경계 너머: 포스트모더니즘 예술의 복잡성 탐구

포스트모더니즘은 대체된 모더니스트 정신, 즉 1860년대에서 1950년대까지 지배적이었던 아방가르드 운동과 관련하여 가장 잘 이해됩니다. 모더니스트 예술가들은 급진적이고 미래 지향적인 아이디어, 기술적 진보에 대한 믿음, 서구의 지배와 계몽에 대한 거대한 서사에 의해 움직였습니다. 그 후 40년 동안 포스트모더니즘은 개념 예술, 미니멀리즘, 비디오 아트, 퍼포먼스 아트, 제도 비판, 정체성 예술을 포함한 다양한 예술적 형태로 형성되었습니다. 이러한 운동은 다양하고 때로는 단절된 것처럼 보이지만, 단편적인 주제에 대한 아이러니하고 유희적인 접근, 고급 및 저급 문화 구분의 모호함, 진정성과 독창성에 대한 비판, 이미지와 광경에 대한 초점이라는 핵심적 특징을 공유했습니다. 이러한 주요 운동 외에도 수많은 예술가와 새로운 경향은 오늘날에도 포스트모던 주제를 탐구하고 있습니다.

포스트모던 예술은 근대를 형성한 거대한 서사, 특히 진보, 특히 기술적 진보의 무조건적인 긍정성에 대한 믿음에 도전하는 것으로 정의됩니다. 포스트모더니스트들은 이러한 포괄적인 서사를 거부함으로써 지식이나 역사가 총체적인 이론에 깔끔하게 캡슐화될 수 있다는 생각에 의문을 제기하고 대신 지역적, 우연적, 일시적인 것을 강조합니다. 그렇게 하면서 그들은 또한 예술적 발전을 선형적이고 목표 지향적 과정으로 보는 개념, 남성만이 예술적 천재가 될 수 있다는 생각, 인종적 우월성에 대한 식민지적 가정과 같은 다른 지배적인 이념을 거부합니다. 그 결과, 기존 규범에 도전한 페미니스트와 소수자 예술은 종종 포스트모던 운동의 일부로 간주되거나 포스트모더니스트 사상의 표현으로 여겨집니다.

포스트모더니즘은 예술 작품이 단일한 의미를 가진다는 생각과 결별했습니다. 대신, 시청자는 의미 만들기 과정에 적극적으로 참여하게 되었습니다. 어떤 경우에는 퍼포먼스 아트처럼 시청자가 작품에 직접 참여하도록 예술가를 초대하기도 했고, 다른 경우에는 시청자가 작품을 완성하거나 공동 창작하기 위해 상호작용이 필요한 작품을 만들기도 했습니다. 다다는 포스트모던 예술에 상당한 영향을 미쳤습니다. 차용 관행과 더불어 포스트모더니즘은 종종 독창성의 경계를 저작권 침해 수준까지 넓혔으며, 종종 원본을 거의 또는 전혀 변경하지 않고 기존 사진이나 예술 작품을 사용했습니다.

아티스트: 마리나 아브라모비치

마리나 아브라모비치는 갤러리에서 수동적으로 자신을 위치시키고, 관객이 그녀로부터 아무런 반응 없이 원하는 대로 행동하도록 초대하는 획기적인 퍼포먼스를 선보였습니다. 칼과 장전된 총을 포함하여 쾌락이나 고통을 불러일으키는 것으로 선택된 사물들이 관객에게 제공되었습니다. 장난기 어린 상호작용으로 시작된 것은 6시간 공연이 진행되는 동안 점점 더 공격적이고 폭력적인 행위로 확대되었고, 결국 매우 불안한 순간으로 절정에 달했습니다.

이 선구적인 작품은 관객 참여에 대한 포스트모던적 탐구에서 중요한 전환점을 표시했는데, 아브라모비치는 관객에게 통제권과 저작권을 완전히 포기했습니다. 그렇게 함으로써 그녀는 예술가를 독특하고 자율적인 인물로 보는 모더니스트적 이상에 도전했습니다. 이 공연은 아브라모비치가 예술에서 자신의 몸과 마음을 극단적인 신체적, 심리적 한계까지 밀어붙이는 특징적인 접근 방식을 보여주었습니다.

아티스트: 필립 존슨

상징적인 1980년대의 마천루는 고층 빌딩과 형태와 규모를 공유하지만 독특한 디자인 요소를 통해 두드러진다. 여기에는 고전적인 깨진 페디먼트, 아르 데코에서 영감을 받은 수직 밴딩, 키치한 핑크 화강암, 정교한 입구와 외관이 포함된다. 이 디자인은 1980년대 미국에서 깨끗한 선, 기하학적 단순함, "형태는 기능을 따른다"는 원칙에 대한 모더니스트의 강조를 거부한다는 이유로 논란을 일으켰다.

그리스와 로마 예술에 뿌리를 두고 있지만, 페디먼트는 할아버지 시계나 치펜데일 하이보이의 실루엣과도 비교되었습니다. 이 특징은 외관 재료로 강철 대신 벽돌을 사용한다는 점과 결합하여 고전주의에 대한 고의적인 경의와 순수함과 미니멀리즘에 대한 모더니스트의 이상을 포기한 것을 반영합니다. 이 건물은 국제 무대에서 포스트모던 건축의 첫 번째 주요 쇼케이스로 널리 알려져 있습니다.

아티스트: 바바라 크루거

이 이미지는 발견된 사진과 대담하고 도발적인 슬로건을 포토리소그래피 형식으로 결합한 바바라 크루거의 시그니처 스타일을 보여줍니다. 대중 매체의 직접적이고 강렬한 시각 언어를 차용하여 크루거는 고급 예술과 광고의 경계를 모호하게 만들고 이미지, 미학, 청중의 전통적인 구분에 도전합니다.

그녀의 작품의 특징적인 빨간색, 검은색, 흰색 팔레트와 강렬한 블록 텍스트는 그래픽 디자인과 상업 예술 분야에서의 그녀의 배경을 반영합니다. 나는 쇼핑한다, 고로 나는 존재한다는 진술은 르네 데카르트의 철학적 명제인 나는 생각한다, 고로 나는 존재한다를 패러디한 것으로, 현대 정체성을 형성하는 데 있어서 소비주의의 지배를 비판합니다. 크루거는 지성이나 내면의 삶이 아니라, 정체성은 이제 소비, 즉 무엇을 사는지와 어떤 라벨을 붙이는지에 의해 정의된다고 제안합니다.

이 작품은 날카로운 비판을 통해 현대 사회에서 이미지와 광경이 강조되는 모습을 보여주며, 가치와 정체성이 피상적이 되어 물질적 획득과 외형적 모습에 얽매여 있다는 점을 시사한다.