A határokon túl: A posztmodern művészet komplexitásának feltárása

A posztmodernizmust leginkább az általa kiszorított modernista szellemiség – az 1860-as évektől az 1950-es évekig uralkodó avantgárd mozgalom – összefüggésében érthetjük meg. A modernista művészeket radikális, előremutató eszmék, a technológiai haladásba vetett hit, valamint a nyugati dominanciáról és felvilágosodásról szóló nagyszerű narratívák vezérelték. A következő négy évtizedben a posztmodern különböző művészeti formákban formálódott meg, beleértve a konceptuális művészetet, a minimalizmust, a videóművészetet, a performanszművészetet, az intézménykritikát és az identitásművészetet. Noha ezek a mozgalmak sokfélék voltak, és néha látszólag nem kapcsolódnak egymáshoz, megosztottak bizonyos kulcsfontosságú jellemzőket: a töredezett témák ironikus és játékos megközelítése, a magas és alacsony kulturális különbségek összemosása, a hitelesség és az eredetiség kritikája, valamint a képre és a látványra való összpontosítás. Ezeken a főbb mozgalmakon túl számos művész és feltörekvő irányzat folytatja ma is a posztmodern témák feltárását.

A posztmodern művészetet az határozza meg, hogy kihívást jelent a modern kort formáló nagy narratívák felé, különösen a haladás, különösen a technológiai haladás korlátlan pozitívumába vetett hit. Ezen átfogó narratívák elutasításával a posztmodernisták megkérdőjelezik azt az elképzelést, hogy a tudást vagy a történelmet szépen be lehet foglalni az elméletek totalizálásába, ehelyett a lokálist, az esetlegest és az ideigleneset hangsúlyozzák. Ezzel más uralkodó ideológiákat is elutasítanak, mint például a művészeti fejlődés lineáris, célorientált folyamatként való felfogását, azt az elképzelést, hogy csak férfiak lehetnek művészi zseni, és a faji felsőbbrendűség gyarmati feltételezését. Ennek eredményeként a feminista és kisebbségi művészetet, amely megkérdőjelezte a kialakult normákat, gyakran a posztmodern mozgalom részének tekintik, vagy a posztmodern gondolkodás kifejezéseinek tekintik.

A posztmodern szakított azzal a gondolattal, hogy a műalkotásnak egyedi jelentése van. Ehelyett a néző a jelentésalkotás folyamatának aktív résztvevőjévé vált. Egyes esetekben a művészek felkérték a nézőket, hogy közvetlenül vegyenek részt a műben, például a performansz művészetében, míg mások olyan műveket készítettek, amelyek a néző interakcióját igényelték a darab befejezéséhez vagy társalkotásához. A Dada jelentős hatással volt a posztmodern művészetre. A kisajátítás gyakorlatával párosulva a posztmodern az eredetiség határait gyakran egészen a szerzői jogok megsértésének határáig feszegette, gyakran meglévő fényképeket vagy műalkotásokat használt, az eredetihez képest alig vagy egyáltalán nem változtatva.

Művész: Marina Abramović

Marina Abramović egy úttörő előadást rendezett, amelyben passzívan elhelyezkedett egy galériában, és arra kérte a nézőket, hogy tetszés szerint cselekedjenek vele, anélkül, hogy reagálna rá. Válogatott tárgyakat, amelyeket úgy választottak ki, hogy örömet vagy fájdalmat idézzenek elő – beleértve a késeket és a töltött fegyvert –, a közönség rendelkezésére álltak. Ami játékos interakciókkal kezdődött, az a hatórás előadás során egyre agresszívebb és erőszakosabb cselekményekké fajult, amelyek mélyen felkavaró pillanatokba torkolltak.

Ez az úttörő munka jelentős elmozdulást jelentett a közönség részvételének posztmodern feltárásában, mivel Abramović teljesen átadta az irányítást és a szerzői jogot a nézőknek. Ezzel a művész mint egyedi és autonóm figura modernista ideálját vitatta. Az előadás jól példázza Abramović jellegzetes megközelítését, miszerint művészetében testét és elméjét extrém fizikai és pszichológiai korlátok közé szorítja.

Művész: Philip Johnson

Az 1980-as évek ikonikus felhőkarcolója megegyezik a sokemeletes társaiéval, de kiemelkedik jellegzetes dizájnelemeivel. Ezek közé tartozik a klasszikus törött oromfal, az Art Deco ihletésű függőleges sávozás, a giccses rózsaszín gránit, valamint a kidolgozott bejárat és homlokzat. Tervezése vitákat váltott ki az 1980-as évek Amerikájában, amiért elutasította a modernista hangsúlyt a tiszta vonalakra, a geometriai egyszerűségre és a „forma követi a funkciót” elvére.

Noha a görög és római művészetben gyökerezik, az oromzatot egy nagypapa óra vagy egy Chippendale-i nagyfiú sziluettjéhez is hasonlították. Ez a tulajdonság a tégla helyett az acél homlokzati anyagként való felhasználásával kombinálva a klasszicizmus szándékos bólintását, valamint a tisztaság és a minimalizmus modernista eszméiről való lemondást tükrözi. Az épületet széles körben a posztmodern építészet első jelentős bemutatójaként tartják számon nemzetközi színtéren.

Művész: Barbara Kruger

Ez a kép jól példázza Barbara Kruger jellegzetes stílusát, amely a talált fényképeket merész, provokatív szlogenekkel kombinálja fotolitográfiai formátumban. A tömegmédia közvetlen, hatásos vizuális nyelvezetének sajátításával Kruger elmossa a határokat a magas művészet és a reklám között, megkérdőjelezve a hagyományos megkülönböztetéseket a képalkotás, az esztétika és a közönség terén.

Munkáinak jellegzetes vörös, fekete és fehér palettája, valamint a markáns tömbszöveg tükrözi a grafikai tervezés és a kereskedelmi művészet hátterét. A „ vásárolok, ezért vagyok” kijelentés parodizálja René Descartes „ gondolok tehát vagyok” filozófiai tételét, amely a fogyasztói szemlélet dominanciáját bírálja a modern identitásformálásban. Kruger szerint az intellektus vagy a belső élet helyett az identitást ma már a fogyasztás határozza meg – az, hogy mit vásárol, és milyen címkéket visel.

A darab ezen éles kritikán keresztül kiemeli a kép és a látvány kortárs hangsúlyát, utalva arra, hogy az érték és az identitás felületessé vált, anyagi beszerzésekhez és külső megjelenésekhez kötődik.