Cómo el arte pop llevó imágenes cotidianas al escenario

En la década de 1950, después de la Segunda Guerra Mundial, surgió en el Reino Unido un nuevo movimiento que cambió drásticamente la dirección del modernismo. Conocido como Pop Art, celebraba la cultura popular y la vida cotidiana apropiándose de imágenes y objetos de los medios de comunicación y productos comerciales para convertirlos en bellas artes. Con raíces en movimientos anteriores como el dadaísmo, que desafiaban las definiciones de "arte", los artistas pop dirigieron su atención hacia el paisaje visual popular que rodeaba a la gente. Figuras como Andy Warhol, Roy Lichtenstein y James Rosenquist rechazaron los temas tradicionales y, en su lugar, incorporaron las imágenes y marcas fabricadas y producidas en masa que habían llegado a dominar la sociedad.

Allí donde el arte moderno se había centrado en temas históricos y estéticas de alto nivel, el pop propuso elevar lo popular. Imágenes de anuncios, cómics y envases de consumo entraron en el espacio de las galerías. Los objetos cotidianos se replantearon como arte. Esta recontextualización refrescante de imágenes y productos familiares fue un cambio audaz. Al incorporar las imágenes familiares de la cultura comercial al arte, el pop hizo que el modernismo fuera más accesible y lo vinculó con el lenguaje visual actual. Cuestionó las antiguas divisiones entre la cultura de élite y la cultura populista. El estilo característico del movimiento se filtró en Estados Unidos en la década de 1960, popularizado por obras icónicas como las latas de sopa de Warhol y las cajas de Brillo. Con su incorporación de la iconografía comercial, el arte pop se volvió muy reconocible y ayudó a repensar lo que podía ser el arte.

Al apropiarse de imágenes de la cultura de masas para plasmarlas en pinturas y esculturas, el arte pop pretendía desafiar las jerarquías tradicionales entre las formas de arte "altas" y "bajas". Un concepto central del movimiento era que cualquier fuente podía inspirar el arte, difuminando las fronteras. Mientras que los expresionistas abstractos buscaban el trauma en el alma, los artistas pop lo buscaban en los mundos mediatizados de la publicidad, las caricaturas y las imágenes populares que rodeaban la era de la posguerra. Sin embargo, puede ser más preciso decir que el pop reconocía que no hay un acceso intacto a nada: el alma, la naturaleza o los entornos construidos están todos interconectados. Por lo tanto, los artistas pop hicieron que esas conexiones fueran literales en su obra.

Aunque el arte pop abarcó diversas actitudes, gran parte de él mantuvo una distancia emocional en relación con la abstracción gestual que lo precedió. Este distanciamiento "cool" ha provocado un debate sobre si el pop aceptó o se retiró críticamente de la cultura popular. Algunos citan la elección de imágenes del pop como un respaldo entusiasta al capitalismo de posguerra de la manufactura y el auge de los medios de comunicación. Otros señalan un elemento de crítica cultural, como la elevación de los bienes de consumo para comentar el estatus compartido del arte y las mercancías. Muchos artistas pop famosos comenzaron en el arte comercial, como Andy Warhol en la ilustración y Roy Lichtenstein en la caricatura. Su formación en publicidad y diseño los entrenó en los lenguajes de la cultura de masas visual, lo que permitió una fusión perfecta de los ámbitos "elevado" y popular. Esto influyó en la interrogación del arte pop sobre la separación de ambos.

Eduardo Paolozzi, escultor y artista escocés , fue una figura fundamental en la escena de vanguardia británica de posguerra. Su obra de collage I Was a Rich Man's Plaything resultó muy influyente para el emergente movimiento Pop Art, ya que fusionó varios elementos de la cultura popular en una sola obra. Al incorporar imágenes como la portada de una novela pulp, un anuncio de Coca-Cola y un cartel de reclutamiento militar, el collage ejemplifica el tono ligeramente más oscuro del pop británico en comparación con su contraparte estadounidense. En lugar de celebrar los medios de comunicación de masas de manera tan inequívoca como lo hace el pop estadounidense, la obra de Paolozzi reflexionó más sobre la brecha entre las representaciones idealizadas de la opulencia en la cultura popular estadounidense y las duras realidades económicas y políticas británicas de la época.

Como miembro del influyente pero informal Independent Group, Paolozzi exploró el creciente impacto de la tecnología y la cultura de masas en las bellas artes tradicionales. Su uso de técnicas de collage tomadas de los fotomontajes surrealistas y dadaístas anteriores permitió recontextualizar lo efímero de los medios cotidianos, recreando de manera eficaz el bombardeo de imágenes comerciales que encontramos en la vida moderna cotidiana. I Was a Rich Man's Plaything resultó fundamental como una de las primeras obras en llevar los lenguajes vernáculos de la publicidad, los cómics y otros medios de comunicación de masas al ámbito de las bellas artes. La obra de Paolozzi ayudó a sentar las bases de cómo el arte pop cuestionaría las líneas que se diluían entre la alta y la baja cultura.

Claes Oldenburg es conocido por ser uno de los pocos escultores pop estadounidenses, conocido por sus representaciones a gran escala, lúdicas y absurdas, de alimentos y objetos cotidianos. Su instalación The Store, que debutó en 1961 en el Lower East Side de Nueva York, incluía una colección de esculturas de yeso que ahora se conoce como Pastry Case, I. Representando bienes de consumo como un shortcake de fresa y una manzana confitada, las obras replicaban artículos comunes que se encuentran en las tiendas. Sin embargo, Oldenburg presentó The Store como una pequeña tienda de artículos varios real, con las esculturas puestas a la venta y exhibidas para una compra simulada, comentando la relación del arte con la mercantilización. Si bien parecen producidas en masa, cada pieza fue cuidadosamente hecha a mano. La pincelada exuberante y expresiva que cubre los pasteles de Pastry Case, I parece burlarse de la seriedad del expresionismo abstracto, haciéndose eco de la inclinación del arte pop por criticar las formas de arte establecidas.

Oldenburg combinó las técnicas gestuales del expresionismo pictórico con simulaciones de productos cotidianos presentados en un entorno comercial irónico. Este acto lúdico y subversivo desdibujó las divisiones entre las bellas artes y la cultura de masas, al tiempo que mantuvo un irónico sentido del humor sobre ambas. The Store ayudó a establecer a Oldenburg como un artista pop seminal que cambió radicalmente las expectativas sobre lo que la escultura podía representar y cuál era su lugar.