Au-delà des frontières : exploration de la complexité de l'art postmoderne

Le postmodernisme se comprend mieux par rapport à l’éthique moderniste qu’il a supplantée – le mouvement d’avant-garde qui a dominé des années 1860 aux années 1950. Les artistes modernistes étaient animés par des idées radicales et avant-gardistes, une croyance dans le progrès technologique et de grands récits de la domination et des Lumières occidentales. Au cours des quatre décennies suivantes, le postmodernisme a pris forme dans diverses formes artistiques, notamment l’art conceptuel, le minimalisme, l’art vidéo, l’art de la performance, la critique institutionnelle et l’art identitaire. Bien que ces mouvements soient divers et parfois apparemment déconnectés, ils ont partagé certaines caractéristiques clés : une approche ironique et ludique de sujets fragmentés, un brouillage des distinctions entre culture supérieure et inférieure, une critique de l’authenticité et de l’originalité et une attention portée à l’image et au spectacle. Au-delà de ces mouvements majeurs, de nombreux artistes et tendances émergentes continuent d’explorer des thèmes postmodernes aujourd’hui.

L’art postmoderne se définit par sa remise en cause des grands récits qui ont façonné la période moderne, en particulier la croyance en la positivité absolue du progrès, notamment technologique. En rejetant ces récits globaux, les postmodernistes remettent en question l’idée selon laquelle la connaissance ou l’histoire peuvent être parfaitement résumées dans des théories totalisantes, mettant plutôt l’accent sur le local, le contingent et le temporaire. Ce faisant, ils rejettent également d’autres idéologies dominantes, telles que la notion de développement artistique comme processus linéaire et orienté vers un objectif, l’idée que seuls les hommes peuvent être des génies artistiques et l’hypothèse coloniale de la supériorité raciale. Par conséquent, l’art féministe et minoritaire qui remet en cause les normes établies est souvent considéré comme faisant partie du mouvement postmoderne ou comme une expression de la pensée postmoderniste.

Le postmodernisme a rompu avec l’idée selon laquelle une œuvre d’art possède une signification unique. Au lieu de cela, le spectateur est devenu un participant actif dans le processus de création de sens. Dans certains cas, les artistes ont invité le spectateur à interagir directement avec l’œuvre, comme dans l’art de la performance, tandis que d’autres ont créé des œuvres qui nécessitaient une interaction du spectateur pour terminer ou co-créer l’œuvre. Dada a eu une influence significative sur l’art postmoderne. Associé à la pratique de l’appropriation, le postmodernisme a souvent repoussé les limites de l’originalité jusqu’à la violation du droit d’auteur, en utilisant souvent des photographies ou des œuvres d’art existantes avec peu ou pas de modification de l’original.

Artiste: Marina Abramović

Marina Abramović a mis en scène une performance inédite dans laquelle elle se positionnait passivement dans une galerie, invitant les spectateurs à agir sur elle comme ils le souhaitaient, sans aucune réaction de sa part. Une sélection d’objets, choisis pour évoquer soit le plaisir, soit la douleur – dont des couteaux et un pistolet chargé – était mise à la disposition du public. Ce qui a commencé par des interactions ludiques s’est transformé au cours de la performance de six heures en actes de plus en plus agressifs et violents, culminant dans des moments profondément dérangeants.

Cette œuvre pionnière a marqué un tournant important dans l'exploration postmoderne de la participation du public, car Abramović a complètement abandonné le contrôle et la paternité de ses œuvres aux spectateurs. Ce faisant, elle a remis en question l'idéal moderniste de l'artiste en tant que figure unique et autonome. La performance illustre l'approche caractéristique d'Abramović consistant à pousser son corps et son esprit à des limites physiques et psychologiques extrêmes dans son art.

Artiste : Philip Johnson

Le gratte-ciel emblématique des années 1980 partage la forme et l'échelle de ses homologues de grande hauteur, mais se distingue par ses éléments de conception distinctifs. Il s'agit notamment d'un fronton brisé classique, de bandes verticales d'inspiration Art déco, de granit rose kitsch et d'une entrée et d'une façade élaborées. Sa conception a suscité la controverse dans l'Amérique des années 1980 car elle rejetait l'accent moderniste sur les lignes épurées, la simplicité géométrique et le principe selon lequel « la forme suit la fonction ».

Bien que le fronton puise ses racines dans l'art grec et romain, on l'a également comparé à la silhouette d'une horloge de parquet ou d'une commode Chippendale. Cette caractéristique, combinée à l'utilisation de la brique plutôt que de l'acier comme matériau de façade, reflète un clin d'œil délibéré au classicisme et un renoncement aux idéaux modernistes de pureté et de minimalisme. Le bâtiment est largement considéré comme la première grande vitrine de l'architecture postmoderne sur la scène internationale.

Artiste: Barbara Kruger

Cette image illustre le style caractéristique de Barbara Kruger, qui combine des photographies trouvées avec des slogans audacieux et provocateurs dans un format photolithographique. En s'appropriant le langage visuel direct et percutant des médias de masse, Kruger brouille les frontières entre l'art et la publicité, remettant en question les distinctions traditionnelles en matière d'imagerie, d'esthétique et de public.

La palette caractéristique de ses œuvres, rouge, noir et blanc, ainsi que le texte austère, reflètent sa formation en graphisme et en art commercial. L'expression « Je fais mes courses donc je suis » parodie la proposition philosophique de René Descartes « Je pense donc je suis » , critiquant la domination du consumérisme dans la formation de l'identité moderne. Plutôt que l'intellect ou la vie intérieure, suggère Kruger, l'identité est désormais définie par la consommation – ce que l'on achète et les étiquettes que l'on porte.

À travers cette critique incisive, la pièce met en évidence l’accent contemporain mis sur l’image et le spectacle, suggérant que la valeur et l’identité sont devenues superficielles, liées aux acquisitions matérielles et aux apparences extérieures.