Prostota w malarstwie, odsłonięta: jak odkrywać monochromatyczność na przestrzeni dziejów

Co definiuje obraz monochromatyczny?

Mówiąc prościej, obraz monochromatyczny to dzieło sztuki, którego głównym składnikiem jest jeden kolor lub odcień. Chociaż mogą występować interpretacje w odcieniach i tonach wybranego koloru, istotnym czynnikiem jest wykorzystanie tylko jednego koloru bazowego. Ale gdzie zaczął się ten trend? Na przestrzeni ponad wieku różni artyści przyjęli monochromatyczny obraz jako narzędzie do zagłębiania się w możliwości i ograniczenia malarstwa. Ta minimalistyczna metoda pozwoliła im eksperymentować z podstawowymi aspektami projektowania i tonalności, a nawet studiować głębokie koncepcje, takie jak natura, wzniosłość i tematy duchowe.

Józefa Albersa

Znany jako wiodąca postać w teorii monochromatycznej i kolorystycznej, Josef Albers (1888-1976), niemiecko-amerykański artysta, zajmuje centralne miejsce w historii sztuki. Wykształcenie artystyczne zdobył w prestiżowej Bauhaus School of Art, Design and Architecture, gdzie później został wykładowcą. Jednak wraz z zamknięciem szkoły przez nazistów w 1933 roku Albers wraz z żoną Annie Albers, także artystką z Bauhausu, przeniósł się do Stanów Zjednoczonych.

W Ameryce Albers przyjął rolę szefa Black Mountain College, nowej organizacji w Północnej Karolinie, która przyjęła ideologię Bauhausu, w której mieszkało wielu jej nauczycieli. Podczas swojej kadencji w Black Mountain College Albers nie tylko nauczał, ale był także zanurzony w twórczości artystycznej i przedsięwzięciach badawczych związanych z teorią koloru. W tym czasie rozpoczął niezwykłą 25-letnią eksplorację swojej słynnej serii Hołd dla placu.

W 1949 roku Albers pożegnał się z Black Mountain College i objął stanowisko kierownika wydziału projektowania na Uniwersytecie Yale. Równocześnie kontynuował oddane prace nad serią Hołd dla kwadratu, która odcisnęła trwałe piętno na jego artystycznej spuściźnie.

Kazimierz Malewicz

Urodzony w Kijowie Kazimierz Malewicz (1878-1935), artysta zafascynowany szybkością i postępem technicznym samolotów i samochodów, odegrał kluczową rolę w powstaniu manifestu na I Kongres Futurystyczny w 1913 roku obok kompozytora Michaiła Matiuszyna i pisarza Aleksieja Kruczenycha. Czerpiąc inspirację z fascynacji samolotami, Malewicz zaprezentował swoją słynną abstrakcję geometryczną, Suprematist Composition: White on White, na przełomowej wystawie z 1915 roku, znanej jako 0.10: Ostatnia wystawa futurystyczna, która odbyła się w Piotrogrodzie.

W tej przełomowej pracy Malewicz przedstawił biały kwadrat umieszczony na białym tle, pozornie oderwany od granic naszej fizycznej rzeczywistości, wywołujący poczucie transcendencji podobne do wiedzy o samolotach i fotografii lotniczej. Obraz White on White był radykalny i rewolucyjny jak na swoje czasy. O ile dobór bieli mógł być odbierany jako oderwany lub zimny, o tyle istnienie śladów artysty w fakturze farby i jego przekonanie, że kolor ten rezonuje ze sferą wzniosłych uczuć, nadawało obrazowi poczucie ciepła i ekspansywności.

Reklama Reinhardt

Adolph Reinhardt (1913-1967) był malarzem abstrakcyjnym, który za życia wywarł duży wpływ na nowojorską scenę artystyczną. Być może słyszałeś o nim, ponieważ był znany ze swojego wpływowego wkładu w ruchy malarstwa minimalistycznego i monochromatycznego, Reinhardt był aktywnym członkiem grupy American Abstract Artists i miał doświadczenie w ruchu abstrakcyjnego ekspresjonizmu, szczególnie prezentowanym w Galerii Betty Parsons. Czerpiąc inspirację z kultowego Czarnego kwadratu Kazimierza Malewicza, Reinhardt odważył się na serię Czarnych obrazów, która trwała od 1954 do 1967 roku. Reinhardt, symbolizujący zarówno pionierskie, jak i kulminacyjne dzieło, postrzegał je jako ostateczną ewolucję modernizmu. Seria składa się z wyciszonych czarnych obrazów olejnych na płótnie, ukazujących niuanse w tonach i odcieniach, które dodają sprzeczności złożoności do ich oczywistej prostoty.

Yves Kleina

Yves Klein (1928-1962), francuski artysta, rozpoczął twórczą podróż artystyczną, prezentując rewolucyjny kolor znany jako International Klein Blue. Dzięki współpracy z Edouardem Adamem, francuskim dostawcą farb, Klein stworzył unikalny pigment, który wykorzystywał spoiwo z żywicy syntetycznej, aby zwiększyć intensywność ultramarynowego odcienia. Ten żywy niebieski odcień stał się nieodwracalnie związany z Kleinem, kiedy słynnie ogłosił błękitne niebo jako swój inauguracyjny obraz. Następnie International Klein Blue stał się stałą obecnością w jego twórczości, ukazując się w monumentalnych monochromatycznych abstrakcjach, które pochłonęły rozległe płótna.

W słynnym przykładzie Klein użył nawet pigmentu obok ciał kobiet, tworząc dzieło, które pokazywało skrzyżowanie pigmentu i ludzkiej postaci na płótnie. Dla Kleina monochromatyczny obraz stanowił bramę do wolności, pozwalającą mu zaangażować się w wieczną krainę kolorów.