Semplicità nella pittura, svelata: come esplorare il monocromo attraverso la storia

Cosa definisce un dipinto monocromatico?

In termini semplici, un dipinto monocromatico è un'opera d'arte che utilizza un singolo colore o sfumatura come ingrediente principale. Sebbene possano essere presenti interpretazioni in sfumature e toni del colore selezionato, il fattore essenziale è l'utilizzo di un solo colore di base. Ma da dove è iniziata questa tendenza? Nell'arco di oltre un secolo, vari artisti hanno adottato il monocromo come strumento per approfondire le opportunità ei limiti della pittura. Questo metodo minimalista ha permesso loro di sperimentare aspetti fondamentali del design e della tonalità e persino di studiare concetti profondi come la natura, il sublime e i temi spirituali.

Josef Albers

Rinomato come figura di spicco della teoria monocromatica e del colore, Josef Albers (1888-1976), artista tedesco-americano, occupa un posto centrale nella storia dell'arte. Ha conseguito la sua formazione artistica presso la prestigiosa Scuola d'Arte, Design e Architettura del Bauhaus, dove in seguito è diventato docente. Tuttavia, con la chiusura della scuola da parte dei nazisti nel 1933, Albers, accompagnato dalla moglie Annie Albers, anch'essa artista del Bauhaus, si trasferì negli Stati Uniti.

In America, Albers ha accettato il ruolo di capo del Black Mountain College, una nuova organizzazione nella Carolina del Nord che ha adottato l'ideologia del Bauhaus, ospitando molti dei suoi educatori. Durante il suo mandato al Black Mountain College, Albers non solo ha insegnato, ma è stato anche immerso nella creazione artistica e nelle avventure esplorative che coinvolgono la teoria del colore. È stato durante questo periodo che ha intrapreso una straordinaria esplorazione di 25 anni della sua famosa serie, Homage to the Square.

Nel 1949, Albers salutò il Black Mountain College e assunse il ruolo di capo del dipartimento di design della Yale University. Allo stesso tempo, ha continuato la sua devota ricerca della serie Homage to the Square, che avrebbe lasciato un segno indelebile nella sua eredità artistica.

Kazimir Malevich

Nato a Kiev, Kazimir Malevich (1878-1935), artista affascinato dalla velocità e dal progresso tecnico di aeroplani e automobili, svolse un ruolo chiave nella creazione del manifesto per il Primo Congresso Futurista del 1913, insieme al compositore Mikhail Matyushin e allo scrittore Alexei Kruchenykh. Traendo ispirazione dalla sua passione per gli aeroplani, Malevich svelò la sua famosa astrazione geometrica, Composizione suprematista: bianco su bianco, alla rivoluzionaria mostra del 1915 nota come 0.10: The Last Futurist Exhibition, tenutasi a Pietrogrado.

In questo lavoro fondamentale, Malevich ha presentato un quadrato bianco posto su uno sfondo bianco, apparentemente distaccato dai confini della nostra realtà fisica, stimolando un senso di trascendenza simile alla conoscenza degli aeroplani e della fotografia aerea. L'immagine, White on White, era radicale e rivoluzionaria per l'epoca. Mentre la selezione del bianco potrebbe essere percepita come distaccata o fredda, l'esistenza delle tracce dell'artista all'interno della trama della pittura e la sua visione che questo colore risuonasse con un regno di sentimenti elevati ha infuso nel dipinto un senso di calore ed espansività.

Ad Reinhardt

Adolph Reinhardt (1913-1967) è stato un pittore astratto che ha avuto un grande impatto sulla scena artistica di New York durante la sua vita. Potresti aver sentito parlare di lui perché era famoso per i suoi influenti contributi ai movimenti pittorici minimalisti e monocromatici, Reinhardt era un membro attivo del gruppo American Abstract Artists ed esperto nel movimento dell'espressionismo astratto, in particolare in mostra alla Betty Parsons Gallery. Traendo ispirazione dall'iconico Black Square di Kazimir Malevich, Reinhardt si avventurò nella sua serie Black Paintings, che andò dal 1954 al 1967. Simboleggiando sia un corpus di opere pionieristiche che culminanti, Reinhardt le percepì come l'ultima evoluzione del Modernismo. La serie è composta da tenui dipinti a olio neri su tela, che mostrano variazioni sfumate di tono e ombra che aggiungono una complessità contraddittoria alla loro ovvia semplicità.

Yves Klein

Yves Klein (1928-1962), artista francese, ha lanciato un viaggio artistico creativo presentando un colore rivoluzionario noto come International Klein Blue. Attraverso una collaborazione con Edouard Adam, un fornitore di vernici francese, Klein ha creato un pigmento unico che utilizzava un legante di resina sintetica per migliorare l'intensità della tonalità blu oltremare. Questa vibrante tonalità di blu divenne indelebilmente associata a Klein quando notoriamente dichiarò il cielo blu come suo dipinto inaugurale. Successivamente, International Klein Blue divenne una presenza regolare nella sua opera, esibendosi in monumentali astrazioni monocromatiche che inghiottirono vaste tele.

In un famoso esempio, Klein ha persino utilizzato il pigmento accanto ai corpi delle donne mentre realizzava un pezzo che mostrava l'intersezione del pigmento e della forma umana sulla tela. Per Klein, un dipinto monocromatico rappresentava una porta verso la libertà, permettendogli di impegnarsi nell'eterno regno del colore.