Czym była Belle Epoque - widok na najbardziej luksusowy okres w Europie

Belle Epoque, czyli „Piękna Era”, była czasem nieustannych innowacji i atmosferą nieograniczonych możliwości, która przenikała kontynent europejski od końca XIX do początku XX wieku. W tym luksusowym okresie pojawiły się nowoczesne udogodnienia i nowe trendy, które przekształciły wiele miast, zwłaszcza Paryż, w sceny o niewyobrażalnym bogactwie. W tym okresie kwitła również sztuka i wzornictwo, dając początek unikalnym stylom, które nadal urzekają publiczność. W tym artykule zagłębimy się w czynniki, które napędzały erę Belle Epoque, wyróżnimy głównych graczy na scenie artystycznej i projektowej oraz zbadamy ostateczny upadek tego tętniącego życiem okresu.

Belle Epoque, okres luksusu i ekstrawagancji, pojawił się we Francji w latach 70. XIX wieku, w czasie szybkich zmian i postępu. Po upadku Drugiego Cesarstwa Francji pojawiła się nowa nadzieja i optymizm co do przyszłości. Druga rewolucja przemysłowa doprowadziła do wzrostu gospodarczego, zwłaszcza w miastach takich jak Paryż.

Nie tylko to, ale Belle Epoque to także czas wielkiego postępu w sztukach dekoracyjnych i plastycznych. Artyści byli zachęcani do realizowania nowych pomysłów, zwłaszcza w celebrowaniu spektaklu nowoczesnego miasta. W tym okresie pojawiły się nowe formy i ruchy artystyczne, które przyniosły ze sobą rozwijającą się estetykę, która przemawiała do przyjemności epoki. Jednak wybuch I wojny światowej w 1914 r. gwałtownie położył kres tej świetności. Dopiero z perspektywy czasu, w porównaniu z okropnościami wojny, ukuto termin „Belle Epoque”. Ta tęskna nostalgia za utraconym pięknym wiekiem dodaje uroku temu okresowi, ponieważ przypomina niesamowitą energię i kreatywność, które zostały stłumione przez wojnę. Niemniej jednak spuścizna wielu artystów związanych z Belle Epoque przetrwała w postaci znakomitych przykładów sztuki plastycznej i dekoracyjnej.

Baron Georges-Eugene Haussmann stał na czele odnowy miejskiej Paryża, co również odegrało kluczową rolę w ożywieniu ducha miasta. Od lat pięćdziesiątych do siedemdziesiątych XIX wieku Haussmann zburzył większość średniowiecznego centrum miasta i zastąpił je wielkimi bulwarami, rozległymi blokami mieszkalnymi i zadbanymi parkami. Gustave Caillebotte „s Paris Street, Rainy Day (1877) uwiecznił te zmiany. Wraz z rozwojem dużych obiektów rozrywkowych, takich jak cyrki, sale koncertowe i kabarety, te modyfikacje paryskiego krajobrazu stworzyły kulturowy moment, w którym akt „widzenia i bycia widzianym” był najważniejszy.

Koncentrując się na współczesnym doświadczeniu, artyści zaczęli eksplorować współczesne tematy w swoich pracach. Pojawienie się nowych ruchów artystycznych, takich jak impresjoniści, którzy zorganizowali swoją inauguracyjną wystawę w 1874 roku, znalazło inspirację w życiu Paryża. Od przedstawień stacji kolejowej Gare Saint Lazare autorstwa Claude'a Moneta po portret kultury kawiarnianej Pierre'a-Auguste'a Renoira w Bal au Moulin de la Galette i winiety Mary Cassatt przedstawiające elegancko ubranych widzów teatralnych w In the Loge, ci artyści uchwycili przebłyski współczesnego rozrywka. Nie byli jednak sami w dążeniu do pchania sztuki w nowe kierunki.

Epoka Belle Epoque była świadkiem wielu stylów w meblach i biżuterii, które odzwierciedlały eklektyczny gust tamtych czasów. Podczas gdy niektórzy projektanci, tacy jak Francois Linke, nadal tworzyli ozdobne elementy w stylu rokoko, popularne w XVIII wieku, inni przyjęli nowe podejście, które łączyło elegancję z naturalnymi lub opływowymi elementami. Do najwybitniejszych ruchów i projektantów tego okresu należeli:

Art Nouveau, estetyka celebrująca płynne linie i naturalne kształty, często wykorzystująca materiały organiczne i półszlachetne. Twórcy mebli w stylu Art Nouveau, tacy jak Louis Majorelle, wykorzystali głębokie odcienie drewna i akcenty z pozłacanego brązu, aby stworzyć delikatne, ale efektowne elementy, które ujednoliciły różne elementy domu, od zestawów do sypialni po biurka.

Ta epoka była naznaczona różnorodnymi ruchami projektowania mebli i biżuterii. Jednym z takich ruchów była secesja, która wykorzystywała naturalne formy i materiały do tworzenia delikatnych i ozdobnych mebli. Louis Majorelle był wybitnym producentem mebli w tym stylu.

Z drugiej strony Art Deco przyjęło bardziej precyzyjne i geometryczne podejście do projektowania. Eugène Printz i Jacques-Emile Ruhlmann byli dwoma wpływowymi projektantami Art Deco, których prace silnie wpłynęły na modernistyczne trendy projektowe XX wieku.

Ruch Arts & Crafts, kierowany przez projektantów takich jak Gustav Stickley i Charles Rennie Mackintosh, podkreślał znaczenie tradycyjnych praktyk wytwarzania i ręcznie ciosanych cech ich projektów. Podczas gdy w swoich projektach dzielili podobną precyzję z ruchem Art Deco, projektanci Arts & Crafts celebrowali obecność ręki artysty w swoich dziełach. Rezultatem były meble i sztuka dekoracyjna, które szczyciły się wysokim poziomem wykończenia i olśniewały oko.