Einfachheit in der Malerei, enthüllt: Wie man das Monochrom im Laufe der Geschichte erforscht

Was macht ein monochromes Gemälde aus?

Einfach ausgedrückt ist ein monochromes Gemälde ein Kunstwerk, dessen Hauptbestandteil eine einzelne Farbe oder ein einzelner Farbton ist. Zwar können Interpretationen in Schattierungen und Tönen der gewählten Farbe vorhanden sein, entscheidend ist jedoch die Verwendung nur einer Grundfarbe. Aber wo begann dieser Trend? Im Laufe von mehr als einem Jahrhundert haben verschiedene Künstler die Monochromie als Werkzeug genutzt, um sich mit den Möglichkeiten und Grenzen der Malerei auseinanderzusetzen. Diese minimalistische Methode hat es ihnen ermöglicht, mit grundlegenden Aspekten des Designs und der Tonalität zu experimentieren und sogar tiefgreifende Konzepte wie Natur, Erhabenheit und spirituelle Themen zu studieren.

Josef Albers

Josef Albers (1888-1976), ein deutsch-amerikanischer Künstler, gilt als führende Persönlichkeit der Monochromatik- und Farbtheorie und nimmt einen zentralen Platz in der Kunstgeschichte ein. Seine künstlerische Ausbildung erhielt er an der renommierten Bauhaus-Schule für Kunst, Design und Architektur, wo er später als Dozent tätig war. Mit der Schließung der Schule durch die Nazis im Jahr 1933 zog Albers jedoch in Begleitung seiner Frau Annie Albers, ebenfalls eine Künstlerin des Bauhauses, in die Vereinigten Staaten.

In Amerika übernahm Albers die Rolle des Leiters des Black Mountain College, einer neuen Organisation in North Carolina, die die Ideologie des Bauhauses übernahm und zahlreiche ihrer Pädagogen beherbergte. Während seines Semesters am Black Mountain College unterrichtete Albers nicht nur, sondern beschäftigte sich auch mit künstlerischem Schaffen und Erkundungsvorhaben im Zusammenhang mit der Farbtheorie. In dieser Zeit begann er eine bemerkenswerte 25-jährige Erkundung seiner berühmten Serie „Homage to the Square“.

1949 verabschiedete sich Albers vom Black Mountain College und übernahm die Leitung der Designabteilung der Yale University. Gleichzeitig setzte er seine engagierte Arbeit an der Homage to the Square-Reihe fort, die sein künstlerisches Erbe nachhaltig prägen sollte.

Kasimir Malewitsch

Der in Kiew geborene Kasimir Malewitsch (1878-1935), ein von der Geschwindigkeit und dem technischen Fortschritt von Flugzeugen und Autos faszinierter Künstler, spielte zusammen mit dem Komponisten Michail Matjuschin und dem Schriftsteller Alexei Kruchenykh eine Schlüsselrolle bei der Erstellung des Manifests für den Ersten Futuristenkongress im Jahr 1913. Malewitsch ließ sich von seiner Faszination für Flugzeuge inspirieren und stellte seine berühmte geometrische Abstraktion „Suprematistische Komposition: Weiß auf Weiß“ auf der bahnbrechenden Ausstellung „0.10: Die letzte futuristische Ausstellung“ von 1915 in Petrograd vor.

In diesem bahnbrechenden Werk präsentierte Malewitsch ein weißes Quadrat auf weißem Hintergrund, das scheinbar von den Grenzen unserer physischen Realität losgelöst schien und ein Gefühl der Transzendenz anregte, das dem Wissen über Flugzeuge und Luftaufnahmen ähnelt. Das Bild „Weiß auf Weiß“ war für seine Zeit radikal und revolutionär. Während die Wahl von Weiß als distanziert oder kalt empfunden werden konnte, verliehen die Spuren des Künstlers in der Textur der Farbe und seine Ansicht, dass diese Farbe mit einem Reich erhabener Gefühle in Resonanz stand, dem Gemälde ein Gefühl von Wärme und Weite.

Ad Reinhardt

Adolph Reinhardt (1913-1967) war ein abstrakter Maler, der zu Lebzeiten einen großen Einfluss auf die New Yorker Kunstbühne hatte. Sie haben vielleicht von ihm gehört, da er für seine einflussreichen Beiträge zur minimalistischen und monochromen Malbewegung berühmt war. Reinhardt war ein aktives Mitglied der Gruppe American Abstract Artists und hatte Erfahrung in der Bewegung des abstrakten Expressionismus, die insbesondere in der Betty Parsons Gallery ausgestellt wurde. Reinhardt ließ sich von Kasimir Malewitschs ikonischem „Schwarzen Quadrat“ inspirieren und wagte sich an die Serie „Schwarze Gemälde“, die von 1954 bis 1967 entstand. Reinhardt betrachtete sie als Symbol für ein bahnbrechendes und zugleich kulminierendes Werkwerk und betrachtete sie als die ultimative Weiterentwicklung des Modernismus. Die Serie besteht aus gedämpften schwarzen Ölgemälden auf Leinwand, die nuancierte Variationen in Ton und Schattierung aufweisen, die ihrer offensichtlichen Einfachheit eine widersprüchliche Komplexität verleihen.

Yves Klein

Yves Klein (1928-1962), ein französischer Künstler, startete eine kreative künstlerische Reise, indem er eine revolutionäre Farbe namens International Klein Blue vorstellte. Durch eine Zusammenarbeit mit Edouard Adam, einem französischen Farbenlieferanten, entwickelte Klein ein einzigartiges Pigment, das einen Kunstharzbinder nutzte, um die Intensität des Ultramarinfarbtons zu verstärken. Dieser leuchtende Blauton wurde unauslöschlich mit Klein in Verbindung gebracht, als er den blauen Himmel zu seinem ersten Gemälde erklärte. Anschließend wurde International Klein Blue zu einem festen Bestandteil seines Oeuvres und zeigte sich in monumentalen monochromatischen Abstraktionen, die riesige Leinwände umfassten.

In einem berühmten Beispiel verwendete Klein das Pigment sogar neben den Körpern von Frauen, als er ein Stück schuf, das die Schnittstelle des Pigments und der menschlichen Form auf Leinwand zeigte. Für Klein stellte ein monochromatisches Gemälde ein Tor zur Freiheit dar, das ihm erlaubte, sich auf das ewige Reich der Farbe einzulassen.