Înțelegerea cubismului: un scurt ghid pentru iubitorii de artă

Deși majoritatea oamenilor sunt familiarizați cu cubismul și pot recunoaște o pictură cubistă, ei tind să subestimeze impactul semnificativ pe care l-a avut asupra tradiției de artă occidentală care a fost stabilită în Europa de-a lungul a cinci secole începând cu secolul al XV-lea. La începutul anilor 1900, apariția cubismului a marcat o îndepărtare profundă de principiile artistice care dominaseră de la renașterea artei greco-romane de la Renaștere. În timp ce aceste convenții fuseseră deja contestate de-a lungul secolului al XIX-lea, cubismul a dat lovitura finală, deschizând ușa mișcărilor de avangardă care aveau să urmeze.

Cubismul a avut un impact semnificativ, dar, în același timp, a fost o mișcare artistică de scurtă durată, care a atins apogeul cu peste un deceniu înainte ca lecțiile sale să fie absorbite sau înlocuite. În timp ce sculptura a jucat un rol, cubismul s-a concentrat în primul rând pe pictură și demontarea paradigmei construite pe redescoperirea esteticii clasice pierdute după căderea Romei.

Acest stil de pictură, care a cuprins perioada Vechiului Maestru, a căutat să recreeze natura utilizând perspectiva geometrică sau efectele atmosferice (pentru a evoca distanța care dispare într-o ceață) și clarobscurul (folosind gradații de lumină pentru a crea iluzia formei și a spațiului în trei dimensiuni) . Utilizarea pe scară largă a glazurilor de vopsea în ulei și a lacurilor a permis luminii să pătrundă prin straturi de culoare, minimizând în același timp pensularea vizibilă, creând o suprafață bine redată care a sporit impresia de realitate.

Împreună, aceste elemente au creat o fereastră metaforică prin care o scenă putea fi imortalizată, făcând din pictură instrumentul principal pentru surprinderea vizuală a existenței până la inventarea fotografiei.

Abilitatea de a înțelege ceea ce era reprezentat vizual a fost un aspect fundamental al stilului artistic care a apărut în timpul Renașterii. În ciuda mișcărilor artistice ulterioare, cum ar fi manierismul, baroc și rococo, care au împins limitele acestui concept, niciuna nu a renunțat complet la această idee de bază. Chiar și impresionismul din secolul al XIX-lea a aderat la acest principiu: de exemplu, un car de fân Monet și-a păstrat în continuare asemănarea cu un car de fân real.

Cubismul nu numai că a marcat începutul artei secolului al XX-lea, dar a reprezentat și rezolvarea problemelor care i-au preocupat pe pictori în timpul secolului al XIX-lea, în special în ultimele sale decenii. Pe parcursul a aproximativ 75 de ani, pictura franceză s-a îndepărtat treptat de regulile stricte codificate de Academie des Beaux-Arts, care se bazau pe modelul Vechiului Maestru. Odată cu trecerea timpului, aceste reglementări au fost abandonate unul câte unul, slăbind treptat puterea instituțională a Academiei.

Cea mai semnificativă schimbare a fost abandonarea picturii de istorie, care fusese principalul obiectiv al Academiei, în favoarea unor genuri anterior mai puțin apreciate precum portretul, peisajul și natura moartă, cea din urmă fiind deosebit de proeminentă în cubism. Pictura vieții moderne, așa cum a spus poetul și criticul Charles Baudelaire, a înlocuit exaltările bisericii, ale statului și ale mitologiei clasice care fuseseră esențiale pentru pictura academică. Trecerea către cubism poate fi urmărită în jurul anului 1880, când postimpresioniştii au apărut ca grup. Acest colectiv a inclus figuri renumite precum Seurat, Gaugin, Van Gogh și Cézanne, printre alții. În ciuda stilurilor și subiectelor lor diverse, toți au căutat să depășească limitele facturii, care se referă la manipularea vopselei.

Les Demoiselles d'Avignon

Les Demoiselles d'Avignon de Pablo Picasso, finalizată în vara anului 1907, este considerată pictura prin excelență atât a cubismului, cât și a artei moderne. În ciuda reputației lui Picasso pentru misoginie și exploatare sexuală, Les Demoiselles a trecut testul timpului ca o operă esențială în istoria artei.

Interesant este că geneza capodoperei lui Picasso poate fi urmărită din două surse: atelierul său și Musée d'Ethnographie du Trocadéro din Paris. În timp ce lucra la pictură, Picasso a vizitat muzeul și a fost lovit de o colecție de măști tribale care fuseseră luate din coloniile africane ale Franței. Această întâlnire a avut un impact semnificativ asupra compoziției Les Demoiselles, care a ajuns să fie destul de diferită de planurile inițiale ale artistului.

Amplasat într-un bordello de pe o stradă din cartierul roșu al Barcelonei, unde Picasso a avut cândva un studio, Les Demoiselles înfățișează cinci femei nude care sunt de fapt prostituate care își etalează trupurile pentru clienții bărbați. În studiile sale originale, Picasso a inclus două figuri masculine, ambele marinari, unul fiind descris în notițele sale ca student la medicină. Cu toate acestea, după vizita sa la Trocadéro, el a îndepărtat aceste personaje și a modificat fețele a trei dintre femei, astfel încât să semene cu măștile africane pe care le văzuse.