La simplicité en peinture, dévoilée : comment explorer le monochrome à travers l'histoire

Qu'est-ce qui définit une peinture monochrome ?

En termes simples, une peinture monochrome est une œuvre d'art qui utilise une seule couleur ou nuance comme ingrédient principal. Bien que des interprétations dans les nuances et les tons de la couleur sélectionnée puissent être présentes, le facteur essentiel est l'utilisation d'une seule couleur de base. Mais où cette tendance a-t-elle commencé ? Au cours de plus d'un siècle, divers artistes ont adopté le monochrome comme outil pour se plonger dans les possibilités et les limites de la peinture. Cette méthode minimaliste leur a permis d'expérimenter des aspects de base du design et de la tonalité, et même d'étudier des concepts profonds tels que la nature, le sublime et les thèmes spirituels.

Josef Albers

Reconnu comme une figure de proue de la théorie monochrome et des couleurs, Josef Albers (1888-1976), artiste germano-américain, occupe une place centrale dans l'histoire de l'art. Il a obtenu sa formation artistique à la prestigieuse école d'art, de design et d'architecture du Bauhaus, où il est ensuite devenu maître de conférences. Cependant, avec la fermeture de l'école par les nazis en 1933, Albers, accompagné de sa femme Annie Albers, également artiste du Bauhaus, s'installe aux États-Unis.

En Amérique, Albers a accepté le rôle de directeur du Black Mountain College, une nouvelle organisation en Caroline du Nord qui a adopté l'idéologie du Bauhaus, abritant de nombreux de ses éducateurs. Pendant son mandat au Black Mountain College, Albers a non seulement enseigné, mais a également été immergé dans la création artistique et les projets exploratoires impliquant la théorie des couleurs. C'est à cette époque qu'il s'est lancé dans une remarquable exploration de 25 ans de sa célèbre série, Hommage au carré.

En 1949, Albers a fait ses adieux au Black Mountain College et a pris le poste de chef du département de design à l'Université de Yale. Parallèlement, il poursuit sa poursuite dévouée de la série Homage to the Square, qui laissera une marque durable sur son héritage artistique.

Kasimir Malevitch

Né à Kiev, Kazimir Malevich (1878-1935), artiste fasciné par la vitesse et les progrès techniques des avions et des voitures, a joué un rôle clé dans la création du manifeste du premier congrès futuriste en 1913, aux côtés du compositeur Mikhail Matyushin et de l'écrivain Alexei Kruchenykh. S'inspirant de sa fascination pour les avions, Malevich a dévoilé sa célèbre abstraction géométrique, Suprematist Composition: White on White, lors de l'exposition révolutionnaire de 1915 connue sous le nom de 0.10: The Last Futurist Exhibition, qui s'est tenue à Petrograd.

Dans cette œuvre phare, Malevich a présenté un carré blanc placé sur un fond blanc, apparemment détaché des limites de notre réalité physique, stimulant un sentiment de transcendance proche de la connaissance des avions et de la photographie aérienne. L'image, White on White, était radicale et révolutionnaire pour son époque. Bien que la sélection du blanc puisse être perçue comme détachée ou froide, l'existence des traces de l'artiste dans la texture de la peinture et sa vision que cette couleur résonnait avec un domaine de sentiments élevés ont imprégné la peinture d'un sentiment de chaleur et d'expansion.

Ad Reinhardt

Adolph Reinhardt (1913-1967) était un peintre abstrait qui a eu un impact assez important sur la scène artistique new-yorkaise de son vivant. Vous avez peut-être entendu parler de lui car il était célèbre pour ses contributions influentes aux mouvements de peinture minimaliste et monochrome, Reinhardt était un membre actif du groupe American Abstract Artists et expérimenté dans le mouvement de l'expressionnisme abstrait, notamment présenté à la Betty Parsons Gallery. S'inspirant de l'emblématique Black Square de Kazimir Malevitch, Reinhardt s'est aventuré dans sa série de peintures noires, qui s'est étendue de 1954 à 1967. Symbolisant à la fois un travail pionnier et culminant, Reinhardt les a perçus comme l'évolution ultime du modernisme. La série se compose de peintures à l'huile noires en sourdine sur toile, affichant des variations nuancées de tons et d'ombres qui ajoutent une complexité contradictoire à leur évidente simplicité.

Yves Klein

Yves Klein (1928-1962), un artiste français, a lancé un voyage artistique créatif en présentant une couleur révolutionnaire connue sous le nom de International Klein Blue. Grâce à une collaboration avec Edouard Adam, un fournisseur de peinture français, Klein a créé un pigment unique qui utilisait un liant de résine synthétique pour rehausser l'intensité de la teinte outremer. Cette teinte bleue vibrante est devenue indélébilement associée à Klein lorsqu'il a déclaré le ciel bleu comme sa peinture inaugurale. Par la suite, International Klein Blue est devenu une présence régulière dans son œuvre, affichant des abstractions monochromatiques monumentales qui ont englouti de vastes toiles.

Dans un exemple célèbre, Klein a même utilisé le pigment aux côtés du corps des femmes alors qu'il réalisait une pièce qui mettait en valeur l'intersection du pigment et de la forme humaine sur la toile. Pour Klein, une peinture monochrome représentait une passerelle vers la liberté, lui permettant de s'engager dans le royaume éternel de la couleur.