За пределами границ: исследование сложности постмодернистского искусства

Постмодернизм лучше всего понимать в связи с модернистским этосом, который он вытеснил — авангардным движением, которое доминировало с 1860-х по 1950-е годы. Модернистские художники были движимы радикальными, прогрессивными идеями, верой в технический прогресс и великими нарративами западного господства и просвещения. В течение следующих четырех десятилетий постмодернизм оформился в различных художественных формах, включая концептуальное искусство, минимализм, видеоарт, перформанс, институциональную критику и искусство идентичности. Хотя эти движения были разнообразны и иногда казались разрозненными, они разделяли определенные ключевые характеристики: ироничный и игривый подход к фрагментированным предметам, размывание различий высокой и низкой культуры, критику подлинности и оригинальности и фокус на образе и зрелище. Помимо этих основных движений, многочисленные художники и новые тенденции продолжают исследовать постмодернистские темы сегодня.

Постмодернистское искусство определяется его вызовом великим нарративам, которые сформировали современный период, в частности, вере в безусловную позитивность прогресса, особенно технологического прогресса. Отвергая эти всеобъемлющие нарративы, постмодернисты подвергают сомнению идею о том, что знания или история могут быть аккуратно инкапсулированы в тотализирующие теории, вместо этого подчеркивая локальное, условное и временное. При этом они также отвергают другие доминирующие идеологии, такие как представление о художественном развитии как линейном, целенаправленном процессе, идею о том, что только мужчины могут быть художественными гениями, и колониальное предположение о расовом превосходстве. В результате феминистское и меньшинственное искусство, которое бросало вызов устоявшимся нормам, часто считается частью постмодернистского движения или рассматривается как выражение постмодернистской мысли.

Постмодернизм порвал с идеей о том, что произведение искусства имеет единственное значение. Вместо этого зритель стал активным участником процесса создания смысла. В некоторых случаях художники приглашали зрителей напрямую взаимодействовать с произведением, как в перформансе, в то время как другие создавали работы, которые требовали взаимодействия со зрителем для завершения или совместного создания произведения. Дадаизм оказал значительное влияние на постмодернистское искусство. В сочетании с практикой присвоения постмодернизм часто раздвигал границы оригинальности до точки нарушения авторских прав, часто используя существующие фотографии или произведения искусства с небольшими изменениями или без них.

Художник: Марина Абрамович

Марина Абрамович устроила новаторский перформанс, в котором она пассивно расположилась в галерее, приглашая зрителей действовать с ней по своему усмотрению, без какой-либо реакции с ее стороны. Выбор предметов, выбранных для того, чтобы вызывать либо удовольствие, либо боль, включая ножи и заряженный пистолет, был предоставлен зрителям. То, что началось с игривых взаимодействий, в течение шестичасового перформанса переросло во все более агрессивные и жестокие действия, достигнув кульминации в глубоко тревожных моментах.

Эта новаторская работа ознаменовала собой значительный сдвиг в постмодернистском исследовании участия аудитории, поскольку Абрамович полностью передала контроль и авторство зрителям. Сделав это, она бросила вызов модернистскому идеалу художника как уникальной и автономной фигуры. Перформанс продемонстрировал характерный подход Абрамович к доведению своего тела и разума до крайних физических и психологических пределов в своем искусстве.

Художник: Филип Джонсон

Знаменитый небоскреб 1980-х годов имеет форму и масштаб своих высотных собратьев, но выделяется своими отличительными элементами дизайна. К ним относятся классический сломанный фронтон, вертикальные полосы в стиле ар-деко, безвкусный розовый гранит и сложный вход и фасад. Его дизайн вызвал споры в Америке 1980-х годов из-за отказа от модернистского акцента на чистых линиях, геометрической простоте и принципе «форма следует за функцией».

Хотя фронтон и уходит корнями в греческое и римское искусство, его также сравнивают с силуэтом напольных часов или комода Chippendale. Эта особенность в сочетании с использованием кирпича вместо стали в качестве фасадного материала отражает намеренный поклон классицизму и отказ от модернистских идеалов чистоты и минимализма. Здание широко рассматривается как первая крупная витрина постмодернистской архитектуры на международной сцене.

Художник: Барбара Крюгер

Это изображение иллюстрирует фирменный стиль Барбары Крюгер, которая сочетает найденные фотографии со смелыми, провокационными лозунгами в фотолитографическом формате. Апроприируя прямой, эффектный визуальный язык масс-медиа, Крюгер размывает границы между высоким искусством и рекламой, бросая вызов традиционным различиям в образах, эстетике и аудитории.

Характерная для ее работ палитра красного, черного и белого, а также строгий текст в виде блоков, отражают ее опыт работы в графическом дизайне и коммерческом искусстве. Выражение «Я покупаю, следовательно, я существую» пародирует философское положение Рене Декарта «Я мыслю, следовательно, я существую» , критикуя доминирование потребительства в формировании современной идентичности. Кругер предполагает, что идентичность теперь определяется не интеллектом или внутренней жизнью, а потреблением — тем, что человек покупает, и этикетками, которые он носит.

Благодаря этой острой критике произведение подчеркивает современный акцент на имидже и зрелище, предполагая, что ценность и идентичность стали поверхностными, привязанными к материальным приобретениям и внешнему виду.