Weniger ist mehr: Eine kurze Geschichte der minimalistischen Mode

Minimalismus hat eine Bedeutung, die über die Oberfläche hinausgeht

Sie haben wahrscheinlich in letzter Zeit in den sozialen Medien den Begriff „minimalistisch“ auf Outfits und Wohndesign-Bildern gesehen. Aber beim minimalistischen Stil geht es um weit mehr als nur Schwarz-Weiß-Farben oder den Mangel an Dingen. Es ist eine ganze Philosophie, die im Laufe der Jahre immer wieder auftaucht.

Designer und Künstler scheinen immer wieder auf den Minimalismus als leeres Blatt Papier zurückzukommen, auf dem sie aufbauen können. Es ist wie ihr Reset-Knopf, wenn sie einen Neuanfang brauchen. Aber auch der Minimalismus wurde je nach Epoche unterschiedlich betrachtet. Was in den 60er Jahren minimalistisch war, würde heute wahrscheinlich nicht mehr als so minimalistisch gelten.

Hinter der minimalistischen Ästhetik steckt eine tiefere Bedeutung, die über die bloße Verwendung einer Farbe oder einen leeren Raum hinausgeht. Es steht im Zusammenhang mit umfassenderen Veränderungen in Kultur und Gesellschaft zu verschiedenen Zeitpunkten der Geschichte. Minimalismus ermutigt dazu, sich nur auf das zu konzentrieren, was man wirklich braucht oder worin man einen Wert findet. Ich denke, es geht darum, sich auf das Wesentliche zu reduzieren und Schönheit in neutralen Tönen oder spärlichen Räumen zu sehen.

Auch nach all diesen Jahrzehnten bleibt der Minimalismus als künstlerischer Stil und als Denkweise bestehen. Es inspiriert immer wieder neue Generationen dazu, zu hinterfragen, was ihnen wichtig ist, und schneidet alles andere weg. Manchmal liegt auch Zufriedenheit in der Begrenztheit!

Die Wurzeln der minimalistischen Mode

Wenn man über Kunst, Design und Mode spricht, hört man wahrscheinlich oft den Begriff „Minimalismus“ verwenden. Die minimalistische Bewegung begann in den 1960er Jahren in New York. Eine Gruppe von Künstlern war der traditionellen Gemälde und Skulpturen überdrüssig, die sich so sehr auf die realistische Darstellung von Objekten konzentrierten.

Stattdessen wollten Künstler wie Donald Judd und Agnes Martin die Dinge auf ihr Wesentliches reduzieren. Judd beschrieb seine Arbeit als „den Ausdruck komplexer Ideen durch einfache Formen“. Und das bringt den Minimalismus auch in der Mode auf den Punkt: Das Design bleibt äußerst schlicht und dennoch wirkungsvoll.

Der Minimalismus folgte im Laufe der Jahrzehnte auch wirtschaftlichen und technologischen Trends. Bereits vor den 1960er-Jahren lassen sich in Zeiten des Wandels minimalistische Einflüsse beobachten. Als zu Beginn des 20. Jahrhunderts immer mehr Frauen in die Arbeitswelt eintraten und für Dinge wie das Wahlrecht kämpften, wurde auch ihr Stil vereinfacht. Die Kleidung wurde maskuliner und praktischer, wie die Designs von Chanel.

Als der Feminismus dann in den 1950er und 1980er Jahren auf Gegenreaktionen stieß, wurde die Mode wieder sehr feminin und übertrieben, à la Diors New Look. Aber avantgardistische Designer haben jedes Mal dazu beigetragen, den Minimalismus als Statement zurückzubringen. Es war immer mit Zeiten des gesellschaftlichen Fortschritts und der Modernisierung verbunden. Auch heute noch lässt der Minimalismus unsere individuellen Stile ohne Ablenkung durchscheinen.

Die frühe minimalistische Kunst lehnte traditionelle Handwerkskunst ab und verwendete rohe, einfache Materialien. Japanische Designer wie Issey Miyake machten in den 80er Jahren etwas Ähnliches in der Mode. Sie verwendeten unkonventionelle Stoffe wie Polyester und schickten weite, geschichtete Looks auf die Laufstege. Ihre Vision veränderte die Art und Weise, wie wir Kleidung als etwas betrachten, das über das bloße Aussehen einer bestimmten Art hinausgeht.

Der Minimalismus entwickelte sich in den 1980er Jahren zur Dekonstruktion

In diesem Jahrzehnt verzweigte sich der Minimalismus in verschiedene Strömungen. Große Luxusmarken folgten einem eleganten, klaren Stil, der von Donna Karan und Giorgio Armani entwickelt wurde. In der Zwischenzeit wurden kleinere Indie-Designer konzeptioneller.

Margiela konzentrierte sich durch seine dekonstruierten Designs darauf, die Wahrnehmung von Weiblichkeit zu erfrischen. Da die Mode immer mehr auf das Branding setzte, erlangte seine Anti-Status-Arbeit große Relevanz. Es betonte technische Meisterschaft in Kombination mit der spielerischen Umformung von Normen. Auch heute noch inspiriert Margielas visionäre Dekonstruktion Mode, die Grenzen überschreitet.

Während sich Spitzendesigner früher für minimalistische, moderne Power-Anzüge entschieden, folgte später in den 80er und 90er Jahren die Mainstream-Mode diesem Trend, angeführt von amerikanischen Talenten wie Donna Karan und Calvin Klein.

Ihr klares, minimalistisches Aussehen konzentriert sich auf Komfort, Leichtigkeit und Praktikabilität für berufstätige Frauen. Dieser „Post-Minimalismus“ unterschied sich stark von der Machtkleidung des vorangegangenen Jahrzehnts in Silhouetten.

Im Gegensatz zu europäischen Häusern wie Maison Martin Margiela, die eine konzeptionelle Dekonstruktion bevorzugten, oder japanischen Marken, die sich auf unkonventionelle Stoffe konzentrierten, betonte der amerikanische Minimalismus die weibliche Form mehr denn je.

Minimalismus heute

Minimalismus ist heute mehr denn je mit vorsichtigem Ausgeben verbunden. Wir wollen vielseitige Basics, die auch in der nächsten Saison nicht auslaufen. Minimale Stücke sehen immer zeitgemäß aus.

Auch Nachhaltigkeit ist heute ein großes Anliegen. Wir legen Wert auf transparente Lieferketten und weniger Abfall/Umweltverschmutzung. Minimalismus gibt uns ein gutes Gefühl über die geringere Umweltbelastung.

Marken wie Stella McCartney und Phoebe Philo für Celine zeigen, wie sich Minimalismus gut für ethische Mode eignet.

Der vereinfachte Ansatz des Minimalismus spiegelt unsere Werte des bewussten Konsums wider. Es ermöglicht uns, individuellen Stil durch zeitlose Investitionsartikel verantwortungsvoll zum Ausdruck zu bringen.