Πέρα από τα όρια: Εξερευνώντας την πολυπλοκότητα της μεταμοντερνιστικής τέχνης

Ο μεταμοντερνισμός γίνεται καλύτερα κατανοητός σε σχέση με το μοντερνιστικό ήθος που αντικατέστησε —το κίνημα της πρωτοπορίας που κυριάρχησε από τη δεκαετία του 1860 έως τη δεκαετία του 1950. Οι μοντερνιστές καλλιτέχνες οδηγήθηκαν από ριζοσπαστικές, προνοητικές ιδέες, πίστη στην τεχνολογική πρόοδο και μεγάλες αφηγήσεις δυτικής κυριαρχίας και διαφωτισμού. Τις επόμενες τέσσερις δεκαετίες, ο μεταμοντερνισμός διαμορφώθηκε σε διάφορες καλλιτεχνικές μορφές, συμπεριλαμβανομένης της εννοιολογικής τέχνης, του μινιμαλισμού, της βιντεοτέχνης, της καλλιτεχνικής παράστασης, της θεσμικής κριτικής και της τέχνης ταυτότητας. Ενώ αυτά τα κινήματα ήταν διαφορετικά και μερικές φορές φαινομενικά ασύνδετα, μοιράζονταν ορισμένα βασικά χαρακτηριστικά: μια ειρωνική και παιχνιδιάρικη προσέγγιση σε κατακερματισμένα θέματα, μια ασάφεια των διακρίσεων υψηλής και χαμηλής κουλτούρας, μια κριτική της αυθεντικότητας και της πρωτοτυπίας και εστίαση στην εικόνα και το θέαμα. Πέρα από αυτά τα μεγάλα κινήματα, πολυάριθμοι καλλιτέχνες και αναδυόμενες τάσεις συνεχίζουν να εξερευνούν μεταμοντέρνα θέματα σήμερα.

Η μεταμοντέρνα τέχνη ορίζεται από την αμφισβήτησή της στις μεγάλες αφηγήσεις που διαμόρφωσαν τη σύγχρονη περίοδο, ιδιαίτερα την πίστη στην απεριόριστη θετικότητα της προόδου, ιδιαίτερα της τεχνολογικής προόδου. Απορρίπτοντας αυτές τις πρωταρχικές αφηγήσεις, οι μεταμοντερνιστές αμφισβητούν την ιδέα ότι η γνώση ή η ιστορία μπορούν να ενσωματωθούν άψογα σε συνολικές θεωρίες, δίνοντας έμφαση στο τοπικό, το ενδεχόμενο και το προσωρινό. Με αυτόν τον τρόπο, απορρίπτουν επίσης άλλες κυρίαρχες ιδεολογίες, όπως την έννοια της καλλιτεχνικής ανάπτυξης ως γραμμικής, στοχευμένης διαδικασίας, την ιδέα ότι μόνο οι άνδρες μπορούν να είναι καλλιτεχνικές ιδιοφυΐες και την αποικιακή υπόθεση της φυλετικής ανωτερότητας. Ως αποτέλεσμα, η φεμινιστική και μειονοτική τέχνη που αμφισβήτησε τα καθιερωμένα πρότυπα συχνά θεωρείται μέρος του μεταμοντέρνου κινήματος ή θεωρείται ως έκφραση της μεταμοντερνιστικής σκέψης.

Ο μεταμοντερνισμός έσπασε με την ιδέα ότι ένα έργο τέχνης έχει ένα μοναδικό νόημα. Αντίθετα, ο θεατής έγινε ενεργός συμμετέχων στη διαδικασία δημιουργίας νοήματος. Σε ορισμένες περιπτώσεις, οι καλλιτέχνες καλούσαν τους θεατές να ασχοληθούν απευθείας με το έργο, όπως στην τέχνη της περφόρμανς, ενώ άλλοι δημιούργησαν έργα που απαιτούσαν την αλληλεπίδραση του θεατή για να ολοκληρωθεί ή να συνδημιουργηθεί το έργο. Ο Νταντά είχε σημαντική επιρροή στη μεταμοντέρνα τέχνη. Σε συνδυασμό με την πρακτική της οικειοποίησης, ο μεταμοντερνισμός συχνά ωθούσε τα όρια της πρωτοτυπίας στο σημείο παραβίασης των πνευματικών δικαιωμάτων, χρησιμοποιώντας συχνά υπάρχουσες φωτογραφίες ή έργα τέχνης με ελάχιστη έως καθόλου αλλαγή στο πρωτότυπο.

