Más allá de los límites: explorando la complejidad del arte posmodernista

El posmodernismo se entiende mejor en relación con el ethos modernista al que suplantó: el movimiento de vanguardia que dominó desde la década de 1860 hasta la de 1950. Los artistas modernistas estaban impulsados por ideas radicales y progresistas, una creencia en el progreso tecnológico y grandes narrativas de dominio occidental e ilustración. Durante las siguientes cuatro décadas, el posmodernismo tomó forma en varias formas artísticas, incluyendo el arte conceptual, el minimalismo, el videoarte, el arte de performance, la crítica institucional y el arte de la identidad. Si bien estos movimientos fueron diversos y a veces aparentemente desconectados, compartieron ciertas características clave: un enfoque irónico y lúdico de temas fragmentados, una difuminación de las distinciones entre alta y baja cultura, una crítica de la autenticidad y la originalidad, y un enfoque en la imagen y el espectáculo. Más allá de estos grandes movimientos, numerosos artistas y tendencias emergentes continúan explorando temas posmodernos en la actualidad.

El arte posmoderno se define por su desafío a las grandes narrativas que dieron forma al período moderno, en particular la creencia en la positividad incondicional del progreso, especialmente el progreso tecnológico. Al rechazar estas narrativas generales, los posmodernistas cuestionan la idea de que el conocimiento o la historia se pueden encapsular claramente en teorías totalizadoras, y enfatizan en cambio lo local, lo contingente y lo temporal. Al hacerlo, también rechazan otras ideologías dominantes, como la noción del desarrollo artístico como un proceso lineal y orientado a objetivos, la idea de que solo los hombres pueden ser genios artísticos y la suposición colonial de superioridad racial. Como resultado, el arte feminista y minoritario que desafió las normas establecidas a menudo se considera parte del movimiento posmoderno o se ve como expresiones del pensamiento posmodernista.

El posmodernismo rompió con la idea de que una obra de arte tiene un significado singular. En cambio, el espectador se convirtió en un participante activo en el proceso de creación de significado. En algunos casos, los artistas invitaban a los espectadores a interactuar directamente con la obra, como en el arte de performance, mientras que otros creaban obras que requerían la interacción del espectador para completar o co-crear la pieza. El dadaísmo tuvo una influencia significativa en el arte posmoderno. Junto con la práctica de la apropiación, el posmodernismo a menudo empujó los límites de la originalidad hasta el punto de la infracción de los derechos de autor, a menudo utilizando fotografías o obras de arte existentes con poca o ninguna alteración del original.

Artista: Marina Abramović

Marina Abramović presentó una performance innovadora en la que se situó pasivamente en una galería, invitando a los espectadores a actuar sobre ella como quisieran, sin que ella reaccionara. Se puso a disposición del público una selección de objetos, elegidos para evocar placer o dolor, incluidos cuchillos y una pistola cargada. Lo que comenzó con interacciones lúdicas se intensificó a lo largo de la performance de seis horas hasta convertirse en actos cada vez más agresivos y violentos, que culminaron en momentos profundamente perturbadores.

Esta obra pionera marcó un cambio significativo en la exploración posmoderna de la participación del público, ya que Abramović cedió por completo el control y la autoría a los espectadores. Al hacerlo, desafió el ideal modernista del artista como figura única y autónoma. La performance ejemplificó el enfoque característico de Abramović de llevar su cuerpo y mente a límites físicos y psicológicos extremos en su arte.

Artista: Philip Johnson

El icónico rascacielos de los años 80 comparte la forma y la escala de sus homólogos de gran altura, pero se destaca por sus elementos de diseño distintivos, como un frontón roto clásico, bandas verticales inspiradas en el art déco, granito rosa kitsch y una entrada y una fachada elaboradas. Su diseño provocó controversia en los Estados Unidos de los años 80 por rechazar el énfasis modernista en las líneas limpias, la simplicidad geométrica y el principio de que "la forma sigue a la función".

Aunque su origen se remonta al arte griego y romano, el frontón también se ha comparado con la silueta de un reloj de pie o de una cómoda Chippendale. Esta característica, combinada con el uso de ladrillo en lugar de acero como material de fachada, refleja un guiño deliberado al clasicismo y una renuncia a los ideales modernistas de pureza y minimalismo. El edificio es considerado por muchos como el primer gran escaparate de la arquitectura posmoderna a nivel internacional.

Artista: Barbara Kruger

Esta imagen ejemplifica el estilo característico de Barbara Kruger, que combina fotografías encontradas con eslóganes atrevidos y provocadores en formato fotolitográfico. Al apropiarse del lenguaje visual directo e impactante de los medios masivos, Kruger difumina los límites entre el arte y la publicidad, desafiando las distinciones tradicionales en imágenes, estética y audiencia.

La paleta de rojo, negro y blanco característica de su obra, junto con su texto en bloque, refleja su formación en diseño gráfico y arte comercial. La frase Compro, luego existo parodia la proposición filosófica de René Descartes Pienso, luego existo , criticando el predominio del consumismo en la conformación de la identidad moderna. En lugar del intelecto o la vida interior, sugiere Kruger, la identidad ahora se define por el consumo: lo que uno compra y las etiquetas que usa.

A través de esta crítica incisiva, la pieza resalta el énfasis contemporáneo en la imagen y el espectáculo, sugiriendo que el valor y la identidad se han vuelto superficiales, ligados a las adquisiciones materiales y las apariencias externas.