Jenseits der Grenzen: Die Komplexität der postmodernen Kunst erkunden

Die Postmoderne lässt sich am besten im Zusammenhang mit dem modernistischen Ethos verstehen, das sie ablöste – der Avantgarde-Bewegung, die von den 1860er- bis in die 1950er-Jahre vorherrschend war. Künstler der Moderne waren von radikalen, zukunftsweisenden Ideen, einem Glauben an den technischen Fortschritt und großen Narrativen westlicher Dominanz und Aufklärung getrieben. In den folgenden vier Jahrzehnten nahm die Postmoderne in verschiedenen künstlerischen Formen Gestalt an, darunter Konzeptkunst, Minimalismus, Videokunst, Performancekunst, Institutionskritik und Identitätskunst. Obwohl diese Bewegungen unterschiedlich und manchmal scheinbar unzusammenhängend waren, hatten sie bestimmte Schlüsselmerkmale gemeinsam: einen ironischen und spielerischen Umgang mit fragmentierten Themen, eine Verwischung der Grenzen zwischen Hoch- und Populärkultur, eine Kritik an Authentizität und Originalität und einen Fokus auf Image und Spektakel. Über diese großen Bewegungen hinaus beschäftigen sich zahlreiche Künstler und neue Tendenzen auch heute noch mit postmodernen Themen.

Postmoderne Kunst ist dadurch gekennzeichnet, dass sie die großen Narrative infrage stellt, die die Moderne geprägt haben, insbesondere den Glauben an die uneingeschränkte Positivität des Fortschritts, insbesondere des technologischen Fortschritts. Indem sie diese übergreifenden Narrative ablehnen, stellen Postmodernisten die Idee in Frage, dass Wissen oder Geschichte in totalisierenden Theorien zusammengefasst werden können, und betonen stattdessen das Lokale, das Kontingente und das Temporäre. Dabei lehnen sie auch andere vorherrschende Ideologien ab, wie etwa die Vorstellung von künstlerischer Entwicklung als linearem, zielorientiertem Prozess, die Idee, dass nur Männer künstlerische Genies sein können, und die koloniale Annahme rassischer Überlegenheit. Infolgedessen wird feministische und Minderheitenkunst, die etablierte Normen infrage stellt, oft als Teil der postmodernen Bewegung oder als Ausdruck postmodernen Denkens betrachtet.

Die Postmoderne brach mit der Vorstellung, dass ein Kunstwerk nur eine einzige Bedeutung hat. Stattdessen wurde der Betrachter zum aktiven Teilnehmer am Prozess der Bedeutungsbildung. In manchen Fällen luden Künstler den Betrachter ein, sich direkt mit dem Werk auseinanderzusetzen, wie in der Performancekunst, während andere Werke schufen, die eine Interaktion des Betrachters erforderten, um das Werk zu vervollständigen oder mitzugestalten. Dada hatte einen erheblichen Einfluss auf die postmoderne Kunst. In Verbindung mit der Praxis der Aneignung ging die Postmoderne häufig an die Grenzen der Originalität bis hin zur Urheberrechtsverletzung, indem sie oft vorhandene Fotos oder Kunstwerke verwendete, ohne das Original zu verändern.

Künstlerin: Marina Abramović

Marina Abramović inszenierte eine bahnbrechende Performance, bei der sie sich passiv in einer Galerie positionierte und die Zuschauer einlud, nach Belieben auf sie einzuwirken, ohne dass sie darauf reagieren musste. Dem Publikum wurde eine Auswahl von Objekten zur Verfügung gestellt, die entweder Lust oder Schmerz hervorrufen sollten – darunter Messer und eine geladene Waffe. Was mit spielerischen Interaktionen begann, eskalierte im Laufe der sechsstündigen Performance zu zunehmend aggressiveren und gewalttätigeren Handlungen und gipfelte in zutiefst verstörenden Momenten.

Dieses bahnbrechende Werk markierte einen bedeutenden Wandel in der postmodernen Auseinandersetzung mit der Beteiligung des Publikums, da Abramović Kontrolle und Autorschaft vollständig an die Zuschauer abgab. Damit stellte sie das modernistische Ideal des Künstlers als einzigartige und autonome Figur in Frage. Die Performance veranschaulichte Abramovićs charakteristischen Ansatz, ihren Körper und Geist in ihrer Kunst an extreme physische und psychische Grenzen zu bringen.

Künstler: Philip Johnson

Der ikonische Wolkenkratzer aus den 1980er Jahren hat die gleiche Form und Größe wie seine Gegenstücke, sticht aber durch seine unverwechselbaren Designelemente hervor. Dazu gehören ein klassischer gebrochener Giebel, vertikale Streifen im Art-Deco-Stil, kitschiger rosa Granit sowie ein aufwendig gestalteter Eingang und eine Fassade. Sein Design löste in den 1980er Jahren in Amerika Kontroversen aus, da es die modernistische Betonung klarer Linien, geometrischer Einfachheit und das Prinzip „Form folgt Funktion“ ablehnte.

Obwohl der Giebel in der griechischen und römischen Kunst verwurzelt ist, wird er auch mit der Silhouette einer Standuhr oder einer Chippendale-Klappuhr verglichen. Dieses Merkmal, kombiniert mit der Verwendung von Ziegeln statt Stahl als Fassadenmaterial, spiegelt eine bewusste Anspielung auf den Klassizismus und eine Abkehr von den modernistischen Idealen der Reinheit und des Minimalismus wider. Das Gebäude gilt weithin als das erste große Schaustück postmoderner Architektur auf internationaler Bühne.

Künstlerin: Barbara Krüger

Dieses Bild ist ein Beispiel für Barbara Krugers unverkennbaren Stil, der gefundene Fotografien mit gewagten, provokanten Slogans in einem fotolithografischen Format kombiniert. Indem sie sich die direkte, wirkungsvolle Bildsprache der Massenmedien zu eigen macht, verwischt Kruger die Grenzen zwischen hoher Kunst und Werbung und stellt traditionelle Unterscheidungen in Bildsprache, Ästhetik und Publikum in Frage.

Die für ihre Arbeit typische Palette aus Rot, Schwarz und Weiß sowie der strenge Blocktext spiegeln ihren Hintergrund im Grafikdesign und in der Werbegrafik wider. Die Aussage „ Ich kaufe, also bin ich“ parodiert René Descartes‘ philosophischen Satz „ Ich denke, also bin ich“ und kritisiert die Dominanz des Konsumismus bei der Gestaltung der modernen Identität. Statt durch Intellekt oder Innenleben, so Kruger, wird Identität heute durch Konsum definiert – was man kauft und welche Etiketten man trägt.

Durch diese scharfsinnige Kritik hebt der Beitrag die zeitgenössische Betonung von Image und Spektakel hervor und legt den Schluss nahe, dass Werte und Identität oberflächlich geworden sind und an materiellen Besitz und das äußere Erscheinungsbild gebunden sind.