înclinația artei pop pentru a critica formele de artă consacrate.

Oldenburg a îmbinat tehnicile gestuale ale expresionismului pictural cu simulări banale de produse prezentate într-un cadru comercial ironic. Acest act jucăuș subversiv a estompat diviziunile dintre arta plastică și cultura de masă, menținând în același timp un simț al umorului ironic despre ambele. Magazinul a ajutat la stabilirea Oldenburgului ca un artist pop fundamental, răsturnând așteptările cu privire la ceea ce sculptura ar putea înfățișa și locul în care îi aparține.