Comprendre le cubisme : un petit guide pour les amateurs d'art

Bien que la plupart des gens connaissent le cubisme et puissent reconnaître une peinture cubiste, ils ont tendance à sous-estimer l'impact significatif qu'elle a eu sur la tradition artistique occidentale qui s'était établie en Europe au cours de cinq siècles à partir du XVe siècle. Au début des années 1900, l'émergence du cubisme marque une rupture profonde avec les principes artistiques qui dominaient depuis la renaissance de l'art gréco-romain à la Renaissance. Alors que ces conventions avaient déjà été remises en cause tout au long du XIXe siècle, le cubisme a porté le coup de grâce, ouvrant la porte aux mouvements d'avant-garde qui allaient suivre.

Le cubisme a eu un impact significatif mais en même temps, c'était un mouvement artistique relativement éphémère, culminant plus d'une décennie avant que ses leçons ne soient absorbées ou remplacées. Alors que la sculpture a joué un rôle, le cubisme s'est principalement concentré sur la peinture et le démantèlement du paradigme construit sur la redécouverte de l'esthétique classique perdue après la chute de Rome.

Ce style de peinture, qui s'étendait sur la période des maîtres anciens, cherchait à recréer la nature en utilisant la perspective géométrique ou des effets atmosphériques (pour évoquer la distance disparaissant dans une brume) et le clair-obscur (en utilisant des dégradés de lumière pour créer l'illusion de la forme et de l'espace en trois dimensions) . L'utilisation généralisée de glacis de peinture à l'huile et de vernis a permis à la lumière de pénétrer à travers les couches de couleur tout en minimisant le travail au pinceau visible, créant une surface au rendu serré qui accentuait l'impression de réalité.

Ensemble, ces éléments ont créé une fenêtre métaphorique à travers laquelle une scène pouvait être immortalisée, faisant de la peinture l'outil principal pour capturer visuellement l'existence jusqu'à l'invention de la photographie.

La capacité de comprendre ce qui était représenté visuellement était un aspect fondamental du style artistique qui a émergé à la Renaissance. Malgré les mouvements artistiques ultérieurs tels que le maniérisme, le baroque et le rococo, qui ont repoussé les limites de ce concept, aucun n'a complètement rejeté cette idée centrale. Même l'impressionnisme du XIXe siècle a adhéré à ce principe : par exemple, une botte de foin de Monet a conservé sa ressemblance avec une botte de foin réelle.

Le cubisme a non seulement marqué le début de l'art du XXe siècle, mais a également représenté la résolution de problèmes qui avaient préoccupé les peintres au cours du XIXe siècle, en particulier dans ses dernières décennies. Au cours d'environ 75 ans, la peinture française s'est progressivement éloignée des règles strictes codifiées par l'Académie des Beaux-Arts, qui s'appuyaient sur le modèle des maîtres anciens. Au fil du temps, ces réglementations ont été abandonnées une à une, affaiblissant progressivement le pouvoir institutionnel de l'Académie.

Le changement le plus significatif a été l'abandon de la peinture d'histoire, qui avait été l'objectif principal de l'Académie, au profit de genres auparavant moins estimés comme le portrait, le paysage et la nature morte, ce dernier étant particulièrement important dans le cubisme. Peindre la vie moderne, comme l'avait dit le poète et critique Charles Baudelaire, a remplacé les exaltations de l'Église, de l'État et de la mythologie classique qui avaient été au cœur de la peinture académique. Le passage au cubisme remonte aux environs de 1880, lorsque les postimpressionnistes ont émergé en tant que groupe. Ce collectif comprenait des personnalités renommées telles que Seurat, Gaugin, Van Gogh et Cézanne, entre autres. Malgré la diversité de leurs styles et de leurs sujets, ils ont tous cherché à repousser les limites de la facture, qui fait référence à la manipulation de la peinture.

Les Demoiselles d'Avignon

Les Demoiselles d'Avignon de Pablo Picasso, achevées à l'été 1907, sont considérées comme la peinture par excellence du cubisme et de l'art moderne. Malgré la réputation de misogynie et d'exploitation sexuelle de Picasso, Les Demoiselles ont résisté à l'épreuve du temps en tant qu'œuvre charnière de l'histoire de l'art.

Fait intéressant, la genèse du chef-d'œuvre de Picasso peut être retracée à deux sources : son atelier et le Musée d'Ethnographie du Trocadéro à Paris. Alors qu'il travaillait sur le tableau, Picasso visita le musée et fut frappé par une collection de masques tribaux provenant des colonies africaines françaises. Cette rencontre a eu un impact significatif sur la composition des Demoiselles, qui s'est avérée bien différente des plans initiaux de l'artiste.

Situé dans un bordel dans une rue du quartier chaud de Barcelone, où Picasso avait autrefois eu un studio, Les Demoiselles dépeint cinq femmes nues qui sont en fait des prostituées exhibant leur corps pour des clients masculins. Dans ses études originales, Picasso avait inclus deux personnages masculins, tous deux marins, l'un étant décrit comme étudiant en médecine dans ses notes. Cependant, après sa visite au Trocadéro, il a enlevé ces personnages et a modifié les visages de trois des femmes pour ressembler aux masques africains qu'il avait vus.