Comprender el cubismo: una breve guía para los amantes del arte

Aunque la mayoría de las personas están familiarizadas con el cubismo y pueden reconocer una pintura cubista, tienden a subestimar el impacto significativo que tuvo en la tradición del arte occidental que se había establecido en Europa a lo largo de cinco siglos a partir del siglo XV. A principios del siglo XX, el surgimiento del cubismo marcó un profundo alejamiento de los principios artísticos que habían dominado desde el resurgimiento del arte grecorromano en el Renacimiento. Si bien estas convenciones ya habían sido desafiadas a lo largo del siglo XIX, el cubismo asestó el golpe final, abriendo la puerta a los movimientos de vanguardia que vendrían después.

El cubismo tuvo un impacto significativo pero, al mismo tiempo, fue un movimiento artístico de vida relativamente corta, que alcanzó su punto máximo más de una década antes de que sus lecciones fueran absorbidas o reemplazadas. Mientras que la escultura desempeñó un papel, el cubismo se centró principalmente en la pintura y el desmantelamiento del paradigma construido sobre el redescubrimiento de la estética clásica perdida tras la caída de Roma.

Este estilo de pintura, que abarcó el período de los Viejos Maestros, buscaba recrear la naturaleza utilizando una perspectiva geométrica o efectos atmosféricos (para evocar la distancia desapareciendo en una neblina) y claroscuro (usando gradaciones de luz para crear la ilusión de forma y espacio en tres dimensiones). . El uso generalizado de esmaltes y barnices de pintura al óleo permitió que la luz penetrara a través de las capas de color mientras minimizaba la pincelada visible, creando una superficie ceñida que realzaba la impresión de realidad.

Juntos, estos elementos crearon una ventana metafórica a través de la cual se podía inmortalizar una escena, haciendo de la pintura la principal herramienta para capturar visualmente la existencia hasta la invención de la fotografía.

La capacidad de comprender lo que se estaba representando visualmente fue un aspecto fundamental del estilo artístico que surgió durante el Renacimiento. A pesar de los movimientos artísticos posteriores, como el manierismo, el barroco y el rococó, que empujaron los límites de este concepto, ninguno descartó por completo esta idea central. Incluso el impresionismo del siglo XIX se adhirió a este principio: por ejemplo, un pajar de Monet aún conservaba su parecido con un pajar real.

El cubismo no solo marcó el comienzo del arte del siglo XX, sino que también representó la resolución de cuestiones que habían preocupado a los pintores durante el siglo XIX, particularmente en sus últimas décadas. En el transcurso de unos 75 años, la pintura francesa se alejó gradualmente de las estrictas reglas codificadas por la Académie des Beaux-Arts, que se basaban en el modelo de los Viejos Maestros. Con el paso del tiempo, estas regulaciones fueron abandonadas una por una, debilitando gradualmente el poder institucional de Académie.

El cambio más significativo fue el abandono de la pintura de historia, que había sido el enfoque principal de la Academia, a favor de géneros antes menos apreciados como el retrato, el paisaje y la naturaleza muerta, el último de los cuales fue especialmente prominente en el cubismo. Pintar la vida moderna, como había dicho el poeta y crítico Charles Baudelaire, reemplazó las exaltaciones de la iglesia, el estado y la mitología clásica que habían sido centrales en la pintura académica. El cambio hacia el cubismo se remonta a alrededor de 1880 cuando surgieron los posimpresionistas como grupo. Este colectivo incluía a figuras de renombre como Seurat, Gaugin, Van Gogh y Cézanne, entre otros. A pesar de sus diversos estilos y temas, todos buscaron traspasar los límites de la factura, que se refiere al manejo de la pintura.

Les Demoiselles d'Avignon

Les Demoiselles d'Avignon de Pablo Picasso, terminada en el verano de 1907, se considera la pintura por excelencia tanto del cubismo como del arte moderno. A pesar de la reputación de misoginia y explotación sexual de Picasso, Les Demoiselles ha resistido la prueba del tiempo como una obra fundamental en la historia del arte.

Curiosamente, la génesis de la obra maestra de Picasso se remonta a dos fuentes: su estudio y el Musée d'Ethnographie du Trocadéro de París. Mientras trabajaba en la pintura, Picasso visitó el museo y quedó impresionado por una colección de máscaras tribales que habían sido tomadas de las colonias africanas de Francia. Este encuentro tuvo un impacto significativo en la composición de Les Demoiselles, que terminó siendo bastante diferente de los planes iniciales del artista.

Ambientada en un burdel en una calle del barrio rojo de Barcelona, donde Picasso había tenido un estudio, Les Demoiselles retrata cinco desnudos femeninos que en realidad son prostitutas mostrando sus cuerpos para clientes masculinos. En sus estudios originales, Picasso había incluido dos figuras masculinas, ambos marineros, uno de los cuales se describe como un estudiante de medicina en sus notas. Sin embargo, después de su visita al Trocadéro, eliminó estos personajes y alteró los rostros de tres de las mujeres para que se parecieran a las máscaras africanas que había visto.