Eenvoud in schilderen, onthuld: hoe het monochrome door de geschiedenis heen te verkennen

Wat definieert een monochroom schilderij?

Eenvoudig gezegd is een monochroom schilderij een kunstwerk dat een enkele kleur of tint als hoofdbestanddeel gebruikt. Hoewel interpretaties in schakeringen en tinten van de geselecteerde kleur aanwezig kunnen zijn, is de essentiële factor het gebruik van slechts één basiskleur. Maar waar is deze trend begonnen? In de loop van meer dan een eeuw hebben verschillende kunstenaars monochroom gebruikt als een hulpmiddel om de mogelijkheden en beperkingen van de schilderkunst te onderzoeken. Door deze minimalistische methode konden ze experimenteren met basisaspecten van ontwerp en tonaliteit, en zelfs diepgaande concepten bestuderen zoals de natuur, het sublieme en spirituele thema's.

Josef Albers

Bekend als een leidende figuur in de monochromatische en kleurentheorie, neemt Josef Albers (1888-1976), een Duits-Amerikaanse kunstenaar, een centrale plaats in in de kunstgeschiedenis. Hij volgde zijn artistieke opleiding aan de prestigieuze Bauhaus School of Art, Design and Architecture, waar hij later docent werd. Echter, met de sluiting van de school door de nazi's in 1933, verhuisde Albers, vergezeld van zijn vrouw Annie Albers, ook een kunstenaar van het Bauhaus, naar de Verenigde Staten.

In Amerika aanvaardde Albers de rol van hoofd van Black Mountain College, een nieuwe organisatie in North Carolina die de ideologie van het Bauhaus overnam en veel van zijn onderwijzers huisvestte. Tijdens zijn termijn aan het Black Mountain College gaf Albers niet alleen les, maar werd hij ook ondergedompeld in artistieke creatie en verkennende ondernemingen met kleurentheorie. In die tijd begon hij aan een opmerkelijke 25-jarige verkenning van zijn beroemde serie, Homage to the Square.

In 1949 nam Albers afscheid van Black Mountain College en werd hij hoofd van de ontwerpafdeling van de Yale University. Tegelijkertijd zette hij zijn toegewijde zoektocht naar de Homage to the Square-serie voort, die een blijvende stempel op zijn artistieke nalatenschap zou drukken.

Kazimir Malevich

Kazimir Malevich (1878-1935), geboren in Kiev, een kunstenaar gefascineerd door de snelheid en technische vooruitgang van vliegtuigen en auto's, speelde een sleutelrol bij de totstandkoming van het manifest voor het Eerste Futuristische Congres in 1913, samen met componist Mikhail Matyushin en schrijver Alexei Kruchenykh. Geïnspireerd door zijn fascinatie voor vliegtuigen, onthulde Malevich zijn beroemde geometrische abstractie, Suprematist Composition: White on White, op de baanbrekende tentoonstelling in 1915, bekend als 0.10: The Last Futurist Exhibition, gehouden in Petrograd.

In dit baanbrekende werk presenteerde Malevich een wit vierkant op een witte achtergrond, schijnbaar los van de grenzen van onze fysieke realiteit, waardoor een gevoel van transcendentie werd gestimuleerd dat lijkt op de kennis van vliegtuigen en luchtfotografie. Het beeld, Wit op Wit, was voor zijn tijd radicaal en revolutionair. Hoewel de selectie van wit als afstandelijk of koud kan worden ervaren, doordrenken het bestaan van de sporen van de kunstenaar in de textuur van de verf en zijn opvatting dat deze kleur resoneerde met een rijk van verheven gevoelens het schilderij met een gevoel van warmte en uitgestrektheid.

Ad Reinhardt

Adolph Reinhardt (1913-1967) was een abstracte schilder die tijdens zijn leven een behoorlijk grote impact had op het New Yorkse kunstpodium. Je hebt misschien van hem gehoord, want hij was beroemd om zijn invloedrijke bijdragen aan de minimalistische en monochrome schilderbewegingen. Reinhardt was een actief lid van de American Abstract Artists-groep en had ervaring met de beweging van het abstract expressionisme, vooral te zien in de Betty Parsons Gallery. Geïnspireerd door het iconische Black Square van Kazimir Malevich, waagde Reinhardt zich aan zijn Black Paintings-serie, die zich uitstrekte van 1954 tot 1967. Reinhardt symboliseerde zowel een baanbrekend als culminerend oeuvre en zag ze als de ultieme evolutie van het modernisme. De serie bestaat uit gedempte zwarte olieverfschilderijen op canvas, met genuanceerde variaties in toon en schaduw die een tegenstrijdige complexiteit toevoegen aan hun overduidelijke eenvoud.

Yves Klein

Yves Klein (1928-1962), een Franse kunstenaar, lanceerde een creatieve artistieke reis door een revolutionaire kleur te presenteren die bekend staat als International Klein Blue. Via een samenwerking met Edouard Adam, een Franse verfleverancier, creëerde Klein een uniek pigment dat een kunstharsbindmiddel gebruikte om de intensiteit van de ultramarijntint te versterken. Deze levendige blauwe tint werd onuitwisbaar geassocieerd met Klein toen hij de blauwe lucht beroemd verklaarde als zijn inaugurele schilderij. Vervolgens werd International Klein Blue een vaste waarde in zijn oeuvre, weergegeven in monumentale monochromatische abstracties die enorme doeken overspoelden.

In een beroemd voorbeeld gebruikte Klein zelfs het pigment naast de lichamen van vrouwen toen hij een stuk maakte dat de kruising van het pigment en de menselijke vorm op canvas liet zien. Voor Klein vertegenwoordigde een monochroom schilderij een toegangspoort tot vrijheid, waardoor hij zich kon bezighouden met het eeuwige rijk van kleur.