Dincolo de granițe: explorarea complexității artei postmoderniste

Postmodernismul este cel mai bine înțeles în raport cu etosul modernist pe care l-a înlocuit - mișcarea de avangardă care a dominat din anii 1860 până în anii 1950. Artiștii moderniști au fost conduși de idei radicale, cu gândire înainte, de credința în progresul tehnologic și de narațiuni mărețe ale dominației și iluminismului occidental. În următoarele patru decenii, postmodernismul a luat contur în diferite forme artistice, inclusiv artă conceptuală, minimalism, artă video, artă performanță, critică instituțională și artă identității. Deși aceste mișcări erau diverse și uneori aparent deconectate, ele împărtășeau anumite caracteristici cheie: o abordare ironică și jucăușă a subiectelor fragmentate, o estompare a distincțiilor de cultură înaltă și joasă, o critică a autenticității și originalității și concentrarea asupra imaginii și spectacolului. Dincolo de aceste mișcări majore, numeroși artiști și tendințe emergente continuă să exploreze teme postmoderne și astăzi.

Arta postmodernă este definită prin provocarea ei la adresa marilor narațiuni care au modelat perioada modernă, în special credința în pozitivitatea necalificată a progresului, în special progresul tehnologic. Prin respingerea acestor narațiuni generale, postmoderniștii pun la îndoială ideea că cunoașterea sau istoria pot fi încapsulate cu grijă în teorii totalizante, subliniind în schimb localul, contingentul și temporarul. Procedând astfel, ei resping și alte ideologii dominante, cum ar fi noțiunea de dezvoltare artistică ca proces liniar, orientat spre obiective, ideea că numai bărbații pot fi genii artistice și asumarea colonială a superiorității rasiale. Drept urmare, arta feministă și minoritară care a contestat normele stabilite este adesea considerată parte a mișcării postmoderne sau văzută ca expresii ale gândirii postmoderniste.

Postmodernismul a rupt ideea că o operă de artă are un sens singular. În schimb, privitorul a devenit un participant activ în procesul de creare a sensului. În unele cazuri, artiștii invitau spectatorii să interacționeze direct cu opera, ca în arta performanței, în timp ce alții creau lucrări care necesitau interacțiunea spectatorului pentru a finaliza sau co-crea piesa. Dada a avut o influență semnificativă asupra artei postmoderne. Împreună cu practica însușirii, postmodernismul a împins deseori granițele originalității până la încălcarea dreptului de autor, folosind adesea fotografii sau opere de artă existente cu puține modificări ale originalului.

Artist: Marina Abramović

Marina Abramović a organizat un spectacol revoluționar în care s-a poziționat pasiv într-o galerie, invitând telespectatorii să acționeze după ea așa cum doresc, fără nicio reacție din partea ei. O selecție de obiecte, alese pentru a evoca fie plăcere, fie durere – inclusiv cuțite și un pistol încărcat – a fost pusă la dispoziția publicului. Ceea ce a început cu interacțiuni jucăușe a escaladat pe parcursul spectacolului de șase ore în acte din ce în ce mai agresive și violente, culminând cu momente profund deranjante.

Această lucrare de pionierat a marcat o schimbare semnificativă în explorarea postmodernă a participării publicului, deoarece Abramović a renunțat complet la controlul și autoritatea spectatorilor. Procedând astfel, ea a contestat idealul modernist al artistului ca figură unică și autonomă. Spectacolul a exemplificat abordarea caracteristică a lui Abramović de a-și împinge corpul și mintea la limite fizice și psihologice extreme în arta ei.

Artist: Philip Johnson

Emblematicul zgârie-nori din anii 1980 împărtășește forma și scara omologilor săi înalți, dar se remarcă prin elementele de design distinctive. Acestea includ un fronton rupt clasic, benzi verticale inspirate de Art Deco, granit roz kitsch și o intrare și o fațadă elaborate. Designul său a stârnit controverse în America anilor 1980 pentru respingerea accentului modernist pe liniile curate, simplitatea geometrică și principiul că „forma urmează funcției”.

Deși are rădăcini în arta greacă și romană, frontonul a fost, de asemenea, asemănat cu silueta unui ceas bunic sau a unui highboy Chippendale. Această caracteristică, combinată cu utilizarea cărămizii mai degrabă decât a oțelului ca material de fațadă, reflectă un semn deliberat al clasicismului și o renunțare la idealurile moderniste de puritate și minimalism. Clădirea este considerată pe scară largă drept prima vitrină majoră a arhitecturii postmoderne pe scena internațională.

Artist: Barbara Kruger

Această imagine exemplifica stilul de semnătură al Barbara Kruger, care combină fotografiile găsite cu sloganuri îndrăznețe și provocatoare într-un format fotolitografic. Prin însușirea limbajului vizual direct și de impact al mass-media, Kruger estompează granițele dintre artă de înaltă și publicitate, provocând distincțiile tradiționale în imagini, estetică și audiență.

Paleta caracteristică de roșu, negru și alb a lucrării sale, împreună cu textul bloc, reflectă experiența ei în design grafic și artă comercială. Afirmația Cumpărăm și sunt parodiază propunerea filozofică a lui René Descartes Cred și așa că sunt , criticând dominația consumerismului în modelarea identității moderne. Mai degrabă decât intelectul sau viața interioară, sugerează Kruger, identitatea este acum definită de consum - ceea ce cumpărăm și etichetele pe care le poartă.

Prin această critică incisivă, piesa evidențiază accentul contemporan pe imagine și spectacol, sugerând că valoarea și identitatea au devenit superficiale, legate de achiziții materiale și de aparențele exterioare.