Καλλιτέχνης: Marina Abramović

Η Μαρίνα Αμπράμοβιτς ανέβασε μια πρωτοποριακή παράσταση στην οποία τοποθετήθηκε παθητικά σε μια γκαλερί, καλώντας τους θεατές να της συμπεριφέρονται όπως θέλουν, χωρίς καμία αντίδραση από μέρους της. Μια επιλογή αντικειμένων, που επιλέχθηκαν για να προκαλούν είτε ευχαρίστηση είτε πόνο - συμπεριλαμβανομένων μαχαιριών και ενός γεμάτου όπλου - τέθηκε στη διάθεση του κοινού. Αυτό που ξεκίνησε με παιχνιδιάρικες αλληλεπιδράσεις κλιμακώθηκε κατά τη διάρκεια της εξάωρης παράστασης σε όλο και πιο επιθετικές και βίαιες πράξεις, με αποκορύφωμα τις βαθιά ανησυχητικές στιγμές.

Αυτό το πρωτοποριακό έργο σηματοδότησε μια σημαντική αλλαγή στη μεταμοντέρνα εξερεύνηση της συμμετοχής του κοινού, καθώς ο Αμπράμοβιτς παραιτήθηκε εντελώς από τον έλεγχο και την πατρότητα στους θεατές. Με αυτόν τον τρόπο, αμφισβήτησε το μοντερνιστικό ιδεώδες του καλλιτέχνη ως μοναδική και αυτόνομη φιγούρα. Η παράσταση ήταν παράδειγμα της χαρακτηριστικής προσέγγισης της Αμπράμοβιτς να ωθεί το σώμα και το μυαλό της σε ακραία σωματικά και ψυχολογικά όρια στην τέχνη της.

Καλλιτέχνης: Philip Johnson

Ο εμβληματικός ουρανοξύστης της δεκαετίας του 1980 μοιράζεται τη μορφή και την κλίμακα των αντίστοιχων πολυώροφων, αλλά ξεχωρίζει μέσω των χαρακτηριστικών σχεδιαστικών στοιχείων του. Αυτά περιλαμβάνουν ένα κλασικό σπασμένο αέτωμα, κάθετες ταινίες εμπνευσμένες από την Art Deco, κιτς ροζ γρανίτη και μια περίτεχνη είσοδο και πρόσοψη. Ο σχεδιασμός του πυροδότησε διαμάχες στην Αμερική της δεκαετίας του 1980 για την απόρριψη της έμφασης του Μοντερνισμού στις καθαρές γραμμές, τη γεωμετρική απλότητα και την αρχή ότι «η μορφή ακολουθεί τη λειτουργία».

Ενώ έχει τις ρίζες του στην ελληνική και ρωμαϊκή τέχνη, το αέτωμα έχει επίσης παρομοιαστεί με τη σιλουέτα ενός ρολογιού παππού ή ενός παππού του Chippendale. Αυτό το χαρακτηριστικό, σε συνδυασμό με τη χρήση τούβλου και όχι χάλυβα ως υλικό πρόσοψης, αντικατοπτρίζει ένα σκόπιμα νεύμα στον κλασικισμό και μια απάρνηση των μοντερνιστικών ιδεωδών της αγνότητας και του μινιμαλισμού. Το κτίριο θεωρείται ευρέως ως η πρώτη σημαντική έκθεση μεταμοντέρνας αρχιτεκτονικής σε διεθνή σκηνή.

Καλλιτέχνης: Barbara Kruger

Αυτή η εικόνα αποτελεί παράδειγμα του στυλ υπογραφής της Barbara Kruger, που συνδυάζει φωτογραφίες που βρέθηκαν με τολμηρά, προκλητικά συνθήματα σε φωτολιθογραφική μορφή. Οικειοποιώντας την άμεση, εντυπωσιακή οπτική γλώσσα των μέσων μαζικής ενημέρωσης, ο Kruger θολώνει τα όρια μεταξύ υψηλής τέχνης και διαφήμισης, αμφισβητώντας τις παραδοσιακές διακρίσεις στην εικόνα, την αισθητική και το κοινό.

Η χαρακτηριστική κόκκινη, μαύρη και άσπρη παλέτα της δουλειάς της, μαζί με το έντονο μπλοκ κείμενο της, αντικατοπτρίζει το παρελθόν της στη γραφιστική και την εμπορική τέχνη. Η δήλωση Ψωνίζω άρα είμαι παρωδεί τη φιλοσοφική πρόταση του René Descartes Νομίζω άρα κάνω κριτική στην κυριαρχία του καταναλωτισμού στη διαμόρφωση της σύγχρονης ταυτότητας. Αντί από τη διάνοια ή την εσωτερική ζωή, προτείνει ο Κρούγκερ, η ταυτότητα ορίζεται πλέον από την κατανάλωση – τι αγοράζει κανείς και τις ετικέτες που φοράει.

Μέσα από αυτήν την έντονη κριτική, το έργο αναδεικνύει τη σύγχρονη έμφαση στην εικόνα και το θέαμα, υποδηλώνοντας ότι η αξία και η ταυτότητα έχουν γίνει επιφανειακές, συνδεδεμένες με υλικά αποκτήματα και εξωτερικές εμφανίσεις.