La sencillez en la pintura, al descubierto: cómo explorar la monocromía a lo largo de la historia

¿Qué define a una pintura monocromática?

En términos simples, una pintura monocromática es una obra de arte que emplea un solo color o tono como ingrediente principal. Si bien pueden existir interpretaciones en matices y tonos del color seleccionado, el factor esencial es la utilización de un solo color base. Pero, ¿dónde comenzó esta tendencia? A lo largo de más de un siglo, varios artistas han adoptado el monocromo como herramienta para profundizar en las oportunidades y limitaciones de la pintura. Este método minimalista les ha permitido experimentar con aspectos básicos del diseño y la tonalidad, e incluso estudiar conceptos profundos como la naturaleza, lo sublime y los temas espirituales.

jose albers

Reconocido como una figura destacada en la teoría monocromática y del color, Josef Albers (1888-1976), un artista germano-estadounidense, ocupa un lugar central en la historia del arte. Obtuvo su educación artística en la prestigiosa Escuela de Arte, Diseño y Arquitectura Bauhaus, donde más tarde se convirtió en profesor. Sin embargo, con el cierre de la escuela por parte de los nazis en 1933, Albers, acompañado de su esposa Annie Albers, también artista de la Bauhaus, se mudó a los Estados Unidos.

En Estados Unidos, Albers aceptó el papel de director en Black Mountain College, una nueva organización en Carolina del Norte que adoptó la ideología de la Bauhaus, albergando a muchos de sus educadores. Durante su mandato en Black Mountain College, Albers no solo enseñó, sino que también estuvo inmerso en la creación artística y en aventuras exploratorias relacionadas con la teoría del color. Fue durante este tiempo que se embarcó en una notable exploración de 25 años de su renombrada serie, Homenaje al cuadrado.

En 1949, Albers se despidió del Black Mountain College y asumió el cargo de Jefe del Departamento de Diseño de la Universidad de Yale. Al mismo tiempo, continuó su devota búsqueda de la serie Homenaje al cuadrado, que dejaría una marca duradera en su legado artístico.

Kazimir Malévich

Nacido en Kiev, Kazimir Malevich (1878-1935), artista fascinado por la velocidad y el progreso técnico de los aviones y los automóviles, jugó un papel clave en la creación del manifiesto del Primer Congreso Futurista en 1913, junto con el compositor Mikhail Matyushin y el escritor Alexei Kruchenykh. Inspirándose en su fascinación por los aviones, Malevich dio a conocer su famosa abstracción geométrica, Composición suprematista: blanco sobre blanco, en la innovadora exposición de 1915 conocida como 0.10: La última exposición futurista, celebrada en Petrogrado.

En este trabajo seminal, Malevich presentó un cuadrado blanco colocado sobre un fondo blanco, aparentemente separado de los confines de nuestra realidad física, estimulando un sentido de trascendencia similar al conocimiento de los aviones y la fotografía aérea. La imagen, Blanco sobre Blanco, fue radical y revolucionaria para su época. Si bien la selección de blanco puede percibirse como indiferente o fría, la existencia de las huellas del artista dentro de la textura de la pintura y su opinión de que este color resonaba con un reino de sentimientos elevados imbuyó la pintura con una sensación de calidez y expansión.

Anuncio Reinhardt

Adolph Reinhardt (1913-1967) fue un pintor abstracto que tuvo un gran impacto en el escenario artístico de Nueva York durante su vida. Es posible que hayas oído hablar de él, ya que era famoso por sus influyentes contribuciones a los movimientos de pintura monocromática y minimalista, Reinhardt fue un miembro activo del grupo American Abstract Artists y tenía experiencia en el movimiento del expresionismo abstracto, especialmente exhibido en la Galería Betty Parsons. Inspirándose en el icónico Cuadrado Negro de Kazimir Malevich, Reinhardt se aventuró en su serie Black Paintings, que abarcó desde 1954 hasta 1967. Simbolizando un cuerpo de trabajo pionero y culminante, Reinhardt los percibió como la última evolución del Modernismo. La serie consiste en pinturas al óleo negras apagadas sobre lienzo, que muestran variaciones matizadas en tonos y matices que agregan una complejidad contradictoria a su obvia simplicidad.

yves klein

Yves Klein (1928-1962), artista francés, inició un viaje artístico creativo al presentar un color revolucionario conocido como International Klein Blue. A través de una colaboración con Edouard Adam, un proveedor de pintura francés, Klein creó un pigmento único que utilizaba un aglutinante de resina sintética para realzar la intensidad del tono ultramarino. Este tono azul vibrante se asoció de manera indeleble con Klein cuando declaró el cielo azul como su pintura inaugural. Posteriormente, International Klein Blue se convirtió en una presencia habitual en su obra, mostrando abstracciones monocromáticas monumentales que envolvían grandes lienzos.

En un ejemplo famoso, Klein incluso usó el pigmento junto con los cuerpos de las mujeres mientras hacía una pieza que mostraba la intersección del pigmento y la forma humana en el lienzo. Para Klein, una pintura monocromática representaba una puerta de entrada a la libertad, permitiéndole participar en el reino eterno del color.