Poza granicami: eksploracja złożoności sztuki postmodernistycznej

Postmodernizm najlepiej zrozumieć w odniesieniu do modernistycznego etosu, który zastąpił — ruchu awangardowego, który dominował od lat 60. XIX wieku do lat 50. XX wieku. Artyści modernistyczni byli napędzani radykalnymi, nowatorskimi ideami, wiarą w postęp technologiczny i wielkimi narracjami dominacji Zachodu i oświecenia. Przez następne cztery dekady postmodernizm przybrał różne formy artystyczne, w tym sztukę konceptualną, minimalizm, sztukę wideo, sztukę performance, krytykę instytucjonalną i sztukę tożsamości. Chociaż ruchy te były zróżnicowane i czasami pozornie oderwane, łączyły je pewne kluczowe cechy: ironiczne i zabawne podejście do fragmentarycznych tematów, zacieranie się rozróżnień między wysoką i niską kulturą, krytyka autentyczności i oryginalności oraz skupienie się na wizerunku i widowisku. Oprócz tych głównych ruchów liczni artyści i pojawiające się tendencje nadal eksplorują tematykę postmodernistyczną.

Sztuka postmodernistyczna jest definiowana przez wyzwanie, jakie rzuciła wielkim narracjom, które ukształtowały okres współczesny, w szczególności wierze w bezwarunkową pozytywność postępu, zwłaszcza postępu technologicznego. Odrzucając te nadrzędne narracje, postmoderniści kwestionują ideę, że wiedza lub historia mogą być zgrabnie ujęte w totalizujących teoriach, zamiast tego podkreślając to, co lokalne, przypadkowe i tymczasowe. Czyniąc to, odrzucają również inne dominujące ideologie, takie jak pojęcie rozwoju artystycznego jako liniowego, zorientowanego na cel procesu, ideę, że tylko mężczyźni mogą być artystycznymi geniuszami, oraz kolonialne założenie wyższości rasowej. W rezultacie sztuka feministyczna i mniejszościowa, która kwestionowała ustalone normy, jest często uważana za część ruchu postmodernistycznego lub postrzegana jako wyraz myśli postmodernistycznej.

Postmodernizm zerwał z ideą, że dzieło sztuki ma jedno znaczenie. Zamiast tego widz stał się aktywnym uczestnikiem procesu tworzenia znaczenia. W niektórych przypadkach artyści zapraszali widzów do bezpośredniego zaangażowania się w dzieło, jak w sztuce performatywnej, podczas gdy inni tworzyli dzieła, które wymagały interakcji widza, aby je ukończyć lub współtworzyć. Dadaizm miał znaczący wpływ na sztukę postmodernistyczną. W połączeniu z praktyką przywłaszczania, postmodernizm często przesuwał granice oryginalności do punktu naruszenia praw autorskich, często wykorzystując istniejące fotografie lub dzieła sztuki z niewielką lub żadną zmianą w stosunku do oryginału.

Artysta: Marina Abramović

Marina Abramović wystawiła przełomowy występ, w którym biernie ustawiła się w galerii, zapraszając widzów do działania na niej tak, jak chcieli, bez żadnej reakcji z jej strony. Widzom udostępniono wybór przedmiotów, wybranych tak, aby wywołać przyjemność lub ból — w tym noże i załadowany pistolet. To, co zaczęło się od zabawnych interakcji, przerodziło się w ciągu sześciogodzinnego występu w coraz bardziej agresywne i brutalne akty, kulminujące w głęboko niepokojących momentach.

Ta pionierska praca oznaczała znaczącą zmianę w postmodernistycznym badaniu uczestnictwa publiczności, ponieważ Abramović całkowicie oddała kontrolę i autorstwo widzom. W ten sposób zakwestionowała modernistyczny ideał artystki jako unikalnej i autonomicznej postaci. Występ był przykładem charakterystycznego podejścia Abramović do popychania swojego ciała i umysłu do ekstremalnych fizycznych i psychologicznych granic w jej sztuce.

Artysta: Philip Johnson

Kultowy wieżowiec z lat 80. ma taką samą formę i skalę jak jego odpowiedniki w wieżowcach, ale wyróżnia się dzięki charakterystycznym elementom projektowym. Należą do nich klasyczny złamany fronton, pionowe pasy inspirowane stylem Art Deco, kiczowaty różowy granit oraz wyszukane wejście i fasada. Jego projekt wywołał kontrowersje w Ameryce lat 80., odrzucając modernistyczny nacisk na czyste linie, geometryczną prostotę i zasadę, że „forma podąża za funkcją”.

Choć zakorzeniony w sztuce greckiej i rzymskiej, fronton porównywano również do sylwetki zegara stojącego lub highboya Chippendale. Ta cecha, w połączeniu z zastosowaniem cegły zamiast stali jako materiału elewacyjnego, odzwierciedla celowe nawiązanie do klasycyzmu i wyrzeczenie się modernistycznych ideałów czystości i minimalizmu. Budynek jest powszechnie uważany za pierwszą dużą wystawę architektury postmodernistycznej na arenie międzynarodowej.

Artysta: Barbara Kruger

Obraz ten jest przykładem charakterystycznego stylu Barbary Kruger, który łączy znalezione fotografie z odważnymi, prowokacyjnymi hasłami w formacie fotolitograficznym. Przywłaszczając sobie bezpośredni, wpływowy język wizualny mediów masowych, Kruger zaciera granice między sztuką wysoką a reklamą, kwestionując tradycyjne rozróżnienia w obrazowaniu, estetyce i odbiorcach.

Charakterystyczna dla jej prac paleta barw: czerwień, czerń i biel, a także surowy blok tekstu odzwierciedlają jej doświadczenie w projektowaniu graficznym i sztuce komercyjnej. Zdanie I shop therefore I am parodiuje filozoficzną propozycję René Descartesa I think therefore I am , krytykując dominację konsumpcjonizmu w kształtowaniu współczesnej tożsamości. Kruger sugeruje, że tożsamość jest obecnie definiowana przez konsumpcję, a nie przez intelekt czy życie wewnętrzne — przez to, co się kupuje i jakie się nosi etykiety.

Poprzez tę przenikliwą krytykę utwór podkreśla współczesny nacisk na wizerunek i widowisko, sugerując, że wartość i tożsamość stały się powierzchowne, powiązane z dobrami materialnymi i wyglądem zewnętrznym.