Beyond Boundaries: Exploring the Complexity of Postmodernist Art

Postmodernismi ymmärretään parhaiten suhteessa modernistiseen eetokseen, jonka se syrjäytti - avantgarde-liikkeen, joka hallitsi 1860-luvulta 1950-luvulle. Modernistisia taiteilijoita ohjasivat radikaalit, eteenpäin katsovat ideat, usko teknologiseen kehitykseen ja suuret kertomukset länsimaisesta vallasta ja valaistumisesta. Seuraavien neljän vuosikymmenen aikana postmodernismi muotoutui useissa taiteellisissa muodoissa, mukaan lukien käsitteellinen taide, minimalismi, videotaide, performanssitaide, instituutiokritiikki ja identiteettitaide. Vaikka nämä liikkeet olivat erilaisia ja toisinaan näennäisesti irrallisia, niissä oli tiettyjä keskeisiä piirteitä: ironinen ja leikkisä lähestymistapa pirstoutuneisiin aiheisiin, korkean ja matalan kulttuurin eroavaisuuksien hämärtyminen, aitouden ja omaperäisyyden kritiikki sekä keskittyminen kuvaan ja spektaakkeliin. Näiden suurten liikkeiden lisäksi monet taiteilijat ja nousevat suuntaukset jatkavat edelleen postmodernien teemojen tutkimista tänään.

Postmodernin taiteen määrittelee sen haaste modernia ajanjaksoa muovaaneille suurille narratioille, erityisesti usko edistyksen, erityisesti teknologisen kehityksen, ehdottomaan positiivisuuteen. Hylkäämällä nämä kattavat narratiivit postmodernistit kyseenalaistavat ajatuksen siitä, että tieto tai historia voidaan siististi kapseloida totalisoiviin teorioihin sen sijaan, että ne korostavat paikallista, satunnaista ja väliaikaista. Näin tehdessään he hylkäävät myös muut hallitsevat ideologiat, kuten käsityksen taiteellisesta kehityksestä lineaarisena, tavoitteellisena prosessina, ajatuksen siitä, että vain miehet voivat olla taiteellisia neroja, ja siirtomaa-oletuksen roduisesta paremmuudesta. Tämän seurauksena feminististä ja vähemmistötaidetta, joka kyseenalaistaa vakiintuneet normit, pidetään usein osana postmodernia liikettä tai nähdään postmodernistisen ajattelun ilmaisuina.

Postmodernismi rikkoi ajatuksen, että taideteoksella on yksittäinen merkitys. Sen sijaan katsojasta tuli aktiivinen osallistuja merkityksenmuodostusprosessiin. Joissakin tapauksissa taiteilijat kutsuivat katsojia olemaan suoraan tekemisissä, kuten performanssitaiteessa, kun taas toiset loivat teoksia, jotka vaativat katsojan vuorovaikutusta teoksen loppuun saattamiseen tai yhteisluomiseen. Dadalla oli merkittävä vaikutus postmoderniin taiteeseen. Yhdessä omistuskäytännön kanssa postmodernismi työnsi usein omaperäisyyden rajoja tekijänoikeusrikkomuksiin asti, käyttämällä usein olemassa olevia valokuvia tai taideteoksia ilman, että alkuperäistä oli juurikaan muutettu.

Taiteilija: Marina Abramović

Marina Abramović järjesti uraauurtavan esityksen, jossa hän asettui passiivisesti galleriaan ja kutsui katsojia toimimaan hänen suhteensa haluamallaan tavalla ilman hänen reagointiaan. Valikoima esineitä, jotka valittiin herättämään joko iloa tai kipua – mukaan lukien veitset ja ladattu ase – asetettiin yleisön saataville. Leikkisillä vuorovaikutuksilla alkanut eskaloitui kuuden tunnin esityksen aikana yhä aggressiivisemmiksi ja väkivaltaisemmiksi teoiksi, jotka huipentuivat syvästi häiritseviin hetkiin.

Tämä uraauurtava työ merkitsi merkittävää muutosta postmodernissa yleisön osallistumisen tutkimisessa, kun Abramović luovutti kokonaan katsojille kontrollin ja tekijän. Näin tehdessään hän haastoi modernistisen taiteilijan ihanteen ainutlaatuisena ja itsenäisenä hahmona. Esitys oli esimerkki Abramovićille ominaisesta lähestymistavasta työntää hänen kehonsa ja mielensä äärimmäisiin fyysisiin ja psyykkisiin rajoihin taiteessa.

Taiteilija: Philip Johnson

Ikoninen 1980-luvun pilvenpiirtäjä jakaa saman muodon ja mittakaavan kuin korkeilla kerroksilla, mutta erottuu joukosta erottuvilla design-elementeillä. Näitä ovat klassinen rikottu päällystys, Art Deco -vaikutteinen pystysuora nauha, kitsy vaaleanpunainen graniitti sekä hienostunut sisäänkäynti ja julkisivu. Sen suunnittelu herätti kiistaa 1980-luvun Amerikassa, koska se hylkäsi modernistisen painotuksen puhtaille linjoille, geometriselle yksinkertaisuudelle ja periaatteelle, jonka mukaan "muoto seuraa toimintoa".

Vaikka se on juurtunut kreikkalaiseen ja roomalaiseen taiteeseen, sitä on verrattu myös isoisäkellon tai Chippendalen korkeapoikan siluettiin. Tämä ominaisuus yhdistettynä tiilen käyttöön julkisivumateriaalina teräksen sijaan heijastaa harkittua nyökkää klassismiin ja luopumista modernistisista puhtauden ja minimalismin ihanteista. Rakennusta pidetään laajalti ensimmäisenä merkittävänä postmodernin arkkitehtuurin esittelynä kansainvälisellä näyttämöllä.

Taiteilija: Barbara Kruger

Tämä kuva on esimerkki Barbara Krugerin tunnusomaisesta tyylistä, joka yhdistää löydetyt valokuvat rohkeisiin, provosoiviin iskulauseisiin valolitografisessa muodossa. Omaksumalla massamedian suoran, vaikuttavan visuaalisen kielen Kruger hämärtää korkean taiteen ja mainonnan välisiä rajoja haastaen perinteiset erot kuvien, estetiikan ja yleisön välillä.

Hänen töilleen tyypillinen punainen, musta ja valkoinen paletti ja sen jyrkkä lohkoteksti heijastavat hänen taustaansa graafisessa suunnittelussa ja kaupallisessa taiteessa. Lausunto Ostan siis minä olen parodioi René Descartesin filosofisen ehdotuksen Ajattelen siis olen , kritisoi kulutusta dominoivaa asemaa modernin identiteetin muovaamisessa. Älyn tai sisäisen elämän sijaan, Kruger ehdottaa, identiteetin määrittelee nyt kulutus – se, mitä ostaa ja mitä etikettejä hän käyttää.

Tällä terävällä kritiikillä teos korostaa nykyajan kuvan ja spektaakkelin painotusta, mikä viittaa siihen, että arvo ja identiteetti ovat muuttuneet pinnallisiksi, sidoksissa materiaalihankintoihin ja ulkonäköön.