Beyond Boundaries: Utforske kompleksiteten til postmodernistisk kunst

Postmodernismen forstås best i forhold til den modernistiske etosen den fortrengte – avantgardebevegelsen som dominerte fra 1860- til 1950-tallet. Modernistiske kunstnere ble drevet av radikale, fremtidsrettede ideer, en tro på teknologiske fremskritt og store fortellinger om vestlig dominans og opplysning. I løpet av de neste fire tiårene tok postmodernismen form i forskjellige kunstneriske former, inkludert konseptkunst, minimalisme, videokunst, performancekunst, institusjonell kritikk og identitetskunst. Selv om disse bevegelsene var mangfoldige og noen ganger tilsynelatende frakoblet, delte de visse nøkkelkarakteristikker: en ironisk og leken tilnærming til fragmenterte emner, en utvisking av høy- og lavkulturelle distinksjoner, en kritikk av autentisitet og originalitet, og fokus på bilde og skue. Utover disse store bevegelsene fortsetter mange kunstnere og nye tendenser å utforske postmoderne temaer i dag.

Postmoderne kunst er definert av dens utfordring til de store fortellingene som formet den moderne perioden, spesielt troen på den ukvalifiserte positiviteten til fremskritt, spesielt teknologisk fremgang. Ved å avvise disse overordnede fortellingene stiller postmodernister spørsmålstegn ved ideen om at kunnskap eller historie kan pent innkapsles i totaliserende teorier, i stedet for å vektlegge det lokale, det betingede og det midlertidige. Ved å gjøre det avviser de også andre dominerende ideologier, som forestillingen om kunstnerisk utvikling som en lineær, målrettet prosess, ideen om at bare menn kan være kunstneriske genier, og den koloniale antagelsen om rasemessig overlegenhet. Som et resultat blir feministisk og minoritetskunst som utfordret etablerte normer ofte ansett som en del av den postmoderne bevegelsen eller sett på som uttrykk for postmodernistisk tankegods.

Postmodernismen brøt med ideen om at et kunstverk har en enestående betydning. I stedet ble betrakteren en aktiv deltaker i prosessen med å skape mening. I noen tilfeller inviterte kunstnere seerne til å engasjere seg direkte i verket, som i performancekunst, mens andre skapte verk som krevde interaksjon med betrakteren for å fullføre eller samskape verket. Dada hadde en betydelig innflytelse på postmoderne kunst. Sammen med praksisen med appropriasjon, presset postmodernismen ofte grensene for originalitet til punktet av brudd på opphavsrett, ofte ved å bruke eksisterende fotografier eller kunstverk med liten eller ingen endring av originalen.

Kunstner: Marina Abramović

Marina Abramović iscenesatte en banebrytende forestilling der hun posisjonerte seg passivt i et galleri, og inviterte seerne til å handle på henne som de ville, uten noen reaksjon fra henne. Et utvalg gjenstander, valgt for å fremkalle enten glede eller smerte – inkludert kniver og en ladd pistol – ble gjort tilgjengelig for publikum. Det som begynte med lekne interaksjoner eskalerte i løpet av den seks timer lange forestillingen til stadig mer aggressive og voldelige handlinger, som kulminerte i dypt urovekkende øyeblikk.

Dette banebrytende arbeidet markerte et betydelig skifte i den postmoderne utforskningen av publikums deltakelse, da Abramović fullstendig ga fra seg kontroll og forfatterskap til tilskuerne. Ved å gjøre det utfordret hun det modernistiske idealet om kunstneren som en unik og autonom figur. Forestillingen eksemplifiserte Abramovićs karakteristiske tilnærming til å presse kroppen og sinnet til ekstreme fysiske og psykologiske grenser i kunsten hennes.

Kunstner: Philip Johnson

Den ikoniske skyskraperen fra 1980-tallet deler formen og skalaen til sine høyhuskolleger, men skiller seg ut gjennom sine karakteristiske designelementer. Disse inkluderer et klassisk ødelagt pediment, Art Deco-inspirert vertikale bånd, kitschy rosa granitt og en forseggjort inngang og fasade. Designet utløste kontrovers i 1980-tallets Amerika for å avvise den modernistiske vektleggingen av rene linjer, geometrisk enkelhet og prinsippet om at "form følger funksjon."

Mens den er forankret i gresk og romersk kunst, har pedimentet også blitt sammenlignet med silhuetten av en bestefarsklokke eller en Chippendale highboy. Denne egenskapen, kombinert med bruken av murstein i stedet for stål som fasademateriale, reflekterer et bevisst nikk til klassisisme og en forsakelse av modernistiske idealer om renhet og minimalisme. Bygningen er ansett som det første store utstillingsvinduet for postmoderne arkitektur på en internasjonal scene.

Kunstner: Barbara Kruger

Dette bildet eksemplifiserer Barbara Krugers signaturstil, som kombinerer funnet fotografier med dristige, provoserende slagord i et fotolitografisk format. Ved å tilegne seg det direkte, virkningsfulle visuelle språket til massemedier, visker Kruger ut grensene mellom høykunst og reklame, og utfordrer tradisjonelle distinksjoner i bilder, estetikk og publikum.

Arbeidets karakteristiske røde, svarte og hvite palett, sammen med den skarpe blokkteksten, gjenspeiler hennes bakgrunn innen grafisk design og kommersiell kunst. Utsagnet jeg handler derfor jeg er parodierer René Descartes' filosofiske påstand Jeg tror derfor jeg er , og kritiserer forbrukerismens dominans i utformingen av moderne identitet. I stedet for intellekt eller indre liv, foreslår Kruger, er identitet nå definert av forbruk - hva man kjøper og etikettene man bærer.

Gjennom denne skarpe kritikken fremhever stykket samtidens vekt på bilde og skue, og antyder at verdi og identitet har blitt overfladisk, knyttet til materielle anskaffelser og ytre utseende.