Beyond Boundaries: Udforskning af kompleksiteten af postmodernistisk kunst

Postmodernismen forstås bedst i forhold til den modernistiske etos, den fortrængte – avantgardebevægelsen, der dominerede fra 1860'erne til 1950'erne. Modernistiske kunstnere var drevet af radikale, fremadstormende ideer, en tro på teknologiske fremskridt og store fortællinger om vestlig dominans og oplysning. I løbet af de næste fire årtier tog postmodernismen form i forskellige kunstneriske former, herunder konceptkunst, minimalisme, videokunst, performancekunst, institutionel kritik og identitetskunst. Selvom disse bevægelser var forskelligartede og nogle gange tilsyneladende adskilte, delte de visse nøglekarakteristika: en ironisk og legende tilgang til fragmenterede emner, en udviskning af høj- og lavkulturel skel, en kritik af autenticitet og originalitet og fokus på billede og spektakel. Ud over disse store bevægelser fortsætter adskillige kunstnere og nye tendenser med at udforske postmoderne temaer i dag.

Postmoderne kunst er defineret af dens udfordring til de store fortællinger, der formede den moderne periode, især troen på fremskridts ukvalificerede positivitet, især teknologiske fremskridt. Ved at forkaste disse overordnede fortællinger sætter postmodernister spørgsmålstegn ved ideen om, at viden eller historie pænt kan indkapsles i totaliserende teorier, i stedet for at understrege det lokale, det kontingente og det midlertidige. Derved afviser de også andre dominerende ideologier, såsom forestillingen om kunstnerisk udvikling som en lineær, målorienteret proces, ideen om, at kun mænd kan være kunstneriske genier, og den koloniale antagelse om racemæssig overlegenhed. Som følge heraf bliver feministisk og minoritetskunst, der udfordrede etablerede normer, ofte betragtet som en del af den postmoderne bevægelse eller set som udtryk for postmodernistisk tankegang.

Postmodernismen brød med ideen om, at et kunstværk har en enestående betydning. I stedet blev beskueren en aktiv deltager i processen med at skabe mening. I nogle tilfælde inviterede kunstnere seerne til at engagere sig direkte i værket, som i performancekunst, mens andre skabte værker, der krævede interaktion fra seeren for at færdiggøre eller co-skabe værket. Dada havde en betydelig indflydelse på postmoderne kunst. Sammen med tilegnelsespraksis skubbede postmodernismen ofte grænserne for originalitet til det punkt, hvor ophavsretten krænkes, ofte ved at bruge eksisterende fotografier eller kunstværker med ringe eller ingen ændring af originalen.

Kunstner: Marina Abramović

Marina Abramović iscenesatte en banebrydende forestilling, hvor hun positionerede sig passivt i et galleri og inviterede seerne til at handle på hende, som de ville, uden nogen reaktion fra hende. Et udvalg af genstande, udvalgt til at fremkalde enten nydelse eller smerte – inklusive knive og en ladt pistol – blev stillet til rådighed for publikum. Det, der begyndte med legende interaktioner, eskalerede i løbet af den seks timer lange forestilling til stadig mere aggressive og voldelige handlinger, der kulminerede i dybt foruroligende øjeblikke.

Dette banebrydende arbejde markerede et markant skift i den postmoderne udforskning af publikums deltagelse, da Abramović fuldstændig afgav kontrol og forfatterskab til tilskuerne. Dermed udfordrede hun det modernistiske ideal om kunstneren som en unik og selvstændig figur. Forestillingen eksemplificerede Abramovićs karakteristiske tilgang til at skubbe hendes krop og sind til ekstreme fysiske og psykologiske grænser i hendes kunst.

Kunstner: Philip Johnson

Den ikoniske skyskraber fra 1980'erne deler formen og omfanget af sine højhuse, men skiller sig ud gennem sine karakteristiske designelementer. Disse omfatter en klassisk knækket fronton, Art Deco-inspireret lodret bånd, kitschet pink granit og en udførlig indgang og facade. Dens design udløste kontrovers i 1980'ernes Amerika for at afvise den modernistiske vægt på rene linjer, geometrisk enkelhed og princippet om, at "form følger funktion."

Mens frontonet er rodfæstet i græsk og romersk kunst, er frontonet også blevet sammenlignet med silhuetten af et bedstefars ur eller en Chippendale highboy. Dette træk, kombineret med brugen af mursten frem for stål som facademateriale, afspejler et bevidst nik til klassicisme og en forsagelse af modernistiske idealer om renhed og minimalisme. Bygningen betragtes bredt som det første store udstillingsvindue for postmoderne arkitektur på en international scene.

Kunstner: Barbara Kruger

Dette billede eksemplificerer Barbara Krugers signaturstil, som kombinerer fundne fotografier med dristige, provokerende slogans i et fotolitografisk format. Ved at tilegne sig massemediernes direkte, virkningsfulde visuelle sprog udvisker Kruger grænserne mellem høj kunst og reklame og udfordrer traditionelle skel i billedsprog, æstetik og publikum.

Hendes værks karakteristiske røde, sorte og hvide palet afspejler sammen med dens skarpe bloktekst hendes baggrund inden for grafisk design og kommerciel kunst. Udsagnet, jeg shopper derfor jeg er, parodierer René Descartes' filosofiske udsagn Jeg tror derfor, jeg er , og kritiserer forbrugerismens dominans i udformningen af moderne identitet. I stedet for intellekt eller indre liv, foreslår Kruger, er identitet nu defineret af forbrug – hvad man køber og de etiketter man bærer.

Gennem denne skarpe kritik fremhæver værket nutidens vægt på billede og spektakel, hvilket antyder, at værdi og identitet er blevet overfladisk, bundet til materielle erhvervelser og ydre fremtræden